鲍罗丁四重奏《肖斯塔科维奇室内乐作品》

鲍罗丁四重奏《肖斯塔科维奇室内乐作品》

这张专辑是鲍罗丁四重奏团演奏肖斯塔科维奇的两部室内乐作品。 《A大调第二弦乐四重奏》作品68,作于1944年。全曲气势恢宏博大,与《第一弦乐四重奏》那种轻巧诙谐且略带嘲讽式的风格完全不同。日本音乐学家井上赖丰就曾对这两部作品风格上的巨大差异进行过十分精到的比喻:“如果说第一号是水彩画,那么第二号就可以说是在交响形式的画布上强力描绘的油画巨作了”。“淡雅”与“浓重”正是这两部作品最大的不同。这种不同同时在音响层面与意义层面存在。可以这样说,作为一名典型的交响音乐作曲家, 肖斯塔科维奇在《第二弦乐四重奏》的创作完成之后, 终于找到了自己的四重奏体裁的创作风格,一种以浓重交响曲音响为核心的室内乐写法,即在室内乐写作过程中糅入交响性的风格特色。这是肖斯塔科维奇之后四重奏创作的重要特色之一。 《降D大调第十二弦乐四重奏》作品133,作于1968年。此曲标志着他创作的新开端。由于使用了十二音技巧,进而旋律与和声的写作亦更趋自由。但此曲的处理与真正的无调性尚不可相提并论。
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皮雷斯、杜梅、王健《勃拉姆斯钢琴三重奏》
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这张专辑是钢琴家皮雷斯、小提琴家杜梅、大提琴家王健合作,演奏勃拉姆斯的两部钢琴三重奏。这版录音被公认为勃拉姆斯钢琴三重奏的经典版本之一,并获得了《企鹅激光唱片指南》三星评价。 三位大师的配合达到了水乳交融的境界。皮雷斯的钢琴音色通透温暖,既不压制弦乐,又能主导全局;王健的大提琴音色醇厚,杜梅的小提琴音色纯净,三者在织体中穿梭应答,对话感极强。三位大师的演绎既保留了勃拉姆斯音乐中深沉的内在张力,又不失室内乐特有的亲切与细腻。对于喜爱勃拉姆斯、追求高保真录音质感的乐迷来说,这是一张不可错过的收藏级专辑。 《B大调第一钢琴三重奏》作品8,作于1854年,是勃拉姆斯发表的第一部室内乐作品。大约三十四年之后,勃拉姆斯的出版商请他修订部分早期作品, 其中包括这首三重奏。勃拉姆斯允许作品的两个版本同时存在,甚至建议同时推销两个版本。现在经常演出和录音的是修订版。 《C大调第二钢琴三重奏》作品87,完成于1882年。作曲家这时年近中年,正处于创作最活跃最激进的时期,经验日臻丰富,已经完成了两首钢琴协奏曲、三首交响曲、《小提琴协奏曲》以及大量室内乐。勃拉姆斯是一位个性极强的作曲家,他追崇严谨的古典主义,远离浪漫主义的浮华喧嚣,创作风格与贝多芬、舒曼等前辈一脉相承。《第二钢琴三重奏》格调庄重、内涵丰富,具有强烈的戏剧性。
米凯兰杰利《“肖邦的钢琴”音乐会》
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这张专辑是米凯兰杰利1967年6月28日在梅塔斯塔齐奥剧院的音乐会现场录音。音乐会上米凯兰杰利演奏了肖邦的《幻想曲》、《前奏曲》、《第二钢琴奏鸣曲》、4首《马祖卡》、《叙事曲》及《华丽的大波兰舞曲》等作品,米凯兰杰利诠释的肖邦一直被列入最优秀的钢琴演奏之列,是完美无隙的技巧、优雅的精确度、理性的思考、和纯净透明的音色的完美结合典范。 1967年6月28日,意大利托斯卡纳大区普拉托市老牌梅塔斯塔西奥剧院,举办纯肖邦独奏专场。整场音乐会总时长近80分钟,原始母带长期保存在剧院档案库,时隔33年才完成音频修复,2007年由本土厂牌Diapason正版发行。保留了1960年代立体声现场独有的厅堂自然混响、观众轻微环境音,临场感极强。 米凯兰杰利以极度挑剔、极少发行录音、舞台演奏极度克制理性著称,肖邦并非他最常录制的作曲家;但这场1967年中年巅峰期的现场,跳出了他录音室版本过度雕琢的束缚,理性架构与现场激情完美融合,是其肖邦演绎中不可多得的实况珍品。 整场音乐会12首曲目全部为肖邦作品,编排逻辑从宏大奏鸣曲、幻想曲,到小品玛祖卡、叙事曲,最后以辉煌波罗乃兹收尾。《第二奏鸣曲“葬礼”》米凯兰杰利标志性的超强力度层次控制,葬礼进行曲肃穆压抑,末乐章狂风骤雨般的急板速度紧凑凌厉,是该奏鸣曲经典现场版本之一;《四首玛祖卡》打破玛祖卡惯有的乡土舞曲柔情,用冷峻精致的触键勾勒节奏骨架,优雅克制,是大师独树一帜的小品处理;《g小调第一叙事曲》业内公认的经典演绎版本,叙事张力层层递进,音色明暗对比极具戏剧感;《终曲》Op.22“波罗乃兹”,辉煌壮阔,收尾大气,完整呈现独奏音乐会闭环结构。
