贝多芬《第四、五大提琴奏鸣曲》

贝多芬《第四、五大提琴奏鸣曲》

这张专辑是前苏联钢琴大师李赫特与大提琴大师罗斯特洛波维奇合作演奏,贝多芬的《第四、五大提琴奏鸣曲》和三首《大提琴与钢琴变奏曲》。老实说,就算祭出再多的形容词,也无法形容这个版本的魅力和伟大之处。《第四、五大提琴奏鸣曲》都是三乐章的古典形式,曲风呈现晚期圆熟的风韵,与第四号的幽默相比,第五号的宗教意味较浓。罗斯特洛波维奇以丰富的想象力,烘托出第五号独特的魅力。两位音乐大师在演奏中细腻的对话,对听者的诱惑力相当强大。 贝多芬的大提琴与钢琴作品, 除5部奏鸣曲(作品第5号2首,作品第69号以及作品第102号2首)以外,还有根据莫扎特歌剧《魔笛》主题写作的两首变奏曲和根据亨德尔清唱剧《犹大·马卡比》主题写作的一首变奏曲。他的大提琴奏鸣曲是这种体裁最早的尝试之一,然而作为一位超级钢琴家,贝多芬本人十分不愿意让音量较大的大提琴在两件乐器的合作中,压过当时声音还比较柔弱的钢琴。因此在他前4首大提琴奏鸣曲中,能让大提琴充分发挥其抒情特性的慢乐章都比较短。直到1815年写作的最后一部奏鸣曲,因为当时已经出现了音量浑厚的“锤子键琴”(即比较现代的钢琴),贝多芬才放心地为这首曲子写了一个较长的adagio乐章。我觉得也正因为这些曲子对大提琴来说并不是所谓的“炫技”曲目,因此平时大提琴家演奏的并不太多。相反,一位优秀的钢琴家对这些曲目的成功驾驭却是十分必要的。 罗斯特洛波维奇可能是唯一能与李赫特一起演奏室内乐的大提琴家,反正我还没有见到李赫特与其他人演奏的这些曲子。这个录音是1960年代初制作的,虽然音效不是非常出色,但到现在仍然是贝多芬大提琴奏鸣曲的最经典演绎。 《G大调第四大提琴奏鸣曲》作品102第一首,作于1815年。作品102的两首,为舒庞吉四重奏团的大提琴手林格所作,呈献给艾德蒂伯爵夫人。此曲有时表达抑郁,有时表达苦笑,有时表达幽默,被认为是晚期作品的开端。 《D大调第五大提琴奏鸣曲》作品102第二首,作于1815年,在各乐章中使用的对位、终乐章中使用的赋格方法,都达到炉火纯青的地步,所以是5首中的顶点。
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皮雷斯、杜梅、王健《勃拉姆斯钢琴三重奏》
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这张专辑是钢琴家皮雷斯、小提琴家杜梅、大提琴家王健合作,演奏勃拉姆斯的两部钢琴三重奏。这版录音被公认为勃拉姆斯钢琴三重奏的经典版本之一,并获得了《企鹅激光唱片指南》三星评价。 三位大师的配合达到了水乳交融的境界。皮雷斯的钢琴音色通透温暖,既不压制弦乐,又能主导全局;王健的大提琴音色醇厚,杜梅的小提琴音色纯净,三者在织体中穿梭应答,对话感极强。三位大师的演绎既保留了勃拉姆斯音乐中深沉的内在张力,又不失室内乐特有的亲切与细腻。对于喜爱勃拉姆斯、追求高保真录音质感的乐迷来说,这是一张不可错过的收藏级专辑。 《B大调第一钢琴三重奏》作品8,作于1854年,是勃拉姆斯发表的第一部室内乐作品。大约三十四年之后,勃拉姆斯的出版商请他修订部分早期作品, 其中包括这首三重奏。勃拉姆斯允许作品的两个版本同时存在,甚至建议同时推销两个版本。现在经常演出和录音的是修订版。 《C大调第二钢琴三重奏》作品87,完成于1882年。作曲家这时年近中年,正处于创作最活跃最激进的时期,经验日臻丰富,已经完成了两首钢琴协奏曲、三首交响曲、《小提琴协奏曲》以及大量室内乐。勃拉姆斯是一位个性极强的作曲家,他追崇严谨的古典主义,远离浪漫主义的浮华喧嚣,创作风格与贝多芬、舒曼等前辈一脉相承。《第二钢琴三重奏》格调庄重、内涵丰富,具有强烈的戏剧性。
