08. Beethoven Symphony No.8 - 3. Tempo di Menuetto

这张专辑是莱博维茨指挥皇家爱乐乐团，演奏贝多芬《第九交响曲》。由著名录音师韦尔金森（K.Wilkinson）1961年在英国伦敦录制。专辑演奏、录音都极为出色，是古典音乐的天碟级作品。 《d小调第九交响曲》作品125，作于1819-1824年间。因其第四乐章加入了大型合唱，故后人称之为“合唱”交响曲。合唱部分是以德国著名诗人约翰·克里斯托弗·弗里德里希·冯·席勒的《欢乐颂》为歌词而谱曲的，后来成为最为著名的主题。此曲被公认为贝多芬在交响乐领域的最高成就，是其音乐创作生涯的最高峰和总结。 此曲构思广阔，思想深刻，形象丰富多样，它扩大了交响乐的规模和范围，超出了当时的体裁和规范，变成由交响乐队、合唱队和独唱、重唱所表演的一部宏伟而充满哲理性和英雄性的壮丽颂歌。作者通过这部作品表达了人类寻求自由的斗争意志，并坚信这个斗争最后一定以人类的胜利而告终，人类必将获得欢乐和团结友爱。 如今《d小调第九交响曲》被公认是贝多芬在交响乐领域的最高成就。说欢乐颂是贝多芬交响乐的颠峰之作，更因为整部作品仿佛是贝多芬一生与其命运的一部斗争史。乐曲的第一、第二乐章均采用小调，表现了贝多芬早年的命运多舛，痛苦与绝望一直伴随着他、折磨着他。但他一直坚持着，顽强地与命运抗争着。慢慢地，痛苦转为宁静（第三乐章），以至到最后他完全得到解脱，得到了真正的永恒的最终的欢乐（第四乐章）。斗争，一直充斥在贝多芬的作品中。尤其是《d小调第九交响曲》，更能给在痛苦与绝望汹涌的风浪中挣扎的人们以无穷的力量和希望。

这张专辑的全部曲目由黄蒙拉亲自选取，从他参加帕格尼尼赛的获奖曲目到个人演奏会的压轴保留曲，首首都是对演奏者技术能力和音乐感染力的苛刻考验。这12首小品样式的独奏作品，风格跨度大，音乐景致缤纷多姿，炫技表演随处可见。既有技巧华丽、灵活妩媚的由伊萨依改编的圣-桑《圆舞曲随想曲》；也有不张扬技巧繁复，展现古典乐派典雅风格的贝多芬的《G大调浪漫曲》。克莱斯勒的《中国花鼓》挥洒出小提琴无限的表现力，而帕格尼尼的《‘我心惆怅’引子和变奏》的超高难度，则是把黄蒙拉全面的演奏技巧，纤毫毕现得展现在飞旋的音符里。黄蒙拉的演奏以技术见长，擅于把握高难度作品，稳定的心理表现和全情投入的表演情绪，使他的演奏既彰显一丝不苟的严谨，又融汇丰富的个性元素。听他演奏高难度曲目，没有向技术挑战的捉襟见肘，那份游刃有余的从容会从琴弦里扑面而来。

这张专辑是巴洛克长笛家Wilbert Hazelzet与羽管键琴家Jacques Ogg合作，演奏巴赫的长笛与改编作品。演奏录音时使用巴洛克传统长笛、羽管键琴，真正还原巴洛克时期的演奏传统和乐器音色，使听者能够感受到巴赫生前的音乐与现代音乐的区别，体会巴洛克时期音乐的优雅、美妙。专辑收录的只有《a小调长笛组曲》BWV1013是巴赫为长笛而作，其他曲目都是改编曲，如《大提琴组曲》、《管风琴奏鸣曲》等，但是这些曲目由长笛吹奏，会带给听者全新的感受。