伯恩斯坦《莫扎特·第40、第41交响曲》
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这张专辑是指挥大师伦纳德·伯恩斯坦率领维也纳爱乐乐团,演奏莫扎特《第40、41交响曲》。2009年《企鹅古典唱片指南》推荐为三星带花。伯恩斯坦指挥的这两部交响曲,展现鲜明活泼、生动、纯粹的音乐格调。他非常喜欢莫扎特的音乐,他的演绎具有更多的明快、活跃、朝气的色彩,对乐器声部音色表现给予极大的关注,使演奏更成功的表现出莫扎特时代的风格,每一乐句的音色达到了“精雕细刻”的程度。在这个录音里,伯恩斯坦和维也纳爱乐乐团那火热的似酒神狂欢般的沸腾象征着生命的高度燃烧。
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麦克·慕瑞《巴赫·管风琴作品》
麦克·慕瑞《巴赫·管风琴作品》
这张专辑是美国首屈一指的管风琴大师麦克·慕瑞在梅休因纪念音乐厅,演奏巴赫的管风琴作品。 在波士顿北部的小城市梅休因,有一座1909年建造的“梅休因纪念音乐厅”,安放着曾经风靡一时的德国瓦尔克公司打造的一架管风琴。这组庞然大物,有6088根音管及84支音栓,既是美国第一台专业演奏级管风琴,也是当时全美最大的管风琴。 在录音中,梅休因纪念音乐厅的丰富堂音晶莹剔透、温润醇厚;管风琴的澎湃低频,好似汹涌的海潮,一阵阵席卷而来,让听者连连赞叹,直呼过瘾。 在巴赫时代,使用“幻想曲”一词,是指想象的自由飞翔,在这样的一首作品里,作曲家将幻想曲与赋格曲结合在一起,在最自由的形式和最严格的形式之间,激起戏剧性的对比。最初,幻想曲是和管风琴与羽管键琴这两种在音乐史上起了非常重要作用的即兴演奏艺术联系在一起的,因此,巴赫的幻想曲,能使我们获得到一些巴罗克时期有关即兴演奏风格的感受,巴赫在世时,就曾以他所特有的即兴风格使所有的听众感到惊奇,这种风格中含有奇异,突然的情绪变化,意味深长的抒情,令人眼花缭乱的演奏技巧和丰富的,真正巴罗克式的创造。巴赫本人就是一位出色的演奏大师,对探索键盘上的所有技巧很有兴趣,而作为一个伟大的艺术家,他在运用这些技巧时,仅仅把它们当作表现思想和情感的手段。
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鲍罗丁四重奏《施尼特凯室内乐作品》
鲍罗丁四重奏《施尼特凯室内乐作品》
这张专辑是鲍罗丁四重奏团演奏施尼特凯的三部室内乐作品。 施尼特凯《第三弦乐四重奏》作于1983年。此曲将来自拉索、贝多芬和肖斯塔科维奇的三个迥异的材料融汇成象征自己的核心主题,这三个材料尽管风格相异,却在音乐要素上有着很多相通之处,在施尼特凯的“有机拼贴”下已然融为一体,如果是“不顾原来的风格所蕴含的文化”,是不会有这种统一效果的。另外,这三个材料派生出了代表施尼特凯自身的主题,并作为全曲中心贯穿始终。此曲反映了施尼特凯对待音乐历史遗产的一种观念,即过去的音乐已然逝去,我们只能通过融合过去的音乐来发展新的风格。所以他没有像新古典主义者那样大量地以古老的风格语汇写作,而是以过去的风格为材料衍生出自己的东西。 马勒《a小调钢琴四重奏》(由施尼特凯整理改编),这原本是马勒少年时的习作,据说1876年他只完成了一个乐章,便把后面未完成的部分撂一边了。直到他去世后半个世纪,才被重新发现,施尼特凯整理改编了这部作品。这部作品虽然是马勒早期的未完成习作,聆听可以感觉得出马勒的“生命和死亡”主线条。阴晦、忧郁、沉重的旋律和音乐色彩营造了阴森压抑的气氛。偶尔闪烁出生命的希望,如同闪电一般。 施尼特凯《钢琴五重奏》作于1972-1976年。此曲是为纪念他的母亲而作,也是他唯一的钢琴五重奏。这部作品可以看成是施尼特凯创作风格突变的作品,这种从来都不做表面文章而影射的阴霾营造出了历史重现的压抑感,然而这种压抑的气氛几乎将他所有音乐作品风格模式统治了整整十五年之久。
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20世纪伟大钢琴家《阿图尔·施纳贝尔》
