02. Take That Look Off Your Face

这张专辑是希拉里·哈恩与休·沃尔夫指挥的圣保罗室内乐团合作，演奏赛谬尔·巴伯、埃德加·梅耶的《小提琴协奏曲》。专辑中这两部现代的、非热门曲目，尤其是梅耶的小提琴协奏曲，是专门题献给哈恩的，所以更显珍贵。 巴伯《小提琴协奏曲》相对来说很多人都很熟悉了。整首作品包含着浓郁的思情、浪漫、留恋与不舍，以及末乐章的狂放。在哈恩纯净的琴声中，所有的情感都在不息的流淌中一一呈现。哈恩的演奏时常会有“拙力”的情况出现，而在此，却似乎“拙”得很贴切。末乐章的精彩演绎经常被人拿来做为“哈恩拥有惊人技巧”的有力佐证，在那么快的速度下，她居然能面面俱到的将其中的音乐色彩清晰的呈现出来实在不简单。这绝不是说她的技术就不突出！相反，在这样的高速运转下还能保持声音的颗粒在一整个乐章中都不出现纰漏，哈恩的技术已经不是传统意义上的精良了。 梅耶《小提琴协奏曲》更是专辑的主打曲目。作曲家大概是按照当时的哈恩来创作的吧。双乐章的作品内容气象万千，绝不是传统观念的“短小精悍”；而演奏家的模样也真的就跃然而至琴声乐曲之中。作曲家埃德加·梅耶在哈恩完成其作品的世界首演后说：“她用自己的方式演奏……我不能说我妒忌。她抓住了音乐的精髓。我无法想象还有比这更好的演绎。她的节奏棒极了。”梅耶甚至认为这部世界首演的作品让人感觉哈恩已经演奏过20遍。

这张专辑是马里纳指挥圣马丁学院乐团，演奏沃恩·威廉斯的管弦乐作品，包括《塔里斯主题幻想曲》、《绿袖幻想曲》、《云雀飞翔》等优美动人、广为人知的作品。马里纳诠释这些早为大众熟悉的乐曲独具典雅细致的英国田园风貌，酝酿出浪漫醉人的音乐世界。《企鹅唱片指南》评价三星。 拉尔夫·沃恩·威廉斯（Ralph Vaughan Williams，1872－1958) 二十世纪前半期英国最伟大的作曲家，以英国民谣为作品根基，融合了伊利莎白女王时代至詹姆斯一世时期的英国福音音乐，并赋予新的风貌。沃恩·威廉斯自幼学习钢琴与小提琴，曾入剑桥大学和皇家音乐院，毕业后当了教堂的琴手与合唱指挥。先后从师于布鲁赫和拉威尔学作曲。第一次世界大战时入伍，退役后一直在皇家音乐院任教。毕生谦逊地工作，品格高尚、待人真诚。深爱民间音乐，曾入居乡间收集民歌，参加农村的节日和音乐赛会，将人民的音乐语汇融入自己的创作，同时又向都铎王期的作家和普塞尔的音乐吸取养料，逐步形成了自己的风格。他的音乐有英国式的平易、幽默，精力充沛而不失文雅的格调。沃恩·威廉斯写过几乎所有形式的音乐：九首交响曲钢琴、小提琴，甚至竖笛协奏曲、弥撒曲、歌剧等等。其他代表作有如歌剧《赶车人休格》、《恋爱中的约翰爵士》、管弦乐《三首诺尔福特狂想曲》、《蜂序曲》、《塔里斯主题幻想曲》和九部交响曲等。他的创作奠定了英国现代民族音乐的基础。此外，最脍炙人口短曲为小提琴与乐团而写的浪漫曲《云雀飞翔》(The Lark Ascending)及《绿袖子幻想曲》(Fanitaia on Greensleeves)。

