这张专辑的箫音色较柔和，低音深沉，弱奏时最具特色，加入现代New Age电子化色彩后，吹奏中国传统民族乐曲更显其魅力。陈悦的音乐风格细腻婉约、深情蕴籍。这位江南女子在演奏中那好似春光乍泄的迷人风采，赋予了这样一件古董式的乐器以新鲜的生命。 在陈悦的唇下，那种简单和悠长的音色，充满年轻而美丽的伤感，但同时又洋溢着一种青春的行动，让闻者焕然一新。
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小喵陪你听古典
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这张专辑是新布达佩斯弦乐四重奏演奏勃拉姆斯的三部《弦乐四重奏》，与钢琴家皮尔斯·拉恩合作，演奏《钢琴五重奏》。新布达佩斯四重奏演奏时完全遵循勃拉姆斯的强弱标记，将勃拉姆斯作品复杂的脉络梳理得清清楚楚。专辑的音质上乘，《企鹅唱片指南》评价三星。
新布达佩斯弦乐四重奏是一支匈牙利出身、90年代活跃的四重奏组，音色有鲜明的东欧弦乐质感。音色醇厚、不刻意打磨得光滑精致，节奏富有弹性，分句扎实，偏向德奥传统、内敛深沉，拒绝过度煽情；重奏的平衡感很好，声部层次清晰，复调线条能清晰浮现，非常适合勃拉姆斯这种织体浓密的写作。三首四重奏，Op.51的两首压迫感、悲剧感做得很到位，不浮夸；Op.67的田园感舒展自然，温暖而不甜腻。钢琴五重奏里的皮尔斯·拉恩是澳大利亚钢琴家，他在这里的演奏克制、通透，不会抢弦乐风头，和四重奏融合度很高，钢琴音色厚重而不炸，和弦乐之间对话感很强，是这套录音广受好评的亮点。
勃拉姆斯创作的三部弦乐四重奏可称为殚精竭虑的精品，浪漫的情怀、忧郁的思绪化作了精准和极致，在剔除华丽装饰和空洞辞藻后留下了震撼人心的内在感染力。
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这张专辑收录了两部作品：1、大提琴家玛丽亚·柯丽洁与康斯坦丁指挥的爱尔兰国家交响乐团合作，演奏舒曼《大提琴协奏曲》；2、大提琴家玛丽亚·柯丽洁、小提琴家伊利亚·卡勒与康斯坦丁指挥的爱尔兰国家交响乐团合作，演奏勃拉姆斯《双重协奏曲》。
大提琴家玛丽亚·柯丽洁，先后师从斯塔克、罗斯特洛波维奇两位大提琴巨擘，却没有盲从盲信，时刻提醒自己不要与平庸为伍，这是她多年来恪守的信条。斯塔克教会了玛丽亚艺术的规范，而罗斯特洛波维奇则教会她如何打破规范，形成自己的理解和风格。她曾经扬言：“大部分当代大提琴家的演奏中没有灵魂，观众除了厌倦什么也得不到，连让人生气都不可能。如果一首乐曲的灵魂模糊不清我就拒绝演奏，不管它要表达什么高深的概念或者哲学。”玛丽亚·柯丽洁常有惊世骇俗之言，她曾经说过：“在这个被电脑和机器统治的时代，只有爱乐者才能拯救世界。”
24
这张专辑是德国少年钢琴家尤斯图斯·艾希霍恩的出道专辑。尤斯图斯·艾希霍恩2009年生于魏玛，录制这张专辑时年仅16岁；整张专辑的主题就是致敬故乡魏玛丰厚的音乐历史，专辑名“The Source（源头）”正是指向这片土地作为音乐源泉的意义。
