G02. Liszt Annees de pelerinage S.163 No.2

这张专辑是塞戈维亚演奏索尔、朱利安尼等几位作曲家的练习曲。 一直以来，费尔南多·索尔的吉他练习曲都是每个吉他手在学习过程中不可或缺的一部分。很多杰出的吉他演奏家都认为，自己的成就在很大程度上要归功于自己在索尔的练习曲上所下的苦功。 费尔南多·索尔（1778-1839）是“第一代”吉他演奏家中的领军人物，他们所用的吉他已经和现代吉他非常接近（只是小了一些）。索尔对吉他研究的深度是里程碑式的。他独立编写的练习曲无论从音乐主题方面还是技术方面来说，都已形成了令人叹为观止的体系，其中包含了左手指法、右手练习、音程及和弦体系、音阶、琶音、重复音、圆滑音、按弦手法、时值控制、旋律和伴奏的平衡、音调的对位，等等。若能对这些练习曲加以精心的学习，定能打下良好的吉他技术基础，而且有助于吉他手全面提升音乐上的理解能力和表达能力。 “现代古典吉他之父”塞戈维亚在其《索尔吉他练习曲20首》（Twenty Studies for the Guitar by Fernando Sor）的珍藏版中提到：“事实上，只有很少的大师能够编写出教育性和音乐性两全的练习曲，并以这样的方式来推动乐器水平的进步。” 索尔的练习曲就做到了技巧训练和音乐训练并重，并有着适合舞台演出的美感和内涵。哪怕是在最初级的练习曲上，索尔也很少满足于只是刻板地安排一些琶音或其他指法的重复练习。在他的入门级练习曲中，就传达了吉他学习者很少加以关注的一种严谨而典雅的音乐理念，如此高的音乐水准使得索尔的练习曲成为了创作音符、编写旋律、表达乐感等音乐基础课程的最佳素材。

这套合辑收录了钢琴家李赫特的多张钢琴独奏唱片。虽然李赫特通常避免成为一个“完美主义者”，但这个系列的作品和作曲家的范围广泛而丰富。李赫特不喜欢在录音棚演奏，但合辑中大部分的录音资料，包括穆索尔斯基《图画展览会》、李斯特《b小调奏鸣曲》、韦伯《d小调奏鸣曲》、德彪西《Estampes》、斯克里亚宾《第五奏鸣曲》和舒曼《C大调幻想曲》，拉赫玛尼诺夫《前奏曲》、普罗科菲耶夫《第八奏鸣曲》以及肖斯塔科维奇的六首《前奏曲和赋格曲》仍然是经典的录音室录音。 从1956年到1992年，这套合辑还展示了李赫特从难以捉摸的激情青年到朴素的键盘老手的演变过程。如果李赫特对晚期巴赫和莫扎特作品的“素简”式诠释是一种后天的品味，那么我们就无法否认这位钢琴家的专注和迷人的演奏是多么引人入胜。以前错过这些唱片的李赫特粉丝会发现这套合辑是真正的性价比逆天。

这张专辑是费德勒指挥波士顿通俗管弦乐团，演奏里姆斯基-柯萨科夫《金鸡组曲》、罗西尼《威廉·退尔》序曲、夏布里埃《西班牙》、柴科夫斯基《斯拉夫进行曲》、李斯特《匈牙利狂想曲》、《拉考兹基进行曲》，都是最具有地方色彩、热情而充满管弦乐超技演奏的名曲。这些曲目分别录制于1956、1958、1960年，原版LP极其珍贵。为什么取名《Hi-Fi费德勒》？因为录音实在是太出色了，选曲太好听了，而费德勒与波士顿通俗管弦乐团的演奏节奏明快、一气呵成，极为出彩。听过夏布里埃那首《西班牙》，你就知道什么是“棚爆”了。也难怪专辑受到《TAS》热捧。