这张专辑是荷兰著名指挥家爱德华·冯·拜农的录音精选辑。参与演奏的乐团：伦敦爱乐乐团、阿姆斯特丹音乐会堂管弦乐团。 爱德华·冯·拜农（Eduard Van Beinum，1901年9月3日-1959年4月13日）荷兰著名指挥家。他追求自然、优雅、浪漫，色彩柔和地对作品进行中性诠释，是一位极具风格的指挥家，可惜自在阿姆斯特丹就任后，就疾病缠身，最终在一次排练中因心脏病突发而猝然去世。同样担任指挥家的儿子曾指出，拜农的指挥态度与其说是诠释，倒不如说是了解音乐本身，只有直接掌握音乐的内在动机，才能将音乐的精神直接传达给听者。指挥大师爱德华·范·拜农是连接威廉·门格尔贝格强烈的主观性和伯纳德·海廷克多种风格的桥梁。他既不像以前的指挥家一样有大批跟随者，也没有广泛的作品陈列。但是这并不能动摇他作为一个杰出的指挥家的地位。显然范·拜农是一位非常谦虚的指挥家，而这在指挥界中是罕见的。他经常将自己比喻成为“听众与作曲家之间的桥梁”，尽量避免作品被乐团夸张地理解和表现。他的艺术才能涉及也非常广泛，从巴洛克时代到今天这个时代的音乐。你可以在他的作品中感觉得到他与著名的指挥大师马勒和布鲁克纳一样出色。如果他也能够活到这样录音技术非常成熟的今天，他的作品肯定也能家喻户晓。

这张双CD专辑是苏联著名指挥家尼科莱·格洛凡诺夫的录音精选辑。参与演奏的乐团：莫斯科广播交响乐团。 尼科莱·格洛凡诺夫（Nikolai Golovanov，1891-1953）苏联最伟大的指挥家之一。格洛凡诺夫除了是著名的指挥家之外，也是著名钢琴家、教师和非常多产的作曲家。比起其它的指挥家，格洛凡诺夫的录音作品相当广，因而有“录音先锋”的封号，日本的季刊《Classic Press》以“俄罗斯怪物指挥者”来称呼他。 格洛凡诺夫在指挥的系谱学里，比较偏荷兰指挥家孟格堡的风格，其音乐是极致的浪漫，不负“怪物”之名。最后对这位非凡的指挥家下了这样的批注：“在格洛凡诺夫的音乐中，人们听到一个受复仇女神祝福，而被天使追逐的音乐人”。 第一张CD里头一首曲子是格拉祖诺夫的《第六交响曲》。整部曲子的强度呈渐弱的走势，琴弦拨动时闪耀的微微光芒，就如同粼粼日光。格洛凡诺夫在此又运用了他惯常的悬念表现手法和堪称一流的劈、砍式的令人兴奋的诠释方式，听觉上给人带来的那种震撼力就好比燃烧的油井。第二乐章是主旋律和变奏曲，尽管曲子的强度还是有所减弱，但依旧能感觉得到严格的控制。格洛凡诺夫极为自信，把主旋律与每一个变奏曲之间都划分得很清楚（共有7个变奏曲）。它们并不是单个地被联系在一起。第三首变奏曲是一首典型的欢快的谐谑曲，全曲精确无误与他指挥演奏的门德尔松的《仲夏夜之梦》中的谐谑曲别无二致。充溢着渴望的小间奏曲是一首芭蕾舞音乐（只有3分44秒）。历时9分37秒的终曲的开头有点像鲍罗丁《第二交响曲》的最后乐章，之后便发展进入到一种深沉、华丽、兴高采烈的氛围之中，使我想起了拉赫玛尼诺夫《第一交响曲》的终曲。就像李斯特的交响诗一样，格洛凡诺夫使它听起来比实际上的更加动听。

