H02. Levitzki The Enchanted Nymph

这张专辑是塞戈维亚演奏索尔、朱利安尼等几位作曲家的练习曲。 一直以来，费尔南多·索尔的吉他练习曲都是每个吉他手在学习过程中不可或缺的一部分。很多杰出的吉他演奏家都认为，自己的成就在很大程度上要归功于自己在索尔的练习曲上所下的苦功。 费尔南多·索尔（1778-1839）是“第一代”吉他演奏家中的领军人物，他们所用的吉他已经和现代吉他非常接近（只是小了一些）。索尔对吉他研究的深度是里程碑式的。他独立编写的练习曲无论从音乐主题方面还是技术方面来说，都已形成了令人叹为观止的体系，其中包含了左手指法、右手练习、音程及和弦体系、音阶、琶音、重复音、圆滑音、按弦手法、时值控制、旋律和伴奏的平衡、音调的对位，等等。若能对这些练习曲加以精心的学习，定能打下良好的吉他技术基础，而且有助于吉他手全面提升音乐上的理解能力和表达能力。 “现代古典吉他之父”塞戈维亚在其《索尔吉他练习曲20首》（Twenty Studies for the Guitar by Fernando Sor）的珍藏版中提到：“事实上，只有很少的大师能够编写出教育性和音乐性两全的练习曲，并以这样的方式来推动乐器水平的进步。” 索尔的练习曲就做到了技巧训练和音乐训练并重，并有着适合舞台演出的美感和内涵。哪怕是在最初级的练习曲上，索尔也很少满足于只是刻板地安排一些琶音或其他指法的重复练习。在他的入门级练习曲中，就传达了吉他学习者很少加以关注的一种严谨而典雅的音乐理念，如此高的音乐水准使得索尔的练习曲成为了创作音符、编写旋律、表达乐感等音乐基础课程的最佳素材。

这套合辑收录了钢琴家李赫特的多张钢琴独奏唱片。虽然李赫特通常避免成为一个“完美主义者”，但这个系列的作品和作曲家的范围广泛而丰富。李赫特不喜欢在录音棚演奏，但合辑中大部分的录音资料，包括穆索尔斯基《图画展览会》、李斯特《b小调奏鸣曲》、韦伯《d小调奏鸣曲》、德彪西《Estampes》、斯克里亚宾《第五奏鸣曲》和舒曼《C大调幻想曲》，拉赫玛尼诺夫《前奏曲》、普罗科菲耶夫《第八奏鸣曲》以及肖斯塔科维奇的六首《前奏曲和赋格曲》仍然是经典的录音室录音。 从1956年到1992年，这套合辑还展示了李赫特从难以捉摸的激情青年到朴素的键盘老手的演变过程。如果李赫特对晚期巴赫和莫扎特作品的“素简”式诠释是一种后天的品味，那么我们就无法否认这位钢琴家的专注和迷人的演奏是多么引人入胜。以前错过这些唱片的李赫特粉丝会发现这套合辑是真正的性价比逆天。

这套15CD合辑收录了罗纳德·布劳提甘以古钢琴演奏的海顿全部键盘独奏作品。也许初听上去似乎不如现代钢琴温婉，也可能不如现代钢琴余音绕梁，但细细听下去，相信会感受到乐器之王的纯粹魅力。 罗纳德·布劳提甘（Ronald Brautigam，1954-）荷兰著名钢琴家，出身于荷兰最著名的史威林克音乐学院，师从荷兰钢琴大师Jan Wijn。之后前往伦敦和美国继续深造，并曾追随鲁道夫·塞尔金学艺。Ronald Brautigam在1984年获得了荷兰音乐大奖。他特别擅长演奏古钢琴，之后逐渐成为古钢琴界权威，更是当今倡导莫扎特时代钢琴艺术的名家。 海顿一生共写有62首钢琴奏鸣曲，主要用古钢琴为教学和个人演奏。早期的钢琴奏鸣曲通常用“嬉游曲”和“奏鸣曲”作为标题，多半保留三个乐章的形式，并且三个乐章统一在同一调性上。其后海顿又较多模仿北德乐派大师C.P.E.巴赫的奏鸣曲。1771年海顿受到“狂飙运动”影响，18世纪80年代后海顿的创作在旋律风格与结构上受到莫扎特影响。经历了一生与音符为伴的时光，海顿开始在晚期的作品中显现出不同于其他时期的气象。这时的海顿已经不再需要功绩、名利，而老来受到尊崇的他也逐渐在作品中显示出自己的偏好，除了保持乐观、真诚、爽朗、幽默的性格以外，他开始追求新的乐思与立意。

乔治·赛尔（George Szell，1897—1970）是一位十分全面的音乐指挥家，他在一生中曾指挥过各类体裁的大量作品，他不但精于指挥古典和浪漫主义的经典作品，对于现代主义作品，他也有着十分令人信服的演释能力。赛尔的指挥曲目异常广泛，在指挥风格上趋向于托斯卡尼尼开创的客观主义风格，他本人在排练和演出时也十分强调于忠实原作。在指挥时赛尔表现出了出奇的严谨和细腻，他在演释作品时，总是能够凭借着自己的敏锐的听力、良好的平衡感和果断的判断能力，将作品的织体层次勾划得异常清晰。赛尔的演释，具有十分恰到好处的完整感，在对于作品内容方面的揭示上，他也有着极其严整的逻辑性。因此，从这些方面的综合能力上看，赛尔的确是一位很全面的指挥大师。

