05. Saint-Saens Cello Concerto No.1 Op.33

曾叱咤国语歌坛，拥有众多国语歌曲代表作如〈奢求〉、〈自由〉、〈别恋〉，曾被称为情歌天后的女歌手坣娜，近年来沉潜于瑜珈教学与公益之中，也从未曾忘情歌唱，近年除了与门诺基金会开“陪你”公益演唱会之外，也曾再与知名制作人曹俊鸿先生合作〈千秋〉、〈陪你〉等公益单曲，此次花了两年时间仔细学习发音，用心灌录了 Avinu Malkeinu，以灵魂深层的嗓音配上纯净的弦乐，为听众带来音乐的飨宴。 坣娜说：“唱AVINU MALKEINU时，心是丰美喜悦的，愿您在听这首歌时，能感受到心内在的对话，与生命中最珍贵的就是爱。” Avinu Malkeinu 原是希伯来文诗歌，歌词里面歌咏着对上帝的爱与感谢，有种神圣和静谧的气质。对坣娜而言，唱这首歌并不仅局限于宗教，这首歌就像旷野里与你心里面的那个信仰对话，亦是重新发现自己内在最珍贵的宝藏。 「灵魂深层对话的嗓音，唱出应许生命的丰美」是本张专辑的Slogan，这是一首属于祝福与喜悦的歌，在聆听歌曲时，我们会突然醒悟：爱与珍宝原来就在我们自己心中。

这张专辑是吉它演奏家王震的录音作品。吉它的音色清脆动人且温馨旖丽，不禁展示了精彩绝伦的空间感，而且带出吉他音箱共鸣声的无限通透。就如在您身边演奏一般，自由、惬意、浪漫……各类名曲瞬间再现，令人心驰神往，无尽回味。吉它，缘于人类手指赋予的灵气，被称之为最富人性的乐器。其低婉时如细雨缠绵，激烈时如万马奔腾，魅力之表现让人惊叹。

这期介绍的唱片是俄罗斯钢琴家普列特涅夫，为纪念莫扎特诞辰250周年录制的，他只用了一个晚上，就完成了四部作品的录音，这张情感浓烈和感性的莫扎特作品于是闪亮登场。在这位传奇人物的演奏中，莫扎特的奏鸣曲呈现出一种新鲜的色彩。 《C大调第十钢琴奏鸣曲》K330，是莫扎特初到巴黎时的第一部作品，此曲依然建立在欢乐的基础上，内容深刻、情感细腻，表现出满怀信心与期待，却又在安静祥和之上，笼罩着丝丝伤感。 第一乐章，中速的快板，奏鸣曲式。 第二乐章，如歌的行板，三段曲式。 第三乐章，小快板，奏鸣曲式。 《F大调第十二钢琴奏鸣曲》K332，是莫扎特在1778年巴黎巡演期间完成的。在巴黎期间，由于经历了求职无门、经济窘迫，加上母亲去世等等一系列坎坷，莫扎特深刻地体会到人生的阴暗面，也非常担忧自己的前程。明快、乐观的心境常常夹杂着丝丝隐痛，在含泪的微笑中表达坚强，苦楚的内心渴望光明，这些因素集中体现在了这部奏鸣曲中。作品的三个乐章都以欢快的大调开头，却都包藏着小调深沉的悲伤，而且更加沉郁。 第一乐章，快板，奏鸣曲式。 第二乐章，柔板，奏鸣曲式。 第三乐章，很快的快板，奏鸣曲式。 《c小调第十四钢琴奏鸣曲》K457，是莫扎特到达维也纳后创作的第一部奏鸣曲，完成于1784年，也是莫扎特两部采用小调的钢琴奏鸣曲之一。作品以严肃的情绪展开，像是一个人在惊慌、焦虑地寻找着一个答案，而答案却是未知的。作品的情绪变化极大，具有很强的戏剧性，在失望中又蕴含着憧憬和激情，是莫扎特内心世界的一次真实的袒露。 第一乐章，很快的快板，奏鸣曲式。 第二乐章，柔板，回旋曲式。 第三乐章，极快的快板，奏鸣曲式。 1778年5月至1779年1月，莫扎特在巴黎旅居，在此期间他创作了五部钢琴奏鸣曲，统称为《巴黎奏鸣曲》。其中《A大调第十一钢琴奏鸣曲》K331，是最具个性的一部作品，其第一乐章不同寻常地采用了变奏曲式，第三乐章更是模仿了具有异国情调的土耳其军乐团的巡游音乐。由于第三乐章曲调新颖，节奏明快，气势雄壮而成为家喻户晓的名曲：《土耳其进行曲》，这也是莫扎特的标志性音乐。莫扎特后来在歌剧《后宫诱逃》中再次使用了这种来自东方的曲调。 第一乐章，主题与变奏，变奏曲式。 第二乐章，小步舞曲，三段曲式。 第三乐章，土耳其进行曲，小快板，二段曲式。