这套15CD合辑收录了罗纳德·布劳提甘以古钢琴演奏的海顿全部键盘独奏作品。也许初听上去似乎不如现代钢琴温婉，也可能不如现代钢琴余音绕梁，但细细听下去，相信会感受到乐器之王的纯粹魅力。 罗纳德·布劳提甘（Ronald Brautigam，1954-）荷兰著名钢琴家，出身于荷兰最著名的史威林克音乐学院，师从荷兰钢琴大师Jan Wijn。之后前往伦敦和美国继续深造，并曾追随鲁道夫·塞尔金学艺。Ronald Brautigam在1984年获得了荷兰音乐大奖。他特别擅长演奏古钢琴，之后逐渐成为古钢琴界权威，更是当今倡导莫扎特时代钢琴艺术的名家。 海顿一生共写有62首钢琴奏鸣曲，主要用古钢琴为教学和个人演奏。早期的钢琴奏鸣曲通常用“嬉游曲”和“奏鸣曲”作为标题，多半保留三个乐章的形式，并且三个乐章统一在同一调性上。其后海顿又较多模仿北德乐派大师C.P.E.巴赫的奏鸣曲。1771年海顿受到“狂飙运动”影响，18世纪80年代后海顿的创作在旋律风格与结构上受到莫扎特影响。经历了一生与音符为伴的时光，海顿开始在晚期的作品中显现出不同于其他时期的气象。这时的海顿已经不再需要功绩、名利，而老来受到尊崇的他也逐渐在作品中显示出自己的偏好，除了保持乐观、真诚、爽朗、幽默的性格以外，他开始追求新的乐思与立意。

乔治·赛尔（George Szell，1897—1970）是一位十分全面的音乐指挥家，他在一生中曾指挥过各类体裁的大量作品，他不但精于指挥古典和浪漫主义的经典作品，对于现代主义作品，他也有着十分令人信服的演释能力。赛尔的指挥曲目异常广泛，在指挥风格上趋向于托斯卡尼尼开创的客观主义风格，他本人在排练和演出时也十分强调于忠实原作。在指挥时赛尔表现出了出奇的严谨和细腻，他在演释作品时，总是能够凭借着自己的敏锐的听力、良好的平衡感和果断的判断能力，将作品的织体层次勾划得异常清晰。赛尔的演释，具有十分恰到好处的完整感，在对于作品内容方面的揭示上，他也有着极其严整的逻辑性。因此，从这些方面的综合能力上看，赛尔的确是一位很全面的指挥大师。

这套13CD合辑收录了钢琴家李赫特1960年在卡内基音乐厅演奏的现场录音。经过了半个世纪的等待，终于发行了李赫特于1960年在纽约卡内基音乐厅的全部六场独奏会录音，无疑是众多乐迷了解李赫特早期演奏艺术的绝佳机会。 坦白地说，称李赫特的访美音乐会为传奇的开端恐怕略有不妥，毕竟此时距离他的毕生首演已近二十年之久，而且李赫特的名声也已经传遍天下，在当时的社会主义国家中更是被奉若神明。然而，访美之行对于李赫特的演奏生涯而言是极大的转折点，正是凭借此行他成功被西方世界所接纳，不再是只闻其名不见其人。另一方面，从个人的演奏艺术来看，此时的李赫特尚未完全脱离其四五十年代的演奏风格，称其是开端也并不为过。故最终定下其题。

这张专辑是佩拉西亚担任钢琴独奏、指挥，与英国室内乐团合作演奏莫扎特《第20、27钢琴协奏曲》。佩拉西亚演奏的这两部杰作，典雅透丽、如珍珠般一样玲珑剔透，又似阳光般热情温暖，洋溢着青春的生命力，极具欣赏价值。佩拉西亚技巧精湛，他的演奏以细腻见长，追求线条明快和在细微处的层次展示。这个录音中充满诗情画意的演奏独具一格，奇妙如歌的旋律沁人心脾，使得听者在感官享受的同时，心灵也得到净化。录音质量上乘，钢琴声音圆润，乐队各声部配置也非常得当。无论从哪方面来衡量，都是不可多得的。《企鹅唱片指南》将其评为三星带花。

这张专辑收录了钢琴家李赫特演奏普罗科菲耶夫、斯克里亚宾、肖斯塔科维奇这三位俄罗斯作曲家的作品为主题，其中又以他对普罗科菲耶夫钢琴作品的诠释最为人所称道。在录音中可以听出，李赫特对于普罗科菲耶夫《第六奏鸣曲》所作出的精彩诠释。首乐章中他利用弹性速度，将乐句线条注入狂热的意象，很少有钢琴家能在维持住第二乐章中出现的颤抖节奏的同时，又能踩高跷变戏法般地表现出谱面上的要求，而李赫特恰恰做到了。在慢乐章中，我们可听出他对乐曲结构的洞察力。到了终乐章，他演奏中所展现的管弦乐般的色彩和活力能在顷刻间让人屏息以待。 CD1中李赫特还演奏了斯克里亚宾的《幻想曲》、《如诗的夜曲》、《朝向火焰》等作品，与他于上世纪五十年代留下的录音相比，这里的演奏少了几分锐气和激动的色彩，更趋于宽广、细致，营造出了一种充满着神秘感的氛围。

