A02. Beethoven Symphony No.5 Op.67 - 2. Andante con moto

这张专辑是由Paul Galbraith、Angel Romero、Scott Tennant和Brazilian、Los Angeles吉他四重奏演奏改编的最悦耳动听的古典音乐经典曲目，演奏技巧和演绎内涵均为世界级的高水准，加上天碟级的录音，自然无比的空间感、清晰透彻的拨弦质感，绝对是宝宝耳边最美妙的天籁之音。

这张专辑是意大利指挥家卡罗·马里亚·朱里尼的录音精选辑。参与演奏的乐团：爱乐乐团、芝加哥交响乐团、巴伐利亚广播交响乐团、都灵广播交响乐团、维也纳交响乐团。 卡罗·马里亚·朱里尼（Carlo Maria Giulini，1914年5月9日-2005年6月14日）意大利指挥家，20世纪重要的指挥大师之一。朱里尼的指挥风格优美而华贵，注重细部的体现，又不失完整性。强劲处有如排山倒海，细婉时又好似潺溪回环，幽韵谐婉，让人感到情真意蕴，贴切自然；由此，得到了“一位有着贵族气质的杰出指挥家”的美誉——他以追求高雅的气质、细腻的旋律线条刻划和严谨的结构勾勒为特色；他指挥的管弦乐大都呈现出很高贵的表情，而对歌剧的处理可能更优于管弦乐。 唱片中最早的录音是1956年录制的斯特拉文斯基和比才的作品。爱乐乐团的情绪显得非常高昂，节奏富于变化，音色温暖而充满活力。两首曲子都是在金斯威音乐厅里录制的。另一首由爱乐乐团录制的曲目是马勒改编的舒曼《第3交响曲》，录音时间是1958年。同样，那种清澈、温暖的音色，也正是那时乐团录音的典型音色。在Abbey路录音室的那些录音，还要优于在金斯威音乐厅的录音。 《坦克雷迪序曲》录制于1964年。这些录音在很长时间都是作为EMI录音室里罗西尼序曲集的一部分。如果你聆听了这个录音，你就会感觉这就是所需要的那种诠释，并且富于朱里尼歌剧风格的特质。从过去从未发行过的录音角度来看，这是这个系列录音中最优秀的之一。因此，我们能够有机会更多地了解指挥家的艺术思想，而不是重复听一些过去已经发行的录音。 芝加哥交响乐团演奏的贝多芬《第7交响曲》是典型的大西洋彼岸的风格：宏大有力的铜管加上朱里尼在慢板乐章中一些自然活泼的诠释，但确实把舞曲中的精髓带给了听众。

这套9CD合辑是钢琴家吉列尔斯，1954-1972年间与克利夫兰管弦乐团、巴黎音乐学院管弦乐团、爱乐乐团、新爱乐乐团合作的演奏录音。 CD1-3收录了吉列尔斯1968年4月29日-5月4日在克利夫兰赛佛伦斯音乐厅，与乔治·塞尔指挥的克利夫兰管弦乐团合作，演奏贝多芬的5部钢琴协奏曲。一位是看起来内敛，实际上拥有钢铁般意志力的钢琴演奏家，另一位是以训练要求严格著名的指挥，他们二人相遇之后，会激荡出什么火花呢？在这个录音中，吉列尔斯没有采用早年注入凶猛的火力的演奏，而是偏重在音色的平稳度与抒情的灵性上。吉利尔斯经常强调的“自然”并不是光指音乐的自发性而已。在固定的节奏之外，谨慎的思考可以为乐曲增添不同的效果，就像这个录音中的贝多芬《第四钢琴协奏曲》，他把崇高威严的气势带进这部协奏曲。 CD4收录了吉列尔斯1957年4月30日-5月1日在伦敦阿比路第一录音棚，与利奥波德·路德维希指挥的爱乐管弦乐团合作，演奏贝多芬《第四、五钢琴协奏曲》。路德维希是位奥地利指挥，对音乐的处理工整严谨，吉列尔斯在这个录音中一反他在演奏俄罗斯作品时那种激昂奔放的手法，稳健的速度、遒劲的触键、绵密的结构将古典主义的典雅和贝多芬音乐中的雄浑崇高铺排得丝丝入扣。 CD5收录了吉列尔斯1957年6月1-2日（贝二）、6月19-20日（贝一）在巴黎瓦格拉姆音乐厅，与安德烈·范德努特指挥的巴黎音乐学院管弦乐团合作，演奏贝多芬《第一、二钢琴协奏曲》。这个录音是吉列尔斯正值壮年录制的，他以高超的技巧与丰富的情感变化，细腻地诠释了贝多芬这两部早期钢琴协奏曲。 CD6收录了吉列尔斯1954年3月9-10日在巴黎香榭丽舍剧院，与安德烈·克路易坦指挥的巴黎音乐学院管弦乐团合作，演奏贝多芬《第三钢琴协奏曲》。1954年3月12日在巴黎香榭丽舍剧院独奏莫扎特《第十六钢琴奏鸣曲》。 CD7收录了吉列尔斯1954年3月11日（拉三）、1955年6月13日（圣二）在巴黎香榭丽舍剧院，与安德烈·克路易坦指挥的巴黎音乐学院管弦乐团合作，演奏拉赫玛尼诺夫《第三钢琴协奏曲》、圣-桑《第二钢琴协奏曲》。1955年10月19-20日在纽约Capitol Studio独奏肖斯塔科维奇《前奏曲与赋格》的第五首和第二十四首。

