阿格丽奇《阿姆斯特丹音乐厅演奏会》

阿格丽奇《阿姆斯特丹音乐厅演奏会》

这张专辑是阿格丽奇1978年和1979年在荷兰阿姆斯特丹音乐厅的独奏会实况录音,演出曲目包括:巴赫帕蒂塔第2号、英国组曲第2号中的布列舞曲、肖邦夜曲13号、谐谑曲第3号、巴托克奏鸣曲、吉那斯特拉阿根廷舞曲第2号、普罗柯菲耶夫第7钢琴奏鸣曲、斯卡拉蒂奏鸣曲。 阿格丽奇是位颇具传奇色彩的钢琴家,演奏极有轰动效应,她的演奏总是充满激情,乾脆利落。她的这张独奏专辑很引人注目。巴托克的奏鸣曲、肖邦的夜曲13号和吉那斯特拉的《阿根廷舞曲》在以往阿格丽奇的专辑中都没有出现过,这次是作为她的自选作品呈现给听众们。巴托克的作品不仅表现出很强的张力,也极富感性,阿格丽奇以前在巴托克作品的演奏节奏很少会如此鲜明。演奏吉那斯特拉的作品则很有激情,节奏感很好。 阿格丽奇演奏的肖邦总能引起截然不同的反应。她的演奏冲动,动作幅度大,有时十分古怪,那些偏爱动态范围大的、带有个人化色彩的钢琴爱好者们会非常喜欢她的演奏。普罗柯菲耶夫的《第7奏鸣曲》是阿格丽奇的保留曲目,她大胆奔放的演奏显得生气勃勃,让人热血沸腾,尤其是在第三乐章表现出的激昂和令人眩目的速度则是无与伦比的。 阿格丽奇演奏的巴赫也是反响热烈。《帕蒂塔》急促有力,以至于演奏韵律显得有些颤抖。斯卡拉蒂的“重复音调”《D小调钢琴奏鸣曲》是阿格丽奇平生非常喜爱的一部作品,由于她的演奏速度过快,带来音准上的许多偏差。尽管有一些瑕疵,这张专辑还是给人以深刻的印象,充分体现出她面对观众时表现出的超凡感染魅力。
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齐默尔曼《舒曼、格里格·钢琴协奏曲》
18
这张专辑是齐默尔曼与卡拉扬指挥的柏林爱乐乐团合作,演奏舒曼、格里格的《钢琴协奏曲》。这是两部浪漫主义时期著名的协奏曲,都以华丽壮伟为特征,尤其是格里格的协奏曲,有着北欧民歌的清丽旋律特色而成为钢琴协奏曲中之极品。录音中精确的技巧、亮丽的音色,由两位极度要求完美的音乐家呈现出来的。
索科洛夫《勃拉姆斯·叙事曲、奏鸣曲》
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这张现场录音专辑是钢琴家索科洛夫1992-1993年在巴黎录制的,演奏勃拉姆斯《叙事曲》、《第三钢琴奏鸣曲》。 《叙事曲》作品10,作于1854年。勃拉姆斯是一位尝试以民族叙事诗为题材用以创作叙事曲的作曲家,他的音乐虽没有光辉灿烂的旋律和华丽的炫技手法,但因其惯用古典乐派庄重的音乐形式,在音乐保守中隐含创新性,因此在浪漫乐派中独树一帜。这四首叙事曲作于1854年舒曼在莱茵河畔杜塞多夫的别墅,彰显了勃拉姆斯一贯的风格,严谨里包含细腻,庄重中不乏温柔,音乐线条绵长、内涵深邃。 《f小调第三钢琴奏鸣曲》作品5,作于1853年,音乐结构较为庞大,共由五个乐章构成,是勃拉姆斯音乐风格走向成熟的代表作品。这部奏鸣曲旋律恢弘且优美,和声织体丰富、情感浓郁、节奏多变,乐曲中带有一种压抑已久又亟待爆发出的情绪,中间段落为带有圆舞曲风格的谐谑曲,在整体上尤其注重情感和内涵的表现,勃拉姆斯的深邃、独特、浪漫与理性的音乐风格在这部作品中得到了集中体现。