米凯兰杰利《“肖邦的钢琴”音乐会》
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这张专辑是米凯兰杰利1967年6月28日在梅塔斯塔齐奥剧院的音乐会现场录音。音乐会上米凯兰杰利演奏了肖邦的《幻想曲》、《前奏曲》、《第二钢琴奏鸣曲》、4首《马祖卡》、《叙事曲》及《华丽的大波兰舞曲》等作品,米凯兰杰利诠释的肖邦一直被列入最优秀的钢琴演奏之列,是完美无隙的技巧、优雅的精确度、理性的思考、和纯净透明的音色的完美结合典范。 1967年6月28日,意大利托斯卡纳大区普拉托市老牌梅塔斯塔西奥剧院,举办纯肖邦独奏专场。整场音乐会总时长近80分钟,原始母带长期保存在剧院档案库,时隔33年才完成音频修复,2007年由本土厂牌Diapason正版发行。保留了1960年代立体声现场独有的厅堂自然混响、观众轻微环境音,临场感极强。 米凯兰杰利以极度挑剔、极少发行录音、舞台演奏极度克制理性著称,肖邦并非他最常录制的作曲家;但这场1967年中年巅峰期的现场,跳出了他录音室版本过度雕琢的束缚,理性架构与现场激情完美融合,是其肖邦演绎中不可多得的实况珍品。 整场音乐会12首曲目全部为肖邦作品,编排逻辑从宏大奏鸣曲、幻想曲,到小品玛祖卡、叙事曲,最后以辉煌波罗乃兹收尾。《第二奏鸣曲“葬礼”》米凯兰杰利标志性的超强力度层次控制,葬礼进行曲肃穆压抑,末乐章狂风骤雨般的急板速度紧凑凌厉,是该奏鸣曲经典现场版本之一;《四首玛祖卡》打破玛祖卡惯有的乡土舞曲柔情,用冷峻精致的触键勾勒节奏骨架,优雅克制,是大师独树一帜的小品处理;《g小调第一叙事曲》业内公认的经典演绎版本,叙事张力层层递进,音色明暗对比极具戏剧感;《终曲》Op.22“波罗乃兹”,辉煌壮阔,收尾大气,完整呈现独奏音乐会闭环结构。
伯恩斯坦《莫扎特·第40、第41交响曲》
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这张专辑是指挥大师伦纳德·伯恩斯坦率领维也纳爱乐乐团,演奏莫扎特《第40、41交响曲》。2009年《企鹅古典唱片指南》推荐为三星带花。伯恩斯坦指挥的这两部交响曲,展现鲜明活泼、生动、纯粹的音乐格调。他非常喜欢莫扎特的音乐,他的演绎具有更多的明快、活跃、朝气的色彩,对乐器声部音色表现给予极大的关注,使演奏更成功的表现出莫扎特时代的风格,每一乐句的音色达到了“精雕细刻”的程度。在这个录音里,伯恩斯坦和维也纳爱乐乐团那火热的似酒神狂欢般的沸腾象征着生命的高度燃烧。
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20世纪伟大钢琴家《约翰·奥格东(1)》