这张专辑收录了最平静祥和的巴洛克音乐，极适合作为抚慰心灵的音乐良方。专辑能够在市面上众多的巴洛克音乐选集中脱颖而出，除了拥有最优美的选曲之外，更网罗最顶尖的超级巨星，而许多最新的录音更收录其中，包括了假声男高音修尔所演唱的亨德尔歌剧《赛西尔》选曲《怀念的树荫》，以及与女高音芭芭拉·邦妮合唱的佩尔戈莱西《圣母悼歌》。包括：帕海贝尔《卡农》、维瓦尔第《四季》、阿尔比诺尼《慢板》、巴赫《G弦上的歌》、《布兰登堡协奏曲》、《双小提琴协奏曲》、《沈睡者醒来》、《哥德堡变奏曲》、格鲁克《受祐精灵之舞》、亨德尔《布谷鸟与夜莺》、《怀念的树荫》等38首著名作品。

这套合辑收录了指挥大师约瑟夫·凯尔伯特1953年至1963年在德律风根公司的录音，包括莫扎特、贝多芬、勃拉姆斯、德沃夏克、布鲁克纳的著名交响乐作品和小约翰·施特劳斯的圆舞曲与波尔卡、理查·施特劳斯的几部交响诗。演奏是由班贝格交响乐团、巴伐利亚国家管弦乐团、柏林爱乐乐团、汉堡爱乐乐团完成。 2018年7月20日是凯尔伯特大师逝世50周年纪念，这位被忽略的大师的录音，越来越多地呈现在我们面前。这套合辑以及后来Profil发行的现场录音一起，勾勒出大师存世录音作品的完整轮廓，莫扎特、贝多芬、勃拉姆斯交响曲这些基本曲目演绎出色，最突出亮点是小约翰·施特劳斯和理查·施特劳斯的作品。 约瑟夫·凯尔伯特（Joseph Keilberth，1908年4月19日生于卡尔斯鲁厄-1968年7月20日卒于慕尼黑）德国指挥家。

这套合辑是莱因斯多夫指挥皇家爱乐乐团，演奏莫扎特的41部交响曲。在这套莱因斯多夫演绎的作品中，音乐的神韵与声音的魅力是紧密相连的，而对节奏完美的无条件关注永远不会以牺牲自由的听觉为代价。在这方面，莱因斯多夫划时代的莫扎特交响曲录音仍然是新鲜的和永恒的，即使对今天的听众也是如此。 莱因斯多夫在指挥莫扎特时最关心的是清晰，换句话说，他费尽心思通过声音这一媒介把乐谱的内容传达给听众的理解。在表面上“毫无疑问”的早期交响乐中的主要路线，特别是在交响乐的开场乐章中。第29交响曲K201(186a)，从不主张独断的摇摆，而是在琴弦的纹理中占据首位，从而确保半透明的声音画面，反过来允许听众获得启发的见解，进入作曲家的形式结构、和声发展。与此同时，莱因斯多夫揭示了一个良好发展的乐句音乐特征的感觉。以《第一交响曲》的快板为例。第27交响曲K199(161b)，正如第一个主题是清晰而明确的，第二个主题是温柔、活泼甚至轻快的。每个短乐句都有自己的内在生命。 重复的乐段总是被省略，也许反映了当时的惯例，或许也因为LP唱片的时间限制，莱因斯多夫通常会缩减莫扎特的交响曲的时长，从《F大调第一部交响曲》中可以清楚地看到。《第18交响曲》K130，在早期的作品中，长笛具有色彩的功能，用它们自己的旋律线来填充背景而不是干扰音乐的行进。这种色彩缤纷的声音写在Andantino grazioso中有一种独特的美，在拨奏低音和柔和的小提琴背景下展开。与此同时，当莱因斯多夫想要制造出一种富丽堂皇的、近乎歌剧般的声音时，他也毫不犹豫，就像在《巴黎》第一号交响曲中那样。《第31交响曲》K297(300)，演奏使用了长笛、双簧管、单簧管、巴松管、小号和定音鼓，莫扎特自豪地指出，这是他第一次使用单簧管的交响曲。在莱因斯多夫的诠释中，作曲家的自豪感几乎是显而易见的，这种诠释的特点是对作品音调的纯粹喜悦。