魏玛是德国图林根州的名城，和巴赫、李斯特、门德尔松、理查·施特劳斯、欣德米特等大师渊源极深：巴赫曾在此担任宫廷管风琴师，李斯特长期任魏玛宫廷乐长，理查·施特劳斯早年在魏玛宫廷剧院执棒，欣德米特也曾在此活动。曲目编排沿着这条历史线索展开，把古典传统、浪漫派名作、现代作品，和他自己的原创、改编作品穿插在一起，既是致敬先辈，也是表达他自己的音乐语言，做到传统与新生融合。
在此专辑中，尤斯图斯·艾希霍恩不只是演奏者，同时担任改编者、原创作曲家，专辑里包含三首他本人原创作品的世界首录：Silent Fields（寂静旷野，出现两个版本：三角钢琴 + 立式钢琴）；Intermission（间奏）；Aurelian（奥雷利安）。尤斯图斯·艾希霍恩亲自改编了多首乐曲，包括维瓦尔第长笛协奏曲慢板乐章、车尔尼740练习曲，带来非常新颖的钢琴版本；其中部分曲目特意使用立式钢琴（upright piano）录制，音色温暖质朴，和三角钢琴的辉煌质感形成对比。专辑演奏曲目覆盖跨度极大：从巴洛克（巴赫、维瓦尔第）、古典（车尔尼）、浪漫（门德尔松、舒伯特、李斯特、理查·施特劳斯），再到20世纪现代音乐（欣德米特），完整展现他宽广的曲目驾驭能力。
尤斯图斯·艾希霍恩三岁就会即兴弹奏钢琴，6岁正式学琴，10岁登台首演，拿过贝希斯坦大赛一等奖；现在在魏玛李斯特音乐学院跟随Grigory Gruzman学习，同时在魏玛的贝尔维德雷城堡音乐中学就读，还在学习指挥。他在网络上拥有大量粉丝，演出足迹遍布汉堡、苏黎世、深圳、首尔等城市，是近年古典乐坛备受瞩目的少年新星。
这张专辑不是一张炫技合集，而是一套有叙事感的节目。从巴赫的严谨，李斯特浓烈的浪漫，欣德米特冷峻的现代笔触，过渡到他自己安静内敛的原创作品；同一首《Silent Fields》用两种钢琴录制，刻意制造音色反差，体现他很成熟的艺术构思。作为首秀，它想表达的是：魏玛这个源头，既滋养了过去的大师，也正在生长属于新一代的声音。
大家都在听
维也纳童声合唱团《约翰·施特劳斯作品》
这张专辑收录了闻名世界的维也纳童声合唱团，演唱的约翰·施特劳斯《圆舞曲》、《波尔卡》。包括著名的《蓝色多瑙河》圆舞曲、《维也纳森林的故事》圆舞曲、《南方玫瑰》圆舞曲等。施特劳斯的圆舞曲及波卡舞曲，向来是维也纳童声合唱团的拿手好戏。无论这些作品是施特劳斯亲自安排歌词或由后人填词，由这群声若银铃的小天使唱来，不仅保存了原有的华彩，更添几许清新。附带一提的，专辑的录音非常出色，在该团所录制唱片中是罕见的。
衣香鬓影的交际舞会，施特劳斯的圆舞曲以及技巧超卓的童声合唱团，已成了维也纳这音乐之都的显著地标。而维也纳童声合唱团这群天使般的亲善大使，周游全世界，将欢笑与歌声传送给各地的人们，也做了非常成功的国民外交。这声名远扬的童声合唱团可溯源自1498年为教堂弥撒而设的童声合唱团，皇室提供的经费，使小朋友们得以全心全意地将年轻时光奉献于音乐。由于完善的学科训练，造就出许多杰出的音乐人才如海顿、舒伯特以及近代的大指挥家汉斯·李希特、克莱门特·克劳斯等。
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10期
米凯兰杰利《四大钢琴协奏曲现场录音集》