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这张专辑收录了约翰·奥格东的演奏录音,包括拉赫玛尼诺夫、斯克里亚宾、阿尔康、布索尼的钢琴作品。 这套专辑收录的是奥格东精神病发前的早期录音,包括柴科夫斯基大赛前录制的布索尼《肖邦前奏曲九段主题与变奏》。奥格东弹奏的布索尼钢琴协奏曲满溢着炽热的火花与强烈的动态对比、音响深度,展现出奥格东音乐生涯中最光辉璀璨的一面,而这部协奏曲也成为奥格东的基本曲目之一。奥格东是从史蒂文森(早年英国演奏布索尼作品的权威钢琴家之一,曾录下布索尼《帕沙加利亚舞曲》)那儿听到布索尼这部钢琴协奏曲,当时他才九岁,对这部作品的印象是“所有钢琴协奏曲中最长,而且最杰出的一首”。 佩特里燃起奥格东对法国钢琴家、作曲家阿尔康的兴趣。《为钢琴独奏而写的协奏曲》在1973年春天出版时(1969年录音),封面设计是以迷幻为基调(年老的阿尔康侧面画像,头上有许多火焰与琴键)。这首作品不像美国钢琴家勒温塔尔(Raymond Lewenthal)所编辑的版本般顽强难驯。我在1973年4月号《唱片与录音》(Records Recording)杂志上发表评论时提到,这是一首带有史密斯式“诗意美感”(译注:RoLnald Smith,英国钢琴家与作曲家,擅长演奏阿尔康的作品并为其作品著书数册)的作品,而我对奥格东在慢板第五与六小节处,几乎以断奏取代原来断奏与圆滑对比演奏方式所持的保留态度至今仍然没有改变。琼·奇塞尔(Joan Chissell)在1973年4月号的《留声机》杂志中曾经提到,她十分欣赏奥格东在第一乐章大胆而且顽强的诠释,她觉得史密斯的演奏带有“坚实的节奏,能够完全掌控乐曲的细节与架构”,使音乐听来较“高贵”。奥格东以一般型态弹出开始主题的做法相当明智,他偏爱缩短第三拍(一开始的八分休止符或随后的四分音符也是),或是变更分句,并且强调一、三、五小节的前两拍(阿尔康在谱上标明的是相同的断奏)。奥格东的作法为阿尔康的作品找到更宽广的内涵。这张唱片在1970年代发行两年后即告绝版。
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斯托科夫斯基《魔法师》
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这张专辑收录了指挥家斯托科夫斯基指挥几个著名交响乐团的演奏录音。曲目包括巴赫、贝多芬、李斯特、瓦格纳、斯美塔纳、勃拉姆斯、里姆斯基-柯萨科夫、拉赫玛尼诺夫、埃奈斯库、维拉-罗伯斯、普罗科菲耶夫、肖斯塔科维奇的作品,涵盖巴洛克、古典、浪漫、现代的风格。 列奥波德·斯托科夫斯基(Leopold Stokowski,1882-1977)美国波兰裔指挥家、古典音乐改编家。他的指挥富于激情,以音响丰满、色彩鲜艳而引人入胜,被誉为“音响魔法师”。斯托科夫斯基对新鲜事物很敏感,并且酷爱音响学,他经常和一些音响专家在贝尔实验室进行音响试验,斯托科夫斯基也是第一个从事电影工作的指挥家,他和美国动画片大王迪斯尼合作的动画片《幻想曲》,首次运用卡通和真人相结合的手法,并配以宏大的管弦乐演奏获得了意外的效果,在这部影片中,斯托科夫斯基充分发挥了他的管弦乐天才,改编了许多古典音乐名作,并配以迪斯尼奇幻莫测的精美画面,构成了一幅幅迷人的多彩图景,当时使用的是18个不同声道录音,这实际上就是早期立体声的先驱,但值得注意的是,早在1939年就运用这些手法。 斯托科夫斯基在指挥艺术方面是不拘一格的,他在年轻时,在一次指挥音乐会演出时,因动作猛烈不慎折断了指挥棒,从此以后,他就干脆徒手指挥。斯托科夫斯基在指挥艺术发展史上有着卓绝的贡献。他敢于打破传统的束缚,热心于各种革新与试验,热衷于介绍新作品,培养新生力量,他塑造了独一无二的管弦乐音色,他具有极富想象力的作品诠释能力。