1964年10月1日，莫斯科音乐学院演奏大厅座无虚席。音乐会曲目大多数选取的是鲁宾斯坦擅长的肖邦作品，有波兰舞曲、降G大调即兴曲、降D大调夜曲、第二钢琴奏鸣曲、船歌、练习曲、圆舞曲等，已是耄耋之年的大师丝毫没有显现出老态，仿佛钢琴就是他的第二生命。技术虽说不能与自身巅峰时相比，但音色还是那么迷人，诠释还是那么煽情。 当然年纪不饶人，鲁宾斯坦在弹奏《奏鸣曲》的谐谑曲部分是有些失误的，但久经沙场的他竟然在此处作了自由发挥，很好地掩饰了瞬间的尴尬，这就是现场录音无可比拟的魅力所在。假如是在录音室，这段失误很可能被抹去重录，我们今天也就无法体验到鲁宾斯坦的应变功力了。肖邦的《船歌》对感情的表达是很细腻的，鲁宾斯坦通过细微的触键变化让人感受颇深。 这个莫斯科独奏会的现场气氛非常热烈，鲁宾斯坦的演奏可以用“疯狂”形容，是他最有个性的录音，基本上无视钢琴技巧，比起录音室的演绎大相径庭。录音也不错，生动活泼，钢琴音色的微妙变化都很好地记录下来。

这张专辑是奥地利指挥家卡尔·伯姆的录音精选辑。参与演奏的乐团：爱乐管弦乐团、维也纳爱乐乐团、科隆西德广播交响乐团、德累斯顿国家歌剧院乐团。 卡尔·伯姆（Karl Bohm，1894年8月24日-1981年8月14日）奥地利指挥家，二十世纪著名的指挥大师。卡尔·伯姆指挥音乐作品，给人以纯正、端庄、沉稳、深厚的感受，而不会给人们带来不安和浮躁的情绪。伯姆的音乐手法是简洁、清爽、有力，排斥了浪漫主义的过度伤感，也不沉溺于放纵的技巧表现，实现了平衡巧妙、音响柔和、节奏稳固的音乐效果。 在音乐内在意义的表现方面，伯姆的方法是不过份地注入感情，不牵强地借助理念和逻辑来表达作品，而是从作品固有的形式中去把握其内在的美；例如在指挥瓦格纳歌剧时，伯姆也不是突出、夸张瓦格纳的激情和虚华的浪漫情感，而是化泛滥为收敛，将纯粹的内在音乐精神凝聚起来，表现出紧张、庄重的美。 卡尔·伯姆是一位对艺术极其认真严肃的指挥家，亦是一位典型的继承维也纳传统的指挥家，他的指挥风格是严谨、端庄、自然、质朴和深邃。伯姆诠释作品时，总是抱着一种客观笃实的态度来研究作品的内容，并力争用一种明确朴素的手法来引导乐队表现出作曲家的意图，从这一点看来，他是一位富于理性的指挥家，而正是这种有着极强控制力的理性，才使他将古朴的维也纳风格保持得那样正统、完好和自然；伯姆的指挥有着异常高雅的意境和气质，人们可以从他指挥演奏的乐曲中感受到一种丰富的艺术修养和深邃的思想性，总是力求作到朴实、稳重和深厚。 伯姆在20世纪指挥艺术史上，是一位引人注目的德奥歌剧和交响乐指挥权威；在歌剧方面，他对莫扎特、贝多芬和理查·施特劳斯的作品有着权威的演释，而这其中又尤以莫扎特和理查·施特劳斯最为突出——对于理查·施特劳斯的作品来说，他的演释具有特殊的积极意义，这位大作曲家兼大指挥家，不但是伯姆在艺术上的一位恩师，同时也是他的一个志趣相投的朋友。 伯姆作为交响乐指挥家也有着极为光彩的业绩，他对于莫扎特、贝多芬、舒伯特、勃拉姆斯和理查·施特劳斯等人的大量交响音乐作品，都有着很有特色的演释。伯姆虽然一生中指挥了大量的作品，然而他却不是一个指挥曲目丰富的指挥家，这种情况是与他本人的个性、气质和精神素质有着很大关系的；他一生基本只指挥德奥作品，对于其它国家的作曲家他几乎是从不过问的，在富于理性的德奥作品中，伯姆却真正找到了适合他个性发展的途径。

这张专辑是查理·帕克与几位爵士乐手1949年3月5日在纽约的Royal Roost酒吧演出的现场录音。 查理·帕克（Charlie Parker，1920-1955）绰号“Bird（大鸟）”，爵士史上最伟大的中音萨克斯手，更是爵士史上最才气纵横的萨克斯手。查理·帕克是对整个爵士乐发展造成决定性影响的乐手，在他担任领班期间，旗下更包括了年轻的Miles Davis等众多后来的大师乐手，在波普爵士乐史上他与钢琴手Bud Powell、小号手Dizzy Gillespie三人被公认为波普爵士的领导先驱。查理·帕克的吹奏技巧无与伦比，无论在小编制当中的引领乐句转折，或是在堪萨斯市Big Band俱乐部里光芒四射的独奏桥段，不管他再怎么吸毒、饮酒狂欢、放纵声色，只要他含起萨克斯风吹口，吹奏出的每一段旋律都是空前绝后般地惊才绝艳。