这张专辑是小提琴大师克莱斯勒在1910-1929年间演奏自己创作的19首作品。 克莱斯勒是世界上最伟大的小提琴演奏家、作曲家之一。克莱斯勒革新了小提琴的演奏技法，第一个使用持续不断的揉指，有力丰富了小提琴的表现力。他的远弓与颤指都别具一格，运弓不大而琴音饱满，经常运用表情滑指，在极快的乐句中，温暖的颤指了从不消失，他的音乐甘美丰润，富于变化，沁人心脾，形成了自己独特的“克莱斯勒”风格。 克莱斯勒一生写了150多首小提琴曲，但是当时他把许多曲子都说成是历史上某某著名作曲家的作品，这些作品受到人们的喜爱，广为流传。后来，他公开宣布这些乐曲都是他本人的作品，从而引起了音乐评论界的不满，可是克莱斯勒说：“人们喜爱这些乐曲，是因为它们的内在价值，难道因为写了上我的名字，它们就变得没有价值了吗？” 这张专辑的录音年代虽然较早，但采用24位、96KHz高清晰规格重新转制，去除杂音，提升音效，录音质量已有极大的提高，但部分作品早期录音技术的缺陷仍然存在，音乐中有经微的沙沙声，但这是历史的遗音、时光的再现，正可引发听者的思古幽情。想想，如果不能聆听克莱斯勒亲自演奏自己的作品，我们对这位伟大的小提琴演奏家、作曲家的认识就只能永远停留在音乐辞典的介绍上。

1986年，82岁高龄的霍洛维兹在戈尔巴乔夫的邀请下，返回生养他的俄罗斯，举行了一场音乐会。不过，他只演奏了一场。不知这是他个人的决定，还是当局的决定。 这是一场游子还乡的悲情演出，不论演奏者或听众，感受的不仅是钢琴演奏艺术，还共同演出了那场戏剧人生的最后一幕。多少场景、细节、伏笔、人物、矛盾、冲突……人生所有的不得已，都在那唯一一场演出中，在每一个音符的跳跃中一一交割。霍洛维兹的音乐，不可颠覆地从渺远的高处，悲悯地俯视着将他长久拒绝于国门之外的、生养他的俄罗斯，俯视着泪流满面、百感交集的听众。 霍洛维兹，他那特有的“左手低音”，总会不由分说地从听众的心坎上卷起热望和哀思。这场音乐会，他依然弹奏他最擅长的曲目。弹起斯卡拉第，一路掉落精致的珍珠；他手下的李斯特有种神秘的味道，前所未有地燃烧着天才的热情；他的拉赫玛尼诺夫和斯克里亚宾又华丽又悲凉，雄浑的意境里暗藏侠骨柔情。他有这么多让人疯魔的特质：大刀阔斧的阳刚气、浓厚而层次分明的色彩、卷舒自如的呼吸、几乎与生俱来的浪漫情怀、意兴所至的神来之笔…… 尽管，同一级别的大师里，数霍洛维兹招致的非议最多：他技巧很好，但喜欢炫技，个人色彩太重，太随意——无论弹谁的作品，听上去都象他自己。这些评论有道理，可是，对霍洛维兹来说没什么意义——他知道自己的天赋和使命，知道该怎么去表达自己的激情——他是为这个才弹琴的。霍洛维兹的琴声里不乏直接来自人性的朴素、犷野的冲动，闻者胸中自有热血，哪经得起这般呼唤！其他演奏大师常在让我惊佩的同时，隐约听到他们倾诉成功背后的艰辛，而霍洛维兹早已用更大的劳苦抹去了劳苦的痕迹，以更辛勤的雕饰超越了表面的繁华，打磨出了一个赤子充满情爱的世界。他在恣肆的琴声里朗声宣告弹琴是最大的快乐，音乐是人生的终极目标。 这场历史性的演出被记录了下来，直到今天一直都被认为是20世纪最杰出的现场音乐录音。霍洛维兹的唱片可以有选择地慢慢听，但这张不容错过。