这张专辑是米凯兰杰利分别与切利比达克指挥的慕尼黑爱乐乐团、法国国家交响乐团、斯图加特广播交响乐团合作，演奏贝多芬、拉威尔、舒曼、格里格的四部《钢琴协奏曲》。专辑中的四个录音都是米凯兰杰利与切利比达克的音乐会现场录音，两位当代的音乐大师在此闪耀出璀璨的光芒，让人叹为观止。
拉威尔《G大调钢琴协奏曲》（1992年4月现场）米凯兰杰利晚年诠释拉威尔的标杆现场，冷冽剔透的钢琴音色完美贴合拉威尔精致、带爵士风情的笔法；切利比达克放缓管弦线条，弱化炫技浮夸感，突出作品内敛诗意。
舒曼《a小调钢琴协奏曲》（1992年10月现场）舒曼协奏曲录音里罕见的慢速度版本，切利把乐队织体铺得极宽，米凯兰杰利弱化浪漫宣泄，以克制、纯净的音色呈现舒曼内敛温柔的抒情内核，是极具个人风格的演绎。
贝多芬《第五钢琴协奏曲》（1974年10月16日立体声现场）这套录音中最受乐迷推崇的版本。切利比达克大幅拉伸乐队篇幅，厚重肃穆的管弦铺垫史诗氛围；米凯兰杰利的钢琴音色如白银般清亮，平衡力量与典雅，摒弃常见的火爆炫技，偏向沉静、崇高的哲思气质。
格里格《a小调钢琴协奏曲》、小品《摇篮》（1972年10月28日单声道广播录音）专辑中唯一单声道录音，源自西德广播原始磁带。格里格协奏曲演绎充满北欧清冷氛围感，乐队层次柔和朦胧；末尾附加短小抒情小品，是此场音乐会的真实加演，还原完整现场流程，史料价值极高。
米凯兰杰利与切利比达克合作的协奏曲录音散落在各地广播档案，Memories是少数获得授权整合发行的厂牌；其中1992年慕尼黑两场是钢琴家晚年晚期音乐会，状态成熟稳定，市面流通极少。两位艺术家都以反主流速度、极致细腻闻名，米凯兰杰利的钢琴演奏音色克制、精准，拒绝过度煽情；切利比达克指挥下的管弦拉宽乐句，挖掘和声细微色彩；四部协奏曲全部跳出市面主流演绎的快节奏炫技路线，走沉静、内省、氛围感路线，风格辨识度极强。
这些录音跨度20年（1972-1992），覆盖米凯兰杰利中年到晚年的演奏变化，同时集齐德奥、法国、北欧浪漫主义四大代表性钢琴协奏曲，曲目编排完整均衡。无录音室后期修饰，保留音乐厅自然残响、细微现场气息；单声道格里格虽频宽不及立体声，但广播原始母带底噪控制良好，人声、乐器层次依然清晰。
157
13期
米凯兰杰利《贝多芬·第五钢琴协奏曲》
这张专辑是意大利钢琴大师米凯兰杰利与指挥家朱里尼、维也纳交响乐团合作的现场录音，被公认为贝多芬“皇帝”协奏曲史上最具个性与艺术张力的版本之一。专辑封面采用伦勃朗风格的风暴风景画，与“皇帝”协奏曲的史诗感相得益彰。在古典唱片收藏圈中，它是米凯兰杰利与朱里尼的代表作，也是贝多芬协奏曲版本中无法绕过的“必听名盘”。
米凯兰杰利一生录音极少，且对演奏近乎苛刻，这张1979年的现场是他最广为人知的贝多芬协奏曲录音之一。现场的即兴张力、演奏者的临场状态，让这版演绎比录音棚录音更具“活的生命力”，被形容为“最富于刺激性和娱乐性的佳作”。朱里尼的指挥克制而富有歌唱性，维也纳交响乐团的音色温暖厚重，与米凯兰杰利清冷、精准、极具控制力的钢琴音色形成奇妙的平衡。乐团既不喧宾夺主，又能在需要时撑起恢弘的交响骨架，完美衬托钢琴的王者姿态。米凯兰杰利的钢琴音色极具辨识度：高音区清澈如水晶，低音区沉稳而不浑浊，弱音控制更是一绝。尤其是第二乐章，他的触键轻而不虚，营造出一种近乎神圣的宁静感，成为后世乐迷津津乐道的名场面。