这套13CD合辑收录了钢琴家李赫特1960年在卡内基音乐厅演奏的现场录音。经过了半个世纪的等待，终于发行了李赫特于1960年在纽约卡内基音乐厅的全部六场独奏会录音，无疑是众多乐迷了解李赫特早期演奏艺术的绝佳机会。 坦白地说，称李赫特的访美音乐会为传奇的开端恐怕略有不妥，毕竟此时距离他的毕生首演已近二十年之久，而且李赫特的名声也已经传遍天下，在当时的社会主义国家中更是被奉若神明。然而，访美之行对于李赫特的演奏生涯而言是极大的转折点，正是凭借此行他成功被西方世界所接纳，不再是只闻其名不见其人。另一方面，从个人的演奏艺术来看，此时的李赫特尚未完全脱离其四五十年代的演奏风格，称其是开端也并不为过。故最终定下其题。

这张专辑是希拉里·哈恩与埃萨-佩卡·萨洛宁指挥的瑞典广播交响乐团合作，演奏二十世纪美籍奥地利作曲家勋伯格和同时代的芬兰作曲家西贝柳斯的《小提琴协奏曲》。希拉里·哈恩选择录制这两部作品，是为了凸显她驾驭现代大型作品的能力，以及过人的技术能力。 在专辑录音中，希拉里·哈恩给人以强烈的震撼力，实话说勋伯格的《小提琴协奏曲》即便有上佳的技术能力，也并不是很好把握的作品，希拉里·哈恩的诠释表现出成熟的知性美，她把作品中融合现代意识与复古韵味的特色很好地表达出来，灵动而不失优雅，又以无懈可击的全局观念征服了乐迷。在她演绎的西贝柳斯《小提琴协奏曲》中，可以听到不亚于当代任何一位同辈小提琴家的出色演奏技巧，希拉里·哈恩祛除了早期演奏趋向于过分热情、急躁的状况，同时也把作品中那种北欧民族风味恰如其分地烘托出来。 埃萨-佩卡·萨洛宁指挥的瑞典广播交响乐团在录音中也有高分表现，乐团对两部作品特别是西贝柳斯《小提琴协奏曲》的气氛营造相当到位，令人留下深刻的印象。音乐制作和音响制作阵容都是一流的，使专辑的完成度很高，音质也达到发烧级别。 勋伯格《小提琴协奏曲》作品36，作于1935年至1936年，呈献给韦伯恩，采用十二音技法创作，小提琴大师海菲兹曾经拒绝首演这首作品。几乎没有人会认为演奏此曲会简单轻松，它棱角分明、怪异的装饰，多处长独奏段落可以说是专为摧残小提琴手创作。 西贝柳斯《d小调小提琴协奏曲》作品47，完成于1903年，是他唯一的小提琴协奏曲。此曲有着交响曲的规模，一把独奏小提琴和管弦乐队的其它乐器有着同等的地位。一个为独奏演员而作的华彩乐段在第一乐章的发展部大放异彩。

这张专辑是罗马尼亚指挥家谢尔盖·切利比达奇的录音精选辑。参与演奏的乐团：丹麦国家交响乐团、柏林爱乐乐团、瑞典广播交响乐团、伦敦爱乐乐团、柏林广播交响乐团。 谢尔盖·切利比达奇（Sergiu Celibidache，1912年6月28日-1996年8月14日）罗马尼亚指挥家，二十世纪世界著名指挥大师之一。切利比达奇的指挥特色是演奏速度较慢，有人认为，这是他受“玄”学的影响之故，他的最擅长的曲目是布鲁克纳、勃拉姆斯、贝多芬等音乐家的作品，但他拒绝指挥马勒的作品。

这张专辑收录了钢琴家李赫特演奏普罗科菲耶夫、斯克里亚宾、肖斯塔科维奇这三位俄罗斯作曲家的作品为主题，其中又以他对普罗科菲耶夫钢琴作品的诠释最为人所称道。在录音中可以听出，李赫特对于普罗科菲耶夫《第六奏鸣曲》所作出的精彩诠释。首乐章中他利用弹性速度，将乐句线条注入狂热的意象，很少有钢琴家能在维持住第二乐章中出现的颤抖节奏的同时，又能踩高跷变戏法般地表现出谱面上的要求，而李赫特恰恰做到了。在慢乐章中，我们可听出他对乐曲结构的洞察力。到了终乐章，他演奏中所展现的管弦乐般的色彩和活力能在顷刻间让人屏息以待。 CD1中李赫特还演奏了斯克里亚宾的《幻想曲》、《如诗的夜曲》、《朝向火焰》等作品，与他于上世纪五十年代留下的录音相比，这里的演奏少了几分锐气和激动的色彩，更趋于宽广、细致，营造出了一种充满着神秘感的氛围。

