李赫特《巴赫平均律钢琴曲集》
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李赫特《巴赫平均律钢琴曲集》

这套4CD专辑是钢琴家李赫特演奏巴赫《平均律钢琴曲集》。 十二平均律是西方音乐律制的基础和核心,它不同于毕达格拉斯发现的自然律制,而是人为地将一个音极按等比级数分成十二个相等半音,解决了自然律制在转调上不协和的缺陷,非常适合调式变换、和声写作和器乐演奏,极大地扩展了作曲和演奏的范围。巴赫在推广平均律方面的贡献卓著,他创作的《平均律钢琴曲集》为平均律建立了规则和典范,这部涵括了无与伦比的作曲技巧和艺术精神的作品也成为钢琴音乐的“旧约全书”。 在《平均律》的权威演绎者中,一定少不了前苏联钢琴家斯维亚托斯拉夫·李赫特的名字。这位有着卓绝的演奏技巧和超凡的个人魅力的钢琴家,几乎就是一个钢琴流派甚至一个钢琴演奏时代的代言人。李赫特非常喜欢《平均律》,尤其到了晚年,他对这部作品更是情有独钟,他曾连续四个晚上举行音乐会来弹奏它。李赫特弹奏的巴赫《平均律》严谨精致,已成为人们了解、研究、演奏的标准与典范,同时又极具个人色彩,他的演绎除了再现巴洛克作曲大师复杂精巧的复调结构外,每个声部都轻盈地歌唱起来,48段前奏曲与赋格简直就象48首浪漫曲,以浅显迷人的方式带你遨游神秘深邃的音乐宇宙。
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傅聪《诗意肖邦》
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在能够获得国际声誉的华人音乐家中,马友友是当今古典音乐界最红的大师级大提琴家,而钢琴家傅聪是享誉最久的“钢琴诗人”。生于1934年,以超人的天赋和勤奋,傅聪于50年代就成为杰出的青年钢琴家。1955年参加在华沙举行的第五届肖邦国际钢琴大赛,名列第三,并且获得“马祖卡”最佳表演奖。诺贝尔文学奖得主赫尔门海塞在听过傅聪演奏的肖邦作品后说,傅聪是“真正的肖邦,是华沙时的肖邦,海涅时的肖邦。”而傅聪丰富的人生、深厚的中国文学诗词涵养,及在哲学与美学上的思想,使他被西方音乐家尊崇为最能表现肖邦诗情的艺术家。 《夜曲》在罗马时代有“夜神”的意思,而这种音乐型式是由英国的费尔德所制。在低音部和弦伴奏下,高音域奏出如夜一般的寂静、如梦一样优雅的旋律,而费尔德之所以把这样的曲风称为《夜曲》,很可能是来自天主教会的“夜祷”。肖邦一共写有二十一首夜曲,而且正如哈聂卡所说,肖邦“把费尔德筑高、吹进戏剧的气息与热情使之壮大。费尔德的夜曲是朴素的牧歌,萧邦的夜曲不只是单纯的表达,而是经过装饰、阴郁而且带有东方气息。”肖邦音乐中最迷人的部份就是梦幻般的旋律与热烈的情感,而他的《夜曲》就像在清凉的夜晚仰望星空一样舒适快意。
傅聪《斯卡拉蒂·32首奏鸣曲》
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多米尼科·斯卡拉蒂是钢琴史上第一个研究古钢琴音乐自由风格特点的作曲家,是现代钢琴音乐的伟大奠基者.他创作的键盘奏鸣曲在结构和声、音乐风格以及演奏技巧方面独具艺术特色,对键盘音乐的发展起到了重要的作用.学习和研究他的键盘音乐,对我们准确的把握各个时期的键盘音乐风格具有重要意义。 傅聪对斯卡拉蒂的演绎,是将东方诗性美学与巴洛克键盘音乐精髓完美融合的典范,尤其在这张《32 首奏鸣曲》专辑中体现得淋漓尽致。他的触键轻盈而富有层次,高音区如水晶般清脆通透,低音区则温润饱满,避免了巴洛克演奏常见的生硬感。休止符处理极具呼吸感,每个停顿后都能引出灵动的旋律线条,让音符仿佛“从琴键上飘起”,充满飞翔的愉悦感。和声部分如水波荡漾,轻柔时如落英缤纷,营造出朦胧而诗意的氛围,被乐评称为“与灵魂走近”的声音。
柴科夫斯基、西贝柳斯《小提琴协奏曲》