《CD天书》评价：米凯兰杰利的演绎真实十分狂放。这位乐坛怪杰，不喜欢在录音室里演奏；但在现场氛围启示之下就创意焕然，光芒四射。不过，他的即兴演奏却不适宜作为经典供奉。同是《皇帝协奏曲》的录音，塞尔金（Serkin）演来是位庄严有钱人情味的乔治第五，而米凯兰杰里却是位洒脱的温莎公爵。故此，当你怀着现场演奏的形象去赏识时，本碟就不失为最富于刺激性和娱乐性的佳作。单听大师神乎其技的指法，已令人心悦诚服了。录音极饱满动听，间中有些超越平衡的木管乐器排众而出，但不足以垢病。
贝多芬《降E大调第五钢琴协奏曲》作品73，作于1809-1811年，是他最后一部钢琴协奏曲，也是古典主义时期最伟大的钢琴协奏曲之一，“皇帝”的昵称并非贝多芬本人所取，而是后世因作品的恢弘气势赋予的美誉。米凯兰杰利以“洁癖式”的演奏风格闻名，他的录音大多是现场或后期剪辑的现场版本，这张专辑完整保留了他演奏中最鲜活、最具张力的一面。朱里尼的指挥以细腻的线条和丰富的情感著称，他与米凯兰杰利的合作被认为是“两种极致克制的艺术碰撞”，乐团的配合精准度在现场录音中堪称典范。
89
3期
穆拉文斯基《贝多芬·皇帝协奏曲、交响曲》
这张专辑收录贝多芬的两部杰作：一是米凯兰杰利与斯梅塔切克指挥的布拉格交响乐团合作演奏的贝多芬《第五钢琴协奏曲》“皇帝”；二是穆拉文斯基指挥列宁格勒爱乐乐团演奏贝多芬《第四交响曲》。
这张唱片虽说比较罕见，但并不意味着专辑的录音也属于“罕见级别”的精彩。米凯兰杰利演奏的这个版本贝多芬《第五钢琴协奏曲》并不是他的最佳版本，不能和那个与切利比达奇合作的版本相比，但对不很熟悉米凯兰杰利的人来说，这张唱片足以体验他的风格手法和精湛技巧。反倒是穆拉文斯基指挥的贝多芬《第四交响曲》是非常出色的版本。如果淡化作品的“爱情”创作背景仅仅针对作品本身的话，你会发现录音色彩丰富、灵动异常，让人颇为惊喜。
《降E大调第五钢琴协奏曲》作品73，作于1809年。是贝多芬所有的钢琴协奏曲作品中，规模最为庞大的一部，故常被人称为“皇帝”协奏曲。而事实上，本曲也确实具有堂堂王者风范。但是“皇帝”这一标题并不是贝多芬自己命名的，也不可能和某一位特定的“皇帝”有关，公认的说法是由于本曲在当时被誉为无可争议的“协奏曲之王”，故此得名，并沿用至今。在本曲中，作曲技巧炉火纯青的贝多芬，又设计出众多崭新的思路，整部作品在工稳的结构中蕴含着壮阔的波澜、变化无穷的旋律，尤其以主奏钢琴的花奏开始的第一乐章，一开始便给听众以极端宏伟、华丽的印象。
《降B大调第四交响曲》作品60，完成于1806年的9、10月间。此曲以其优雅、活泼、轻松的气质引人注目，其中充满了微妙的力量平衡。
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7期
明希《贝多芬·第五、六交响曲》
这张专辑是指挥大师查尔斯·明希率领波士顿交响乐团演绎贝多芬第五、六交响曲。
《c小调第五交响曲》作品67号，完成于1807年末至1808年初。以音乐中的短—短—短—长节奏动机开场。据说，贝多芬曾将四个音的动机解释为“命运之神在敲门”。它主导了第一乐章，并在整个交响曲中扮演了相当重要的角色。整首交响曲可以被看到是情感的发展，从c小调第一乐章的冲突与斗争，发展到c大调末乐章的胜利与喜悦。最末乐章是全曲的最高潮，它比第一乐章在篇幅上更长、在声音上更有力。