这张专辑是塞戈维亚演奏著名作曲家塔雷加、索尔、阿班尼兹、巴赫、斯卡拉蒂的作品，其实许多作品并不是专门为吉它这件乐器创作的，但在塞戈维亚的演奏中，你会产生这种感觉：用吉它演奏这些巴洛克和古典乐曲是那么自然，仿佛它们是专为吉它而生。那些复调的音乐，就算用键盘乐器演奏，都有很大的难度，更别说用吉它这种只有六根弦的乐器，但塞戈维亚神奇地将几条旋律同时演奏出来，好像几件乐器的声音在交织、追逐、嬉戏，多么美妙的、多么神奇啊。

这张专辑收录了斯尼特科指挥圣彼得堡爱乐乐团学术交响乐团演奏的两部作品：1、塔涅耶夫《c小调交响曲》；2、与钢琴家科罗贝尼科夫合作的斯克里亚宾《钢琴协奏曲》。这版录音更为成熟内敛，速度略微放缓，声部层次更为丰富，对细节的处理更为细腻，展现出科罗贝尼科夫对作品理解的深化。 塔涅耶夫《c小调交响曲》作品12，作于1865-1874年间，是他在莫斯科音乐学院师从柴科夫斯基期间的毕业创作探索，也是19世纪末俄罗斯交响乐从“民族抒情传统”向“复调史诗风格”转型的关键见证。 斯克里亚宾《升f小调钢琴协奏曲》作品20，作于1896年。此曲既保留着作曲家早期对肖邦式浪漫主义的致敬，又暗藏着日后神秘主义音乐语言的萌芽，其“传统形式与革新精神的平衡”特质，使其成为考验钢琴家诠释能力的重要文献。科罗贝尼科夫的诠释既扎根于俄罗斯音乐传统的深厚土壤，又通过其法律专业背景赋予的理性思维，精准捕捉到这部作品中“浪漫抒情与结构严谨”的双重性格，形成独特的艺术风格。

这张专辑以色列小提琴家约弗·亚隆与钢琴家杰瑞米·丹克合作，演奏塔蒂尼、勒克莱尔、维瓦尔第、格鲁克的作品。 “True Stereo”为了是希望，最终能提供聆听者一种“逼真的现场感”。事实上，聆听感受到的音场定位效果的确相当好。显然“山不在高，有仙则名”，麦克风使用重点不在多，而在精准的摆位。“True Stereo”技术，麦克风的摆位变得相当挑剔，录音工程师Ken Christianson是负责麦克风摆位的灵魂人物，录音时麦克风的位置与调整，只有他有权干涉更动。例如，想要获得更多或更少低音，便是由麦克风靠近或远离贝斯手来决定。想要体会“True Stereo”的真谛，当然最快的方法就是听这张专辑。

这套5CD合辑收录了钢琴家莱斯利·霍华德演奏的贝多芬九部交响曲，这是由李斯特改编的钢琴独奏版本。 李斯特曾师从于车尔尼，车尔尼是贝多芬的学生，从这点看，李斯特与贝多芬有传承延续的关系。让李斯特最早接触贝多芬的作品是老师车尔尼。这些伟大的作品深深印刻在了少年李斯特的心里，让他在心底像神一样地敬仰和崇拜贝多芬。一个偶然的机会李斯特在维也纳邂逅了贝多芬，据说贝多芬给了李斯特一个“神圣之吻”。李斯特对那次邂逅终生不忘，并对他后来的音乐生涯影响很大。可以说，正是那次邂逅，让贝多芬一直活在他的心中，贝多芬的作品伴随着他的演奏生涯。1837年开始，李斯特将贝多芬的交响曲改编创作成钢琴独奏作品。将一部部气势宏大的交响作品，尤其是贝多芬的作品，做这样的改编，除李斯特这种钢琴奇人，别人无法想象，这也是李斯特创作生涯中的一座丰碑。