阿巴多《罗西尼、威尔第·歌剧序曲》
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这张专辑是阿巴多指挥伦敦交响乐团,演奏罗西尼与威尔第最著名的歌剧序曲。专辑演奏、录音水平一流,使之成为众多序曲合集版本中的经典范例。 序曲作为歌剧的开场白,有些浓缩了整部歌剧的情节和内涵,有些则听上去像是一部完整的乐队音乐作品。这张专辑集结了古典音乐史上最经典的歌剧序曲,他们的作者是世界歌剧史上最出类拔萃的两位意大利歌剧大师——罗西尼和威尔第。 出生于意大利并任米兰斯卡拉歌剧院音乐总监长达十年之久的指挥大师阿巴多,凭借出色的乐队控制力和深厚的歌剧功底被认为是20世纪中后期最伟大的歌剧指挥家之一。他指挥伦敦交响乐团演奏的意大利歌剧序曲,既不乏细致缜密的风格,也富含意大利式的热情奔放。
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霍洛维兹在莫斯科
霍洛维兹在莫斯科
1986年,82岁高龄的霍洛维兹在戈尔巴乔夫的邀请下,返回生养他的俄罗斯,举行了一场音乐会。不过,他只演奏了一场。不知这是他个人的决定,还是当局的决定。 这是一场游子还乡的悲情演出,不论演奏者或听众,感受的不仅是钢琴演奏艺术,还共同演出了那场戏剧人生的最后一幕。多少场景、细节、伏笔、人物、矛盾、冲突……人生所有的不得已,都在那唯一一场演出中,在每一个音符的跳跃中一一交割。霍洛维兹的音乐,不可颠覆地从渺远的高处,悲悯地俯视着将他长久拒绝于国门之外的、生养他的俄罗斯,俯视着泪流满面、百感交集的听众。 霍洛维兹,他那特有的“左手低音”,总会不由分说地从听众的心坎上卷起热望和哀思。这场音乐会,他依然弹奏他最擅长的曲目。弹起斯卡拉第,一路掉落精致的珍珠;他手下的李斯特有种神秘的味道,前所未有地燃烧着天才的热情;他的拉赫玛尼诺夫和斯克里亚宾又华丽又悲凉,雄浑的意境里暗藏侠骨柔情。他有这么多让人疯魔的特质:大刀阔斧的阳刚气、浓厚而层次分明的色彩、卷舒自如的呼吸、几乎与生俱来的浪漫情怀、意兴所至的神来之笔…… 尽管,同一级别的大师里,数霍洛维兹招致的非议最多:他技巧很好,但喜欢炫技,个人色彩太重,太随意——无论弹谁的作品,听上去都象他自己。这些评论有道理,可是,对霍洛维兹来说没什么意义——他知道自己的天赋和使命,知道该怎么去表达自己的激情——他是为这个才弹琴的。霍洛维兹的琴声里不乏直接来自人性的朴素、犷野的冲动,闻者胸中自有热血,哪经得起这般呼唤!其他演奏大师常在让我惊佩的同时,隐约听到他们倾诉成功背后的艰辛,而霍洛维兹早已用更大的劳苦抹去了劳苦的痕迹,以更辛勤的雕饰超越了表面的繁华,打磨出了一个赤子充满情爱的世界。他在恣肆的琴声里朗声宣告弹琴是最大的快乐,音乐是人生的终极目标。 这场历史性的演出被记录了下来,直到今天一直都被认为是20世纪最杰出的现场音乐录音。霍洛维兹的唱片可以有选择地慢慢听,但这张不容错过。
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20世纪伟大指挥家《弗里茨·莱纳》
20世纪伟大指挥家《弗里茨·莱纳》