《F大调第六交响曲》又名“田园交响曲”，大约完成于1808年，是贝多芬少数的各乐章均有标题的作品之一，也是贝多芬九首交响乐作品中标题性最为明确的一部。此时的贝多芬双耳已经完全失聪，这部作品正表现了他在这种情况下对大自然的依恋之情，是一部体现回忆的作品。这部作品1808年在维也纳首演，由贝多芬亲自指挥，在首演节目单上，他写到：“乡村生活的回忆，写情多于写景”。整部作品细腻动人，朴实无华，宁静而安逸，与贝多芬的《c小调第五交响曲》同为世界上最受欢迎的交响曲之一。
60
9期
闪亮的古典小品（第二辑）
这两张专辑《闪亮的古典小品》， 其中收录的都是大家耳熟能详的作品，录音的手法相当细腻，同时对于各种乐器的音色和音质，拿捏的十分准确，低频潜的很深。尤其是弦乐群的层次感和空间感，如同身临现场，可谓是十分考究的。这是因为他们都是由世界最著名的录音师威尔金森和他的录音小组录制的。?
举世无双的威尔金森之音：
1、所有的威尔金森录音都展现出一个极为宽阔的舞台。威尔金森录音时习惯把法国号摆到左后方，小号、伸缩号放在右后方，某些录音你甚至会觉得舞台太宽了，甚而超出聆听室的范围；
2、深度感十分惊人。在国家音乐厅是绝对不可能听到这么又深又雄伟的场面，有时我会认为这是不是真的﹖很多录音拥有宽阔的音场，不过是平面的，而威尔金森却兼得两者之长；
3、有极佳的定位感与实体感。老一辈的发烧友闲话录音时常说Robert Fine 的细节（Detail），Lewis Layton的堂音（Ambience），威尔金森的实体感（Body）；
4、有非常大的空间感。不尽是整个录音地点的空间感与堂音非常清楚，就是乐器间的空气流动也一样历历在目；
5、有富丽堂皇的音色。弦乐听来都很有弹性，而且色彩瑰丽，铜管威力十足却仍保有适当的肉感，与EMI 的清丽、RCA 的浑厚刚好是几种不同的对比； 6、有惊人的动态比和最佳的平衡度。
上世纪90年代初，发烧友开始对数码时代的录音产生疑问，于是一些发烧唱片公司将模拟时代的优秀录音重新制作转录成CD，以满足大家对模拟时代的怀念。这两张《闪亮的古典小品》就是推荐专辑之一，据称可以让人听出黑胶唱片的感觉。
64
10期
莫扎特《小提琴协奏曲、交响协奏曲》
这张专辑是小提琴家薇尔德·弗朗与乔纳森·科恩指挥的阿康杰罗合奏团合作，演奏莫扎特《第一、五小提琴协奏曲》；并与中提琴家马克西姆·瑞沙诺夫合作，演奏《交响协奏曲》。这是薇尔德·弗朗的第四张个人专辑，以古典时期的莫扎特作品为主题。
《降B大调第一小提琴协奏曲》K207，作于1775年4月14日。
《A大调第五小提琴协奏曲》K219，作于1775年12月20日。此曲规模堂堂，作为一连串作品的最后十分相称。这首乐曲德国色彩非常浓厚，令人侧目；其线条之流畅，贯通全曲，单纯而朝气蓬勃的作风，已预示了次年莫扎特所具有的新风格。在第一乐章里，全合奏的呈示部与紧跟其后的主奏呈示部之间，安插了主奏乐器的慢板序奏，这种新方法是值得注目的。此外，主奏的呈示部引子里，以曲首全乐队所奏的音形，作为主奏小提琴所奏的主题之对旋律，这也是很新鲜的。再者，以往采用回旋曲体的终乐章，都用了小步舞曲速度，况且小调的中段采用了土耳其型节奏，使得此曲面貌一新，所以其结构是耐人寻味的。总之，这首曲子不但很美妙，而且洋溢着年轻人的活力，充分表露出青年莫扎特的一种音乐典型。