1986年，82岁高龄的霍洛维兹在戈尔巴乔夫的邀请下，返回生养他的俄罗斯，举行了一场音乐会。不过，他只演奏了一场。不知这是他个人的决定，还是当局的决定。 这是一场游子还乡的悲情演出，不论演奏者或听众，感受的不仅是钢琴演奏艺术，还共同演出了那场戏剧人生的最后一幕。多少场景、细节、伏笔、人物、矛盾、冲突……人生所有的不得已，都在那唯一一场演出中，在每一个音符的跳跃中一一交割。霍洛维兹的音乐，不可颠覆地从渺远的高处，悲悯地俯视着将他长久拒绝于国门之外的、生养他的俄罗斯，俯视着泪流满面、百感交集的听众。 霍洛维兹，他那特有的“左手低音”，总会不由分说地从听众的心坎上卷起热望和哀思。这场音乐会，他依然弹奏他最擅长的曲目。弹起斯卡拉第，一路掉落精致的珍珠；他手下的李斯特有种神秘的味道，前所未有地燃烧着天才的热情；他的拉赫玛尼诺夫和斯克里亚宾又华丽又悲凉，雄浑的意境里暗藏侠骨柔情。他有这么多让人疯魔的特质：大刀阔斧的阳刚气、浓厚而层次分明的色彩、卷舒自如的呼吸、几乎与生俱来的浪漫情怀、意兴所至的神来之笔…… 尽管，同一级别的大师里，数霍洛维兹招致的非议最多：他技巧很好，但喜欢炫技，个人色彩太重，太随意——无论弹谁的作品，听上去都象他自己。这些评论有道理，可是，对霍洛维兹来说没什么意义——他知道自己的天赋和使命，知道该怎么去表达自己的激情——他是为这个才弹琴的。霍洛维兹的琴声里不乏直接来自人性的朴素、犷野的冲动，闻者胸中自有热血，哪经得起这般呼唤！其他演奏大师常在让我惊佩的同时，隐约听到他们倾诉成功背后的艰辛，而霍洛维兹早已用更大的劳苦抹去了劳苦的痕迹，以更辛勤的雕饰超越了表面的繁华，打磨出了一个赤子充满情爱的世界。他在恣肆的琴声里朗声宣告弹琴是最大的快乐，音乐是人生的终极目标。 这场历史性的演出被记录了下来，直到今天一直都被认为是20世纪最杰出的现场音乐录音。霍洛维兹的唱片可以有选择地慢慢听，但这张不容错过。

这张专辑是Z.E.N.三重奏演奏勃拉姆斯、德沃夏克的《钢琴三重奏》，并附带一首勃拉姆斯《匈牙利舞曲第六号》。 由中国钢琴家左章、韩裔美籍小提琴家柳爱莎（Esther Yoo）、亚美尼亚大提琴家纳雷克·阿赫纳扎（Narek Hakhnazaryan）组成的Z.E.N.三重奏，三位成员都是非常杰出的青年演奏家。左章可谓是深圳人最熟悉的青年钢琴家之一，5岁起在德国柏林开始学琴，回国后师从但昭义教授，在深圳艺术学校毕业后，继续到美国深造。除了在茱莉亚音乐学院就读期间荣获第32届佩切克钢琴演奏大奖外，左章还获得了首届中国深圳国际钢琴协奏曲比赛第一名等多项大奖。柳爱莎1994年出生于美国新泽西州，10多岁开始就与罗林·马泽尔、弗拉迪米尔·阿斯科纳兹等世界级指挥家们一起同台演出。1988年出生于亚美尼亚埃里温一个音乐世家的大提琴家纳雷克·阿赫纳扎，在2011年获得第14届柴可夫斯基国际大赛大提琴金奖，从此在国际乐坛崭露头角。这三人的合作演奏，精彩不容错过。 勃拉姆斯《B大调第一钢琴三重奏》作品8，作于1854年。作为勃拉姆斯创作的第一首钢琴三重奏，同时也是他发表的第一部室内乐作品，此曲确立了他早期的音乐风格，即明亮愉悦、极力追求古典主义音乐的均衡。这首三重奏的旋律非常朴实优美、内涵丰富，可形容为“彩虹飞架、彩蝶飞舞、夜莺歌唱”。钢琴、小提琴和大提琴之间的对话悠闲动人，每次聆听都会被深深的感动。古典音乐的魅力就在这里，真正一部好的作品需要你去细心的品味，听得越多，越能品出个中滋味。还是那句话，流行音乐、轻音乐是听，味道甜得很，容易入口也容易厌倦;古典音乐是品，就像咖啡、美酒，只要你用心尝试，便会欲罢不能，它可以伴你一辈子，而且在每个年龄阶段、在不同的心境中都能品出不同的滋味来。 德沃夏克《e小调钢琴三重奏“杜姆卡”》作品90，作于1891年。名称中的“杜姆卡”来自捷克语，是流传在捷克和乌克兰地区的民间叙事诗，通常以弹拨乐器伴奏。此曲有6个乐章，结构庞大。音乐有如同史诗般的悲剧性气质。