这张专辑是美籍匈牙利指挥家弗里茨·莱纳的录音精选辑。参与演奏的乐团:芝加哥交响乐团、RCA胜利交响乐团、罗宾汉DELL管弦乐团(费城管弦乐团)、NBC交响乐团、匹兹堡交响乐团。 弗里茨·莱纳(Fritz Reiner,1888年12月19日-1963年11月15日)著名的美籍匈牙利指挥家。在莱纳一生指挥生涯中最辉煌的时期是他任职芝加哥交响乐团的10年,他培养出了宏大辉煌(尤以铜管的灿烂闻名)的“莱纳之声”。他指挥的唱片常以“爆棚”而著称;他竟然在短短的几年里就把处于低落的芝加哥交响乐团恢复了元气,莱纳与海菲兹、鲁宾斯坦、克莱本、吉列尔斯等演奏大师合作的“现场立体声”(Living Stereo)系列唱片经典之极,同时他也与托斯卡尼尼、比彻姆、斯托科夫斯基、富特文格勒以及门盖尔伯格并称为20世纪指挥大师级人物。 莱纳的指挥风格豪放雄浑,丝丝入扣,他的指挥忠于原作,结构清晰,速度精确,色彩华丽,音响光洁,音乐热情——以最小的动作来获得最大的效果,这是他的指挥理念,也是他的指挥特色;他善于演绎各种类型的作品,尤其擅长贝多芬、柴科夫斯基、巴托克、拉威尔、勃拉姆斯、瓦格纳、莫扎特和理查·施特劳斯等音乐大师的作品,更是20世纪音乐的最佳代言人;此外,他对约翰·施特劳斯的作品也有极深的认识。 对于听众来说,莱纳的指挥缺乏热情,表情漠然;但对于乐手来讲,却是令人振奋,充满了内在的活力;控制得恰到好处而且丰富的体态语言非常准确地表达了他的所有意图。试图描述这些意图和莱纳的总的演绎风格不太容易,因为总有例外。但是莱纳的演绎却展现了古典主义者的品味(他曾说过:“最好的是莫扎特,第二好的是莫扎特,第三好的还是莫扎特”):清澈、精炼、典雅和均衡感;展现了他接受并战胜各种挑战的渴望;那如画家般格外认真敏锐地选择和混合色彩的技法;如魔术大师般善于营造气氛的手;当然,不可忽略的是一个音乐家的机敏和节奏感。
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辻井伸行《穆索尔斯基·图画展览会》
辻井伸行《穆索尔斯基·图画展览会》
这张专辑是日本钢琴家辻井伸行演奏穆索尔斯基的钢琴套曲《图画展览会》,附带李斯特的音乐会练习曲《叹息》、音乐会改编曲《弄臣》。演奏《图画展览会》这部作品不但要有磅礴的气势,而且要表现略带忧郁、充满神秘主义、错杂其间的诡橘色彩。完整地演奏这部套曲需要耗费钢琴家相当大的体力和考验演奏者的能力。辻井伸行非常成功地把许多独立的、个性的、鲜明短小的段落有机地融合在一起,同时也演奏出具有强烈感染力和鲜明色彩的旋律。 穆索尔斯基的钢琴套曲《图画展览会》在绘画和音乐相结合的作品中是一个非常典型的例子。它首先是由15段音乐组成:1段漫步,2段侏儒,3段漫步,4段古堡,5段漫步,6段杜伊勒里宫的花园,7段牛车,8段漫步,9段雏鸟的舞蹈,10段两个犹太人,11段漫步,12段里莫埃的集市,13段墓穴,14段鸡脚上的小屋,15段基辅的城门。其中有10段个性鲜明的标题音乐来描写画,有5段“漫步”主题穿插其间。在风格上这10幅画虽各有不同,但是却联结成一个有机的统一体,由一个承上启下的贯穿主题的“漫步”来贯穿其间。“漫步”主题夹杂着作曲家冥想的形象,踱步在10幅画中,同时冥想的形象情绪的不同变化,随着画面的不同而产生变化。通过变奏这个基本主题,逐渐走到《基辅的城门》中,以宏大的气势,表现出了穆索尔斯基对画家的沉痛、深切的 哀念。