这张专辑是钢琴家特里福诺夫演奏约翰·塞巴斯蒂安·巴赫(Johann Sebastian Bach) 和他的四个儿子的音乐，以及巴赫家族最喜欢的两首作品。他演奏了专辑的重要核心——巴赫的杰作《赋格的艺术》，其中十四首赋格和四首卡农，探索了处理单一主题的不同对位方式。

这张专辑是美国音乐大师劳伦斯·威尔克与他的乐队演奏的殿堂级作品《小象漫步》及13首50、60年代经典作品。 劳伦斯·威尔克(Lawrence Welk，1903年3月11日—1992年5月17日)是一位美国的音乐家、手风琴师、乐队领班和电视导演。广大听众通过广播、电视和现场表演熟悉他的风格。所谓的“香槟音乐”就是他的“重大发明”，把冒泡的香槟酒写入轻音乐中，当时人们趋之若鹜。美国人具有较强的童心和好奇心，对这种新奇的音乐津津乐道。 专辑的录音非常出色，全部采用电子管器材录制，是五、六十年代录音黄金时期的天碟级作品。很多天碟都出自这段时期，当时电子管的制造技术达到巅峰水平，麦克风也是最优秀的，包括神级的Neumann U47和AKG C12（现在状态良好的旧U47和C12也要卖到数万美元，还有价无市）。而且，由于当时多轨录音还未成熟，录音主要在录音室由歌手和乐师现场同步录制，使那段时期的录音大多有厚润甜美的中频、丰满的质感、鲜活的现场感和庞大的音场。七十年代后，晶体管器材取代电子管器材，麦克风也新不如旧，多轨录音的成熟普及也让现场同步录音极为罕见，超级靓声的天碟级录音就越来越稀少了。

这张专辑是大提琴家麦斯基与钢琴家吉利洛夫合作，在阿尔卑斯山脚下、景色如画的埃尔莫城堡里，演奏俄罗斯浪漫主义作曲家的声乐作品。麦斯基深情的诠释带我们回到了他辽阔又迷人的故乡，仿佛是一次俄罗斯农庄曼妙无比的烛光晚宴。两位音乐家无懈可击的音乐感性及丰富而色彩缤纷的演奏，给听者带来极美的享受。