这张专辑是匈牙利指挥家乔治·赛尔的录音精选辑。参与演奏的乐团：克里夫兰交响乐团、科隆西德广播交响乐团、纽约爱乐乐团。 乔治·赛尔（George Szell，1897-1970）是一位十分全面的音乐指挥家，他在一生中曾指挥过各类体裁的大量作品，他不但精于指挥古典和浪漫主义的经典作品，对于现代主义作品，他也有着十分令人信服的演释能力，在其指挥生涯中，曾经指挥首演过利怕曼的歌剧《佩内洛普》和埃克的歌剧《爱尔兰的传奇》。赛尔的指挥曲目异常广泛，其中包括各个国家作曲家的优秀作品。 赛尔虽然是一位在匈牙利出生的指挥家，然而他却是在奥地利受的音乐教育，早年的艺术活动也主要是围绕着德奥地区而进行的，因此，赛尔实际上是一位很“德奥化”的指挥家，他在长期训练克利夫兰交响乐团时，也的确将那种严谨、精密和细腻的“欧化”风格带给了这个乐团，难怪后来克利夫兰交响乐团获得了“全美最具欧洲特点的乐团”和“精密的使人透不过气”的雅号，这些恐怕都是与赛尔的长期培养和个人风格的熏陶所分不开的。 赛尔在指挥风格上趋向于托斯卡尼尼开创的客观主义风格，他本人在排练和演出时也十分强调于忠实原作。在指挥时赛尔表现出了出奇的严谨和细腻，他在演释作品时，总是能够凭借着自己的敏锐的听力、良好的平衡感和果断的判断能力，将作品的织体层次勾划得异常清晰。赛尔的演释，具有十分恰到好处的完整感，在对于作品内容方面的揭示上，他也有着极其严整的逻辑性。因此，从这些方面的综合能力上看，赛尔的确是一位很全面的指挥大师。 赛尔作为接受德奥体系训练的指挥家，最善于指挥德奥风格的作品，实际上，他对德奥体系中各个风格的作曲家的作品，都有着非常精辟的理解和掌握，例如海顿、莫扎特、贝多芬、瓦格纳、理查·施特劳斯和马勒等人的歌剧及交响乐作品，都是赛尔精致的节目单上的内容。

这张专辑是安东尼·威特指挥波兰国家广播交响乐团，与波兰著名女高音歌唱家Zofia Kilanowicz合作，演奏戈雷茨基的《第三交响曲》、《三首古风乐曲》。波兰指挥家安东尼·威特是波兰指挥家中的翘楚之一、波兰音乐的权威诠释者。 亨里克·戈雷茨基（Henryk Gorecki，1933年12月6日-2010年11月12日）波兰作曲家。一般被认为是神圣简约主义的代表人物之一。他的音乐一开始受到韦伯恩的序列主义影响，但是后来更注重从传统的波兰圣咏、文艺复兴时期的复调音乐以及浪漫主义音乐那里得来的灵感。其《第三交响曲“悲歌”》由于鲜明的有调性，以及优美低沉的感伤风格。而深受全世界听众的喜爱，是20世纪下半叶古典音乐中少有的现象。 《第三交响曲“悲歌”》作品36，此曲是战后新波兰乐派的代表、伟大的极简派先锋作曲家戈雷茨基献给自己的妻子所谱的一部返璞归真的作品。在这里他彻底抛开了那些战后先锋派布列兹、施托豪克森、韦伯恩等激进的先锋音乐家的序列主义与点描主义、电子音乐的影响，将音乐彻底回归简单。他将极简派的音乐手法融入中世纪的圣咏音乐与宗教元素，在自己的巅峰时期谱出了一部神圣简约主义的代表作，而这也被认为是他自己的代表作品，也是我最爱的一部近代交响乐作品之一。