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这张专辑是小提琴家大卫·奥依斯特拉赫与奥曼迪指挥的费城管弦乐团合作,演奏柴科夫斯基、西贝柳斯的小提琴协奏曲。奥依斯特拉赫的演奏具有深不可测的情感内涵,那种热情、博爱的精神,使他的琴音具有声无限的打动人心的力量。他的演奏气质中具有一种悲剧的力量,将蕴含在俄罗斯民族心中无数世代的独特的心灵感受传达了出来。他的演奏中那种“悲天悯人”的巨大同情心使他的琴音挖掘音乐本身最深处的深刻的人性善的信念,这是非具备最博大的人性的人所有能及的。 柴科夫斯基《D大调小提琴协奏曲》作品35,作于1878年。此曲是柴科夫斯基的代表作,是他受到了拉罗作曲的《西班牙交响曲》的激发而作的,是一部欢快、活泼、充满青春气息的作品,它歌唱生命,表现了俄罗斯人民的乐观主义精神。此曲当初相当不受世人欢迎,然而历史最终证明这是一部绝无仅有的音乐杰作,在音乐舞台上久演不衰,成为许多著名小提琴家的保留曲目。 西贝柳斯《d小调小提琴协奏曲》作品47,完成于1903年,几经修改最终于1905年出版,同年在柏林首演。西贝柳斯十分热爱芬兰的自然景色和古代诗人荷马的文学史诗,在这部小提琴协奏曲中,也自然而然地表露了这种感情。音乐主题热情奔放,富有浓厚的芬兰气息。乐曲充分发挥了独奏小提琴的演奏技巧和表现力,在乐队部分的写作上也发挥了交响特色。整部作品如一幅音画,栩栩如生。
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安妮·奎佛莱克《莫扎特》
安妮·奎佛莱克《莫扎特》
这张专辑是法国钢琴家安妮·奎佛莱克演奏莫扎特的钢琴独奏作品,包括《a小调回旋曲》、《为迪波尔的小步舞曲主题而作的变奏曲》、《c小调幻想曲》、《第十四钢琴奏鸣曲》、《d小调幻想曲》。安妮·奎佛莱克的演奏继承德奥钢琴的传统,注重结构、内在张力强,善于处理装饰音和华彩乐段,音色变化细腻、情感丰富深邃。 安妮·奎佛莱克(Anne Queffelec)法国乐坛辈分最高的女钢琴家,1948年1月17日出生于巴黎。安妮·奎佛莱克是钢琴大师布伦德尔的学生。1964年,她参加了巴黎室内乐钢琴比赛,获得一等奖。1968年她赢得了在慕尼黑的钢琴比赛的冠军。安妮·奎佛莱克被视为当今世界最顶尖的钢琴家之一,承继维也纳钢琴三杰衣钵。她不仅是著名的钢琴家,也是众所周知的室内独奏音乐艺术家。她曾获得法国胜利音乐大奖年度艺术家奖,是英国、荷兰、奥地利以及法国的各大音乐节的常客,全世界各大著名音乐厅都十分欢迎这位出色的钢琴家。 《a小调回旋曲》K511,作于1787年。行板,主题为半音阶性质,中间转为C大调。第一插句为不断奏十六分音符细碎音型,中间部转为A大调后出现第二插句,主题第三次再以a小调出现,最后在经经过部平静地结束。A-B-A-C-A的结构式。 《为迪波尔的小步舞曲主题而作的9首变奏曲》K573,D大调,是莫扎特1789年在德国北方旅行时创作的。 《c小调幻想曲》K475,作于1785年。此曲与《第十四钢琴奏鸣曲》K457一起出版,呈献给特拉特耐隆夫人,是三首幻想曲最出名、最优秀的一首。这首幻想曲,柔板-快板-小行板-更快的快板-柔板。主题由前后两个动机组成,转成优美的旋律后加以反复。转为快板,在快速音群后有华彩,转为降B大调小行板,然后更快的快板有暴风雨般的快速音群,再转回慢板,有力地结束。 《c小调第十四钢琴奏鸣曲》K457,作于1784年。 《d小调幻想曲》K397/385g,大约作于1782年,4/4拍,行板。从结构、和弦、织体上预示着浪漫主义的到来,此曲由于它的半音阶、不协和和弦的采用,以及它不可捉摸的和声转调及其解决来刻画出情感的撞击,在当时引起人们的广泛注目。曲风极具浪漫主义色彩,在音乐上表现出两种情绪:即悲伤、忧郁和乐观、明朗的情绪,音乐对比强烈。
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勃拉姆斯、法朗克《小提琴奏鸣曲》
勃拉姆斯、法朗克《小提琴奏鸣曲》