他不是死守原谱派,他认为音乐必须透过指挥家和演奏家的心灵作用才能显现出它的内在美感,换句话说,指挥家是无法客观地置身于音乐之外的。为了体会各种乐器的特性和难度,斯托科夫斯基还利用每年假期的时间专程前往巴黎去学一样新乐器。斯托科夫斯基艺术最突出的一点就是他那独一无二的音色,坚实、浑厚、富有光泽以及独树一帜的句法。 斯托科夫斯基永远在追求最好的声响,不断地冒险创新,对于他而言,没有什么一成不变的必须恪守的规则。“声响”不仅仅意味着听觉效果,更意味着将音乐的各个层面展示出来。乐章的存在,并不是由写在纸上的音符所决定,而只能由音乐家所作出的再创作甚至全新创作的演出所决定。这就是斯托科夫斯基对于指挥的见解,他拒绝做乐谱中规中矩的仆人。
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伯姆《舒伯特·八部交响曲》
伯姆《舒伯特·八部交响曲》
这套合辑收录了卡尔·伯姆指挥柏林爱乐乐团,演奏舒伯特八部交响曲的录音。 舒伯特一生写了九部交响曲 (以及一部所谓真正未完成的第十交响曲,暂且不算在内),其中第七部的原稿早就遗失了,仅有八部传世。舒伯特的交响曲有个很显著的特点,即前六首交响曲形式是古典的,受海顿、莫扎特、贝多芬等人的影响很大,在配器上也多有仿效;到了第八、第九号交响曲时却有了较明显的浪漫情韵,独特的配器风格突然成熟,配器温暖而多彩。 舒伯特的交响曲,在伯姆和柏林爱乐乐团这对黄金组合的演绎下,散发出了非常美好的芬芳气味和温润的色彩,即使它其中多多少少总有那么一丝丝忧郁。 在面世的各种舒伯特交响曲辑中,伯姆指挥的这套综合水平是很高的,风格也是最适合的。 伯姆这套录音完成于大师60-70岁之间,这对于指挥家来说确实是黄金时期。封面上的写法值得我们注意,那就是《舒伯特八部交响曲》而并非《舒伯特交响曲全集》,这样写是最为严谨的方式,因为现存的这几部舒伯特交响曲,加上手稿遗失的《第七交响曲》是否是舒伯特的全部交响乐作品还存有疑问。伯姆和柏林爱乐乐团有着良好的合作关系,柏林爱乐乐团的纪律性被大师津津乐道。伯姆处理舒伯特交响曲时十分注重乐曲结构的均衡,因为这可能是舒伯特交响乐作品的硬伤,只有体现出更完整和清晰的结构,才不至于使作品显得过于分散。对于早期作品,大师处理的很生动和优雅,旋律流畅自然,木管的演奏生动可爱,弦乐表情细腻,全奏富有能量,快乐章的演奏拥有滚滚向前的动力,生机勃勃。第八和第九交响曲似乎一下子跳到浪漫主义滚滚洪流之中了(也许遗失的第七交响曲是舒伯特的转型作品)。《第八交响曲》大师选择的速度偏慢,但也并没有使音乐流于悲伤,首乐章神秘而略带压抑的气氛烘托的十分到位,每次聆听舒伯特的第八交响曲总觉得这是一部“神秘主义”的作品,这部作品中有着马勒式的迷茫和彷徨,但并没有恐慌和不安,忧伤中透着一种静谧和安详,这部作品似乎在整个交响乐的历史中始终有着一种独特和难以言说的气质。《第九交响曲》是一部史诗般宏大的作品,伯姆把握宏大作品的能力在这里一览无余,除了对于铜管乐处理显得有些谨慎以外,大师对于“伟大”交响曲的诠释着眼大局,并没有过分强调音乐的外在效果,柏林爱乐乐团的演奏似乎也比较克制,但音乐表达到位即可,过于极端有时候会适得其反。
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