这张专辑是希拉里·哈恩与科林·戴维斯指挥的伦敦交响乐团合作，演奏埃尔加《小提琴协奏曲》、沃恩·威廉姆斯《云雀高飞》。 埃尔加《b小调小提琴协奏曲》作品61，在曲式上秉承了古典协奏曲的传统，而在配器以及和声等方面却表现出了强烈的浪漫主义色彩。整部作品将小提琴的演奏技巧发挥到臻于完美的境地，与乐队达到水乳交融的状态，呈现出一种动人的诗情画意。 沃恩·威廉姆斯《云雀高飞》富有英国民歌风味。此曲是他读了十九世纪英国诗人乔治·麦勒迪斯的诗句后有感而作。小提琴代表那只“云雀”，以一连串的颤音穿梭于乐队，构思精巧，音乐相当抒情。乐曲以一段连续而平静的弦乐开篇，紧接着，“扮演”云雀的小提琴单独奏出了一段上升的琶音。独奏小提琴初次呈示之后，弦乐又加进了，与提琴两相应和。仿佛在春光明媚的山谷中，云雀盘旋而上，自在逍遥。这段优美柔和的旋律不仅为全曲奠定了迷离、朦胧的基调，而且也是全曲赖以发展的一个基础。在管弦乐的伴奏下，小提琴又奏出了婉转迂回的主旨动机。装饰性的华彩乐段之后，长笛和双簧管又引出了民间舞蹈式的第二主题。尽管整个乐队都加入了，但收敛得很好，静谧的气氛并未改变。管乐的甜美的吟唱犹如花影摇曳，露珠交烁，温顺而富有表情。接着，小提琴又奏了一段华彩，云雀凌空于田园之上，气氛渐渐活跃。原始的主题也被又一次重复。全曲收束在小提琴轻盈、灵动的独奏中。于是，云雀远去，消失在无边的天际。微风吹拂，山谷中蜿蜒的小溪上撩起一阵涟漪……

这张专辑收录了澳大利亚裔抒情女高音达涅拉·德·尼兹演唱的亨德尔咏叹调，是她的首张个人专辑。在这张专辑中，达涅拉·德·尼兹继续探索她对亨德尔声乐作品的热爱，演唱了一系列咏叹调，完美地展示了她的戏剧性、魅力和鲜活的声乐品质。亨德尔作品演奏专家威廉·克里斯蒂指挥法国繁盛艺术古乐团担任伴奏，这是一支屡获殊荣的乐团、也是古乐的积极推动者。专辑中既收录了亨德尔的著名作品，也收录了一些鲜为人知的作品。其中包括《朱利奥·塞萨雷》、《里纳尔多》、《塞梅尔》、《特塞奥》和《阿马迪吉》，以及很少表演的清唱剧《阿波罗与达芬》中的咏叹调。 达涅拉·德·尼兹是国际音乐节和歌剧院舞台上最受欢迎的花腔女高音歌唱家之一。她被《纽约时报》誉为“歌剧界最酷的女高音”，《歌剧新闻》则称她“不仅超凡，更是绝伦！”。达涅拉·德·尼兹掌握诸多不同的艺术风格，并对各种风格的作品均有着过人的处理，是纽约大都会歌剧院、巴黎国家歌剧院、维也纳国家歌剧院、德累斯顿森帕歌剧院舞台上极具号召力的明星。在达涅拉·德·尼兹美丽的外表下，蕴藏着一个强大的的内心小宇宙。作为一位歌剧演员出身的她，不仅唱起各种歌剧花腔咏叹调来不在话下，也要在音乐剧领域内施展一番拳脚，在各种音乐风格和唱法之间切换自如，堪称全能。 亨德尔是一位非常出色的声乐艺术家。他创作了许多非常独特的歌唱风格，包括女高音咏叹调。这种独特的演唱方式具有非常丰富的艺术性、非常丰富并且细致的情感，同时具有十分鲜明的意大利风格。除此之外，他还可以运用出多种方法来发挥出唱法中的优点。亨德尔的音乐作品不仅要求歌唱家掌握技巧，学会准确控制气氛，还需要考虑歌唱家的音乐表达能力和范围。亨德尔非常善于使用女高音的中档。女高音在学习亨德利的声乐作品时，必须掌握其独特的旋律风格和艺术风格。在演唱亨德尔的作品时，歌唱家要在演唱时带入本身最真挚的情感，表现的安静、放松式的去体会戏剧式的感受。