《降E大调交响协奏曲》K364，大约在1779年秋天完成于萨尔茨堡。这部作品全面地反映出他过去的成就与未来的风格特点。天才的莫扎特大大地扩充了独奏乐器与乐队形式之间的协调关系。独奏乐器小提琴与中提琴在交响乐中似乎高耸于乐队其他乐器之上，然而它们与整个乐队却是血肉相连。乐队和独奏乐器彼此并不是对立的，而是平等的伙伴。最有说服力的例子是第一呈示部的结尾，其中独奏小提琴和中提琴极为自然而和谐地从众多乐器中脱颖而出，或者不如说，独奏正是从众多乐器中“诞生”出来。就乐队本身而言，全奏插部乃是交响发展的重要组成部分。甚至在独奏演奏经过句时，全乐队的进入在这里也是极为重要的。
25
9期
谢霖、鲁宾斯坦《贝多芬·春天、克鲁采》
这张专辑是小提琴大师谢霖与钢琴巨匠鲁宾斯坦合作，演奏贝多芬3部《小提琴奏鸣曲》。专辑以20Bit的技术录制，演奏、录音水平一流，获得《日本唱片艺术》推荐。
专辑不仅记录了鲁宾斯坦与谢霖这两位20世纪演奏大师的一次经典合作，同时也见证了他们一段传奇般的深厚友谊。鲁宾斯坦高贵的浪漫气质，谢霖学者风范的优雅将贝多芬演绎得生机勃勃、青春焕发。由谢霖和鲁宾斯坦联袂献演的贝多芬《小提琴奏鸣曲》，是录音史上一段精彩的见证，两大巨匠的对话无比的浪漫、多情，将《春天》的明媚、温馨和灿烂，以及《克鲁采》的矫情表现得让人心醉神迷。两个旅居美洲的波兰人在音乐上的对话无比和谐默契，无论是《春天》，还是《克鲁采》，这个版本都是最值得收藏的录音之一。
贝多芬一生共写有10首小提琴奏鸣曲，在继承古典奏鸣曲的基础上开始赋予钢琴部分相当份量的主导地位，他在两件乐器融合和对抗上所作的创新和尝试将独奏乐器与钢琴的奏鸣曲推上一个新的高峰。贝多芬《小提琴奏鸣曲》的重要性，在于他将小提琴与钢琴这两项乐器展现出合作又竞争的和谐二重奏，将过去多只被看待为沙龙音乐的小提琴曲，提升为登堂入室的艺术杰作。
23
10期
斯塔克《肖邦、德彪西·大提琴作品》
这张专辑是大提琴家斯塔克与钢琴家左奇·西波克合作，演奏肖邦、德彪西、门德尔松的大提琴作品。
肖邦《g小调大提琴奏鸣曲》作品65，作于1846-1847年间。肖邦唯一的这首大提琴奏鸣曲翻覆着纷杂而深暗的潜流，反映出他哀愤交加的心绪。熟识了阴柔的肖邦或刚健的肖邦，初听这首曲子会在旋律晦涩、技法不丰的感觉下快速将它遗忘；但只要领会了那份悲情，就能清晰感受到他在人生最低谷时的苦闷况味。乐曲一开篇就笼罩了孤清暗影，在钢琴的简短引奏下，大提琴怀着沉郁之情怅叹而来，他就像天涯过客，回望沧桑前尘、感喟无常聚散；情缘何解、迷梦难消，心头拍击着狂野巨浪、淹缠着荒漫忧伤；这昏沉的哀叹延绵着，始终在一种病态的涡流中苦苦挣扎，直到最后一刻也没能解脱。第二章是迷乱的梦境，时而迸射出狂热光芒，忽又沉溺于痴想；在矛盾与渴盼中交混着苍白的柔情，给人留下虚萎不实的印象。慢板弥漫了无边哀愁，是一曲孤寂的挽歌，目送残阳、挥手人生，繁华落尽、秋心独倚；虽有一丝暖意，终不奈幽幽惆怅与苍凉。终章是消沉和振奋的碰撞：呼吸中仍翻转着恼人忧郁，激情却焕然而起；流火般在黑暗中闪耀，将烈焰投向颓靡与哀怆；愁情在它感染下裂茧而出，抛却了伤泣、抖擞神行；音乐在激奋跳荡中斩截而收，骨力坚劲、气势雄健。