“漫步”是以一个套曲的引子开始,而且本身也是一个完整的乐曲,经常重复,同时在各小曲之间都以新的方式加以变奏。 李斯特《叹息》是1849年出版的《三首音乐会练习曲》之三。有些人根据标题译为叹息,有些人则因那似海水的波浪一般的旋律而更称为大海。这首需要两手交替演奏主旋律,并辅以轻柔的琶音伴奏的曲子是李斯特极至浪漫主义的极好体现,华丽的奏法也是李斯特的后浪漫主义风格和炫技演奏的最好证明。乐曲的优美旋律倒是颇有田园意境,不过结尾处不可思议的下行全音阶的大三度和弦,正如黑暗中发出的一声叹息。 李斯特的钢琴改编曲《弄臣》是1859年李斯特以威尔第歌剧《弄臣》中一段著名的四重唱《赞美你,爱情的女神》为材料,重新组织改编而成的一首钢琴曲。
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20世纪伟大钢琴家《埃米尔·吉列尔斯》
20世纪伟大钢琴家《埃米尔·吉列尔斯》
这张专辑收录了埃米尔·吉列尔斯的演奏录音,包括莫扎特、贝多芬、巴赫、韦伯、德彪西、拉威尔等的钢琴作品。 这一套选辑是吉列尔斯兼具力度与内涵诠释方法的最佳见证。由布索尼改编的巴赫《D大调前奏曲与赋格》是吉列尔斯在1960年代晚期独奏会中经常选用的开场曲,本辑是1968年1月18日在列宁格勒的音乐会实况录音。从这儿可以听到吉列尔斯非常强调音色与力度,而乐曲一开始的八度音,几乎可说是再也听不到比它更宏伟、更具气魄的演奏了。不过,吉列尔斯在诠释韦伯《大奏鸣曲》(同一场独奏会的曲目)的方法就和前一首不同。他在这首乐曲展现的是细腻与内省,以浪漫的最弱音展开整首乐曲。顺带一提,从这套录音也可以听到吉列尔斯如何掌握复杂的乐曲结构,以及如何清楚的表达乐曲每一个细节与内涵。 吉列尔斯(特别是晚年)的音乐包容性很高,《法兰克福公共报》在1985年10月的讣告就以“强且雅致”的标题来形容吉列尔斯。吉列尔斯惊人的技巧就像一头弹奏钢琴的猛狮,例如:1979年在纽约演奏的柴科夫斯基《第一钢琴协奏曲》实况录音、1980年在柏林录下的贝多芬《英雄》主题变奏,或者是1984年在日本灌录的舒曼《交响练习曲》。不过,吉列尔斯晚年愈来愈少以这种方法来诠释作品,而是偏重在音色的平稳度与抒情的灵性,1968年与塞尔、克里夫兰管弦乐团合作的贝多芬五首钢琴协奏曲就是很好的例子;1970年代录制的格里格《抒情小品》、普罗科菲耶夫《第八钢琴奏鸣曲》、莫扎特《第二十七钢琴协奏曲》(伯姆指挥维也纳爱乐乐团)……都是这种诠释方法的代表录音。 吉列尔斯经常强调的“自然”并不是光指音乐的自发性而已。在固定的节奏之外,谨慎的思考可以为乐曲增添不同的效果,就像本套专辑的贝多芬《第四钢琴协奏曲》。他把崇高威严的气势带进这首协奏曲。吉列尔斯录过三次贝多芬钢琴协奏曲,而在1969与1979年,吉列尔斯分别以两个晚上弹奏这五首协奏曲,指挥都是沙瓦利许。尽管如此,吉利尔斯在当时流行录制“全集”的风气下却表示不同的意见,“品质”他说:“比数量更重要。”因此吉列尔斯1970年代才录完贝多芬五首钢琴协奏曲,而他并没有录完奏鸣曲全集。
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