这张专辑是伟大的鼓手比利·考伯汉姆1973年在纽约录制的，由Billy Cobham演奏打击乐、Tommy Bolin演奏吉他、Jan Hammer演奏钢琴、电钢琴及合成器、Lee Sklar演奏贝斯。比利·考伯汉姆创作了专辑中所有的作品，许多评论家和粉丝都认为这是他最好的专辑。这些乐曲强烈地融合了摇滚乐节奏和爵士乐即兴创作。 比利·考伯汉姆（Billy Cobham）1944出生，擅长爵士、放克、摇滚风格演奏，是最早将爵士和摇滚融合在一起的乐手之一。他善于利用奇数拍节奏，使节奏变化多样、律动感十足，演奏创新大胆又不失音乐性。作为fusion音乐领域里最出色的鼓手，比利·考伯汉姆早在成为资深的乐队领队之前，就用他颇具爆发性的音乐技巧，为该领域早期的一些包括Miles Davis 、The Mahavishnu Orchestra在内的最为重要的唱片录制活动，注入了巨大的能量。比利·考伯汉姆最了不起的地方在于，他的音乐十分巧妙地融合了两种截然不同的音乐风格，既充满了妩媚曼妙的爵士味道，又不失热烈激动的摇滚氛围。他能够一边进行着细腻而精湛的演奏，而在另一边则开始了令人惊叹的即兴创作，事实上，他拥有如此多样的音乐技巧，已不需要局限于某一种音乐风格了。2001年，比利·考伯汉姆被《Modern Drummer Magazine》选为世界25位最有影响力鼓手之一。 在这张经典专辑中，吉他手Tommy Bolin将摇滚的声音和爵士的演奏技术很好地结合，但在1970年代这个Fusion乐兴起的年代，他的表现并没有受到足够的关注。从Tommy Bolin和键盘手Jan Hammer令人叫绝的对话即兴中，你能听出Tommy Bolin非同凡响的音色，这音色后来影响了众多的吉他手，其中包括Jeff Beck。Tommy Bolin的失真音色弹奏Fusion时已经够酷了，但当他开始实时操作起Echoplex时，声音变幻莫测达到疯狂的程度。再听听专辑中的乐曲《Taurian Matador》，可以体会Tommy Bolin精巧的Funk音色，以及他在摇把上的疯狂表现。

这张专辑是美籍匈牙利指挥家弗里茨·莱纳的录音精选辑。参与演奏的乐团：芝加哥交响乐团、RCA胜利交响乐团、罗宾汉DELL管弦乐团（费城管弦乐团）、NBC交响乐团、匹兹堡交响乐团。 弗里茨·莱纳（Fritz Reiner，1888年12月19日-1963年11月15日）著名的美籍匈牙利指挥家。在莱纳一生指挥生涯中最辉煌的时期是他任职芝加哥交响乐团的10年，他培养出了宏大辉煌（尤以铜管的灿烂闻名）的“莱纳之声”。他指挥的唱片常以“爆棚”而著称；他竟然在短短的几年里就把处于低落的芝加哥交响乐团恢复了元气，莱纳与海菲兹、鲁宾斯坦、克莱本、吉列尔斯等演奏大师合作的“现场立体声”（Living Stereo）系列唱片经典之极，同时他也与托斯卡尼尼、比彻姆、斯托科夫斯基、富特文格勒以及门盖尔伯格并称为20世纪指挥大师级人物。 莱纳的指挥风格豪放雄浑，丝丝入扣，他的指挥忠于原作，结构清晰，速度精确，色彩华丽，音响光洁，音乐热情——以最小的动作来获得最大的效果，这是他的指挥理念，也是他的指挥特色；他善于演绎各种类型的作品，尤其擅长贝多芬、柴科夫斯基、巴托克、拉威尔、勃拉姆斯、瓦格纳、莫扎特和理查·施特劳斯等音乐大师的作品，更是20世纪音乐的最佳代言人；此外，他对约翰·施特劳斯的作品也有极深的认识。 对于听众来说，莱纳的指挥缺乏热情，表情漠然；但对于乐手来讲，却是令人振奋，充满了内在的活力；控制得恰到好处而且丰富的体态语言非常准确地表达了他的所有意图。试图描述这些意图和莱纳的总的演绎风格不太容易，因为总有例外。但是莱纳的演绎却展现了古典主义者的品味(他曾说过：“最好的是莫扎特，第二好的是莫扎特，第三好的还是莫扎特”)：清澈、精炼、典雅和均衡感；展现了他接受并战胜各种挑战的渴望；那如画家般格外认真敏锐地选择和混合色彩的技法；如魔术大师般善于营造气氛的手；当然，不可忽略的是一个音乐家的机敏和节奏感。