这张专辑是布达佩斯弦乐四重奏团演奏德彪西、拉威尔的弦乐四重奏。 布达佩斯弦乐四重奏（Budapest String Quartet）于1917年在匈牙利首都布达佩斯成立，原本由匈牙利音乐家组成，但是1930年成员都变成了犹太裔俄国人。1950年代，在首席小提琴演奏家Joseph Roisman的带领下，乐团达到了巅峰。1938年乐团迁往美国，在1938年至1962年期间，乐团以美国国会图书馆作为驻地，这让他们可以随意使用馆内珍藏的斯特拉迪瓦里名琴。无论是平日的演出，还是在录音当中，他们都使用这些名琴进行表演，很多录音在图书馆中进行。乐团于1967年成立50周年之际解散。 拉威尔《F大调弦乐四重奏》作于1904年，题献给他的老师福雷。这是拉威尔唯一的一部弦乐四重奏，从作品的流畅与对形式的掌握，使其成为拉威尔早期成熟的代表作，绝不是一个学生的涂鸦之作。此曲四个乐章基本保持了传统奏鸣交响套曲的组合原则，如注重各乐章速度、调性的对比，首尾乐章采用奏鸣曲式，中间乐章采用歌谣曲式等传统模式。但在套曲组合关系中也有很多特点，首先打破维也纳古典乐派常用的体裁与速度对比，即改变一般快板、慢板、小步舞曲。这里面有许多慵懒的惬意，而且旋律被和声装扮得光彩绰约，繁花似锦。仿佛是一个在树林里午睡的刚醒的女子，一脸天真无辜的模样，衣裙上还沾着细碎的草叶和花瓣，坐在地上，竭力要弄懂睁开眼后看到的这个世界。 德彪西《g小调弦乐四重奏》作品10，作于1892年。这部作品的旋律是复杂而非歌唱性的，第二乐章拨奏的铿锵和第三乐章的缠绵形成鲜明的对比。此曲选用法国近代乐派采用的循环主题法，共四个乐章。

这套合辑是钢琴大师阿劳演奏肖邦的大部分钢琴作品，包括前奏曲、即兴曲、圆舞曲、叙事曲、谐谑曲、船歌、幻想曲、夜曲和两部协奏曲，担任协奏的是以色列指挥家以利亚胡·殷巴尔与伦敦爱乐乐团，可惜的是波兰舞曲只有一首《幻想波罗乃兹舞曲》。阿劳的演奏富于个性，而又充满感情，技术上无与伦比。据说他为人温和、儒雅，这从他的演奏中就可以感受到。阿劳的琴声与众不同，他的音色丰富、厚实，如同陈年佳酿的葡萄酒。对于这点，有人认为阿劳的琴声听起来含混、粗重，也有人喜欢这种较“圆”的声音，认为听起来像管风琴，还有人说阿劳的手就像是在松软的琴键上翻耕。早年的阿劳享有“炫技大师”的称号，但中年以后，他演奏的速度变得越来越慢，越来越深思熟虑。许多评论家认为在他最亲近的母亲去世之后，阿劳的整个风格变得内省而有节制，少了许多即兴成分。阿劳认为艺术是神圣的、神秘的、灵性的东西。艺术不是单纯的娱乐或者心理治疗，而是严肃的生活方式。听阿劳弹琴，会觉得自己置身在他那沉思凝重的心灵里，世界不再那么喧闹、那么乱糟糟。阿劳在台上全神贯注，犹如一个禅宗的法师，犹如一个弓箭手，弓、箭、靶的三点连成一体。阿劳是一位高尚的音乐建筑师，一个个恢宏庄重的构思为他永远敬仰和热爱的音乐服务。

这张专辑是帕克·德·路西亚1993年美国巡回演出的现场录音，音效最出色的一曲出自专辑的第2首，但其实除了此曲之外，其他各首音效也同样叫人叹为观止，由于录音电平特低，你只要开大音量，就可见到面前出现一个深阔的舞台、表演者的乐声与千百观众的动静，帕克·德·路西亚“弹指神功”式的吉他技巧、踏地声、掌声、喝彩声混合成为一个几可乱真的音乐场面。

这张专辑是钢琴家索科洛夫演奏肖邦的《前奏曲》、《第二钢琴奏鸣曲》、《练习曲》作品25，这是1990年-1995年的现场演奏录音，一张极其精湛的现场演奏。肖邦24首《前奏曲》几乎被钢琴家们弹得“烂熟”了，版本层出不穷。索科洛夫这个版本让人觉得有一种“往事历历在目”般的演绎。24首作品就像24个性格小品各不相同，有张有弛。欢腾时犹如惊涛骇浪、忧伤时犹如往事回首。索科洛夫演奏《练习曲》作品25，可见他的技术功底之深。《冬风》和《海洋》的演绎简直风卷残云、惊涛骇浪。