德彪西《d小调第一大提琴奏鸣曲》，作于1915年。这是他与身体的病魔和精神的苦恼斗争中，完成的独特而新颖的奏鸣曲，此曲燃烧着巨人般强烈的求生意志与澎湃的热忱，表现出独特的奋斗精神。有人说这首作品受到舒曼的直接影响，但在此曲中所欲表现的灵性则是更加直接地流露，具有简洁纯净的美感，与鲜明的色彩对比。此曲使两个世纪以来，彷徨停滞的法国器乐传统以新的姿态与生命复活起来，同时它也成为二十世纪大提琴文献中具有独特风格的作品。
124
12期
杨雪霏《巴赫协奏曲》
这张专辑是杨雪霏第一张巴洛克风格的音乐专辑，是经过了古典吉他和弦乐四重奏共同重新编排并且集三首巴赫协奏曲制作而成的巴赫专辑。
这张巴赫协奏曲专辑极具创新精神，杨雪霏将一些耳熟能详地巴赫小提琴协奏曲改编成吉他版本，希望这些改编曲目可以被当做是古典吉他的保留曲目，同时又能增加古典吉他的协奏曲曲目。杨雪霏将这些需要极高演奏技巧地曲目改编成适于吉他独奏的表演方式，这些曲目包括了巴赫无伴奏小提琴奏鸣曲与组曲BWV1001，取自十二平均律钢琴曲BWV846中的A大调前奏曲以及取自D大调BWV1068管弦乐组曲中的G弦之歌。
杨雪霏希望能在古典吉他中加入巴洛克风格的协奏曲曲目，现有的维瓦尔第协奏曲本质上像是轻音乐。而巴赫的协奏曲则会为古典吉他的演奏曲加上浓墨重彩的一笔。杨雪霏表示在巴赫的时代，古典吉他还未诞生但是当时却有一种与它非常类似的乐器鲁特琴风靡一时。巴赫事实上为鲁特琴独奏创作了不少的曲目，而现在他们也是吉他演奏中的必备曲目。“当我用表演这些由巴赫创作的委婉动听地小提琴独奏曲的时候，我总是在思考是不是他们也同样适用于吉他。然后我发现了这些乐谱后欣喜万分，这张新专辑中的核心的三首曲目就是改编自A小调BWV1041和E大调BWV1042的小提琴协奏曲和D小调大键琴协奏曲。杨雪霏邀请了以利亚弦乐四重奏与她一起演出。
作为小提琴协奏曲而言，这张专辑中的作品绝对都是大家耳熟能详的，这就使得改编工作变得非常具有挑战性，因为改编后的吉他版本不仅要让大家认可同时也要让他们能成为吉他曲目中的精品。杨雪霏采用了巴赫的改编方式：当他把小提琴作品改编成可以用鲁特琴或者大键琴演奏的曲目的时候，他将这些乐器的声响和音质发挥地淋漓尽致。杨雪霏决定在协奏曲中加入弦乐四重奏的演奏方式而非管弦乐队。她说到：巴赫协奏曲更适合以小团体的形式进行表演，一个人负责一个部分。而且我曾经也有过与弦乐四重奏一起以鲁特琴和曼陀罗来演绎维瓦尔第的作品，而以利亚弦乐四重奏他们如论是个人还是整个组合都是非常了不起的音乐家，事实上我们看起来更像是一个五重奏的组合。大家畅所欲言，配合默契就像是室内乐一样。
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14期
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