这张专辑是海廷克指挥伦敦爱乐乐团，演奏李斯特的6部《交响诗》，附带《第一梅菲斯托圆舞曲》。 第八交响诗《英雄的葬礼》S102，作于1849-1850年。 第九交响诗《匈牙利》S103，作于1854年。 第十交响诗《哈姆雷特》S104，作于1858年。 第十一交响诗《匈奴之战》S105，作于1856-1857年。 第十二交响诗《理想》S106，作于1857年。 第十三交响诗《从摇篮到坟墓》S107，作于1881年。 《第一梅菲斯托圆舞曲》S514，副标题为“乡村酒馆中的舞曲”，作于1861年。

这套合辑收录了大提琴家罗斯特洛波维奇1950-1962年在莫斯科的演奏录音，合作的音乐家包括：钢琴大师李赫特、作曲家肖斯塔科维奇、卡巴列夫斯基，都是当代音乐史上大名鼎鼎的人物。曲目包括：普罗科菲耶夫、肖斯塔科维奇、卡巴列夫斯基的大提琴奏鸣曲；柴科夫斯基《洛可可主题变奏曲》；舒曼、肖斯塔科维奇、圣-桑的大提琴协奏曲；肖邦、维拉-罗伯兹、法雅、斯特拉文斯基、拉赫玛尼诺夫作品的大提琴改编曲等。 罗斯特洛波维奇在音乐学院里如鱼得水，不仅学大提琴游刃有余，还在肖斯塔科维奇班上学作曲。据说他从二年级直接跳到五年级，1946年毕业时名字被刻在金榜上，此后边进修边演出，1949年、1950年分别在布达佩斯和布拉格的大提琴比赛上与另一位较早出道的大提琴天才沙夫兰并列获得一等奖。但此后罗斯特洛波维奇的魅力让沙夫兰望尘莫及。

这张专辑是吕思清与中国中央交响乐团共同演奏门德尔松、萨拉萨蒂的经典之作，由著名指挥家涂惠民执棒。吕思清极富穿透力的演奏，充满心思的运弓、的音准、清晰的音粒、细腻的乐句处理、激情变化的演奏，西方古典音乐之高贵与东方传统文化之深韵的完美杂糅，无不处处显示出他让人震惊的才华。这张专辑的录音极佳，将吕思清那把阿玛蒂名琴的美妙音色、质感表露无遗。当明亮绚丽的琴音流出他的指间时，必须承认，吕思清的确无愧“东方的帕格尼尼”。

这个录音将小酒馆那种烟雾弥漫的气氛、乐手尽兴愉快的表演情形活生生的表现出来。因为爵士乐之迷人在于活生感、现场感以及歌手即兴富有亲和力的表演，很容易让现场聆听者的情绪陷入HIGT的境界，尤其是Take Five时间。“Take Five”是爵士乐里的特有名词，在属于大乐团的时代里，乐手为了出头就得自己争取Solo（独奏）的机会，借以引起大家注意，那最简单的方法是什么呢？就是利用整个乐团表演告一段落，团长宣布“休息五分钟”的时候来大显身手。其中《当铺爵士》系列就可说是Take Five最有名的唱片，这里的“Take Five”节奏明快，几个乐手轮翻上阵，钢琴飙起来让人不自觉的打拍子，把这宝贵的五分钟利用的相当彻底。