20世纪伟大钢琴家《阿图尔·施纳贝尔》
这张专辑收录了阿图尔·施纳贝尔的演奏录音,包括贝多芬的钢琴作品。 阿图尔·施纳贝尔(Artur Schnabel, 1882.4.17-1951.8.15)美籍奥地利钢琴家、作曲家兼音乐教育家。他擅长演奏贝多芬的作品,在对贝多芬音乐的贡献主要在于对演奏者的彻底解放。他懂得诠释艺术中最为珍贵的东西,那就是个性。 提到施纳贝尔,不能不想到贝多芬。这张专辑收录的是他三次录制贝多芬《第四钢琴协奏曲》的第一次(另两次分别在1942和1946年)。当时他五十岁,诠释理念已基本笃定,后两次录音并没有特别差异,乐曲长度差距也都在一分钟内。这个1933年的版本是最“轻”的一个,冥想而不让人感到沉重。第二乐章装饰奏创造出令人毛发倒竖的张力,第三乐章则有令人愉悦的幽默感。也许偶而有人指称施纳贝尔并不是一位真正好的演奏家,这是对莱彻蒂茨基“求广”一说的误解;无可否认,施纳贝尔确实可能在音乐会上紧张怯场,在录音室和大众面前地无法怡然自在,他平常的练习也多倾向处理乐句轻重、质感和音色,而非锻练无懈可击的超技。不过如同他挪揄纸卷钢琴业务代表所说的一般,他也确实拥有超过三十三种以上的钢琴音色。施纳贝尔有种过人的天分,就是能惊人地演奏轻音和高雅音色,也能演奏出富有表情的颤音,尤有甚者,他也是少数能把钢琴当成打击乐器处理的钢琴家之一。我们在此听到的贝多芬《第四钢琴协奏曲》便是这样既诗意又光采丰富的一首乐曲。 他的《华德斯坦》奏鸣曲从一开头就展现惊人的狂野能量,但是进入第二主题时,施纳贝尔却让我们知道不必改变速度和弹奏法,也可以让表情转变成高雅宜人。慢板乐章所浮现的神秘感是令人不可思议的。它非常慢,但施纳贝尔完全知道为什么要这么做,他就是有办法让音符的空隙也使人觉得充实。 施纳贝尔在1942年录下贝多芬两首晚期奏鸣曲,但因为大战爆发,因此贝多芬奏鸣曲协会并没有出版。施纳贝尔的演奏概念和1932年版是一样的,只是气氛变得比较阴沉。1937年施纳贝尔录制《狄亚贝里》变奏曲真是个神圣的时刻,施纳贝尔和贝多芬一样,既是个哲学家、又有直率的幽默感。他向听众传递着作品里的趣味,以及作曲者最顶峰的音乐成就,并为大众开启了通往至极乐园的大门。
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哈恰图良芭蕾舞剧全本《加雅涅》
哈恰图良芭蕾舞剧全本《加雅涅》
这套专辑是杨颂格·卡奇泽指挥苏联广播电视交响乐团,演奏哈恰图良的芭蕾舞剧全本《加雅涅》(1957年版)。 阿拉姆·伊利奇·哈恰图良 (Aram Ilyich Khachaturian,1903-1978),出生于格鲁吉亚第比利斯,前苏联作曲家、指挥家。他的创作汲取了故乡亚美尼亚的民间营养以及高加索地区的多民族传统音乐精华,音乐语言具有鲜明的民族色彩,富有浓郁的亚美尼亚情调,因而在二十世纪苏联乐坛独树一帜。另外,哈恰图良还受法国印象主义的影响,他的作品以热情、乐观、富于色彩、旋律丰富和高度的技巧性见长。 人们非常熟悉的那首热烈、狂放的《马刀舞曲》,便选自《加雅涅》。由于在很多年里欧洲音乐爱好者对哈恰图良的了解几乎仅限于此曲,很多人称他为“马刀舞曲先生”。 芭蕾舞剧《加雅涅》是1939年哈恰图良根据米高扬的建议,为亚美尼亚艺术节而创作的,原名为《幸福》。1942年,哈恰图良把剧情改写成描写在亚美尼亚边境集体农庄工作的年轻姑娘加雅涅的故事发表。同年12月9日此剧由苏联著名的舞蹈家阿妮西莫娃(Nina Anisimova)主演、由列宁格勒基洛夫模范歌舞剧院于彼尔姆首演。作曲家哈恰图良也因该剧的公演而获得当年的斯大林奖。 《加雅涅》这部舞剧的灵魂与活力集中体现在哈恰图良的音乐中。音乐最突出的一点是鲜明的民族特征,贯穿在全部作品中的民族民间音乐的音调、旋律、节奏,比哈恰图良以往的音乐作品更直接、更丰富、更生动。《加雅涅》舞剧音乐是民族音乐大聚会,令人耳目一新。其中库尔德人、格鲁吉亚人、乌克兰人、俄罗斯人等不同民族的民间歌舞,获得了广泛的展现,丰富的民族民间音乐的源流荟萃,使舞剧的音乐色彩绚丽浓烈,充满了活力。哈恰图良运用了七首亚美尼亚的民歌、两首俄罗斯舞曲、一首乌克兰的戈帕克以及一首格鲁吉亚舞曲作为素材进行创作。
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