这张专辑是著名小提琴家大卫·奥伊斯特拉赫演奏勃拉姆斯和法朗克的小提琴奏鸣曲。奥伊斯特拉赫有着非凡的音乐才能和高深的艺术修养,以充满诗意般的抒情性演奏见长,有着惊人的表现力和精深的技巧,演奏风格纯朴庄重,富于热情,能使音乐达到十分高超的艺术境界,他那甜美、纯净的音色和激动人心的感情,强烈地打动着听众的心灵,被誉为是“莫斯科的帕格尼尼”,并获得“苏联人民演员”称号和斯大林、列宁奖金。艺术上曾受到克莱斯勒的强烈影响,但是他并没有完全照搬,克莱斯勒的具有唯美倾向的发音手法,在奥伊斯特拉赫那里变成了表现内心情感的手段。他的颤指有时采用艺术化的延迟瞬间开始,造成声音的久远延绵。 奥伊斯特拉赫的演奏具有深不可测的情感内涵,那种热情、博爱的精神,使他的琴音具有声无限的打动人心的力量。一位法国小提琴家曾说:“奥伊斯特拉赫是我一生听过的最完美的小提琴家,这种完美不仅由于他的技术足以和海菲茨匹敌的缘故,尤其难得可贵的是这种技术已经完全溶化在音乐之中。他的演奏是多么地诚挚而高尚啊!他的演奏经常表现出宏伟壮观的气魄,那雄浑的力度会打开每一个听者心灵的大门,他的音色时常流露出柔和和温暖,如同深情的阳光一般。” 他的演奏气质中具有一种悲剧的力量,将蕴含在俄罗斯民族心中无数世代的独特的心灵感受传达了出来。他的演奏中那种“悲天悯人”的巨大同情心使他的琴音挖掘音乐本身最深处的深刻的人性善的信念,这是非具备最博大的人性的人所有能及的。 勃拉姆斯《d小调第三小提琴奏鸣曲》作品108完成于1888年,是他三首奏鸣曲中最为饱满、光辉的一首。作品充满戏剧性色彩,情绪转换幅度较大,钢琴声部和小提琴声部有机地融为一体,结构也扩充为四个乐章。晚年的勃拉姆斯因好友的去世感到悲观与宿命,愁绪与伤感隐含在作品中,但最终还是以积极肯定的态度赞美生活,体现出信念与希望。 法朗克《A大调小提琴奏鸣曲》完成于1886年,是作曲家献给小提琴名家依萨伊的结婚礼物。作品曲式结构丰富,旋律甜美阴柔;音调色彩多端,半音穿梭密集;情绪亢奋缠绵,内心喜悦冷静,带很强的内省挚诚与神秘气氛。
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20世纪伟大指挥家《斯托科夫斯基》
20世纪伟大指挥家《斯托科夫斯基》
这张专辑是美籍波兰指挥家莱奥波德·斯托科夫斯基的录音精选辑。参与演奏的乐团:国家爱乐乐团、丹麦国家交响乐团、斯托科夫斯基交响乐团、NBC交响乐团成员、法国国家广播交响乐团、费城管弦乐团。 莱奥波德·斯托科夫斯基(Leopold Stokowski,1882-1977)美国波兰裔指挥家、古典音乐改编家。他的指挥富于激情,以音响丰满、色彩鲜艳而引人入胜。斯托科夫斯基在指挥艺术发展史上有着卓绝的贡献。他敢于打破传统的束缚,热心于各种革新与试验,热衷于介绍新作品,培养新生力量,他塑造了独一无二的管弦乐音色,他具有极富想象力的作品诠释能力。他不是死守原谱派,他认为音乐必须透过指挥家和演奏家的心灵作用才能显现出它的内在美感,换句话说,指挥家是无法客观地置身于音乐之外的。为了体会各种乐器的特性和难度,斯托科夫斯基还利用每年假期的时间专程前往巴黎去学一样新乐器。 斯托科夫斯基艺术最突出的一点就是他那独一无二的音色,坚实、浑厚、富有光泽以及独树一帜的句法。斯托科夫斯基的节奏服从各个独立的乐句的表达的需要,而乐器听起来不仅仅像它们自身的音色,更是与上一乐句或下一乐句的这种需要关联。这样生机勃勃的声响,能够直接触及听众的情感深处。温柔的抒情的段落与富丽堂皇的壮阔的段落衔接得完美无瑕,没有任何的冲突,因为每一个乐句听起来都是崭新的。 斯托科夫斯基永远在追求最好的声响,不断地冒险创新,对于他而言,没有什么一成不变的必须恪守的规则。“声响”不仅仅意味着听觉效果,更意味着将音乐的各个层面展示出来。乐章的存在,并不是由写在纸上的音符所决定,而只能由音乐家所作出的再创作甚至全新创作的演出所决定。这就是斯托科夫斯基对于指挥的见解,他拒绝做乐谱中规中矩的仆人。
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