610. Nocturne No.21 in C minor Op.posth

这张专辑是由著名的意大利弦乐四重奏团演奏海顿的弦乐四重奏作品。海顿被誉为“交响乐之父”，其实也是“弦乐四重奏之父”。许多评论甚至认为，海顿对于弦乐四重奏这种音乐形式的发展所作出的贡献，要超过作曲家对交响曲发展的贡献。但有意思的是，作曲家曾经承认，自己使用这种形式创作音乐是“纯属偶然”的。可见海顿只是在不知不觉中完善了弦乐四重奏，而非刻意去创造或革新，而正是他的“随意”，造就了四重奏上的神话，因此无论后来的贝多芬、舒伯特、勃拉姆斯、巴托克乃至肖斯塔科维奇等等，作出了多么大胆、新奇的创举，多么了不起的发展，从某个角度上来说，仍然无法超越海顿，海顿的四重奏的紧凑、精致、活力充沛而尤其是旋律上的纯净之美，永远是后世的楷模。

这张专辑是伯恩斯坦指挥柏林爱乐乐团，演奏马勒《第九交响曲》。获得日本《唱片艺术》推荐。 这是伯恩斯坦与柏林爱乐乐团唯一的合作版本，完成度出人意料的好，一点都不像是第一次合作演出。由于是现场录音，更使得音乐间形成了一股可怕的张力，听第一次会让你感动，第二次听大声叫好！听第三次会让你感觉人生索然无味。 《D大调第九交响曲》作于1909-1910年，在此曲之前的《大地之歌》，原应称为《第九交响曲》，因考虑到与第九有关连的作曲家的命运，才舍第九不用。作此曲时，马勒好像已安然超越了死亡，在第一乐章发展部也曾记有“呵，我消逝了的青春，我消费了的爱”，第三乐章开头记有“给在阿波罗的我的弟兄”，第四乐章结尾有“像死那样结束”。

这张专辑是辻井伸行2009年参加第13届范·克莱本国际钢琴比赛的演奏现场录音，收录了他在比赛最后一轮所弹奏的肖邦《第一钢琴协奏曲》，还有其他赛程中所演奏的《摇篮曲》、12首《练习曲》作品10。担任协奏的是詹姆斯·康伦指挥的沃思堡交响乐团。 比赛结束，当台下响起如雷的掌声后，辻井伸行依照惯例起身向台下回礼，因为眼睛失明的原因，让他鞠躬时的动作看起来有些不自然，但你绝对可以感受到他心灵所保有的单纯。以往范·克莱本国际钢琴比赛都会为得奖者发行一张比赛中的演奏专辑，但是辻井伸行却是唯一除了比赛专辑之外，还会发行第二张专辑的得奖者。 据媒体访问，辻井伸行说：“最喜爱的作曲家是贝多芬、肖邦和德彪西，前两位更是深深打动我的内心”。不同于一般钢琴家可以直接识谱练习，辻井伸行在练习时，必须使用录音带，先请人录下左手和右手的演奏，然后再另外配合一盘录音带，提示谱上的乐句与奏法，同时会请助手在弹奏时尽量避免加入个人的诠释。记住音乐之后，才会开始以两手演奏并且建立自己的诠释观点。如果碰到结构较大的奏鸣曲或是协奏曲，花费一个月的时间是家常便饭。但是在练习新曲目的同时，辻井伸行仍旧会固定练习自己的常用曲目。

这套12CD合辑是钢琴家阿劳在1941至1983年间为美国胜利唱片公司（Victor）与哥伦比亚唱片公司（Columbia）所录制的所有专辑汇总。其中1946年到1950年之间是阿劳第二次赴美拓展事业的高峰，唱片公司完全尊重他以艺术眼光对曲目所做的抉择。当时录制的曲目包括：理查·施特劳斯《滑稽曲》、韦伯《音乐会小品》、贝多芬《第21号钢琴奏鸣曲“华德斯坦”》、阿尔班尼士《伊贝利亚》等。 克劳迪奥·阿劳（Claudio Arrau，1903-1991）智利钢琴家。自幼有神童之称，曾到柏林求学，后定居纽约，持续其国际钢琴大师的演出生涯，誉满全球，公认是二十世纪最伟大的钢琴家之一。阿劳的演奏曲目范围十分广泛，从巴洛克到二十世纪的作品均有独到的建树，纯正严谨的古典风格与深刻的感情结合完美，并通过丰富的音色变化和辉煌的演奏技巧展现作曲家的音乐构思。录制了大量的唱片，是贝多芬、肖邦、舒曼、李斯特、勃拉姆斯作品的权威演奏家，最脍炙人口的录音是贝多芬钢琴奏鸣曲全集。 1914-1915年的乐季是他演奏生涯的大事，阿劳首次于柏林演出，先前他已经在德国以及斯堪地那维亚半岛上深入地拜访旅行，之后便展开了在欧洲各地所举行的一连串演奏会，他的演奏生涯也才正式确立。1921年阿劳首度回到南美洲，举办了数场音乐会，1922年第—次在伦敦登台。1924年回到母校Stern音乐院工作，直到1940年辞去职务。1927年因为获得日内瓦国际钢琴大赛首奖的肯定，使得他的声名更加稳固。1935年在柏林举行的一系列十二场的纪念音乐会中演奏了「音乐之父」巴赫的全部键盘作品，表现令人激赏。1940年离开柏林回到智利，在圣地亚哥创立钢琴学校。战争期间，阿劳完全投身在美国演奏，1941年举家迁往纽约定居。战后成了杰出的钢琴家之一，世界各地的演奏邀约不断。而这套合辑中的录音也因而开始于此。 无疑地，阿劳的音乐成就足以与布索尼、拉赫曼尼诺夫齐名，为本世纪杰出的钢琴家之一。他擅长演奏巴赫、莫扎特、贝多芬、肖邦、舒伯特、李斯特、舒曼、勃拉姆斯等传统音乐家的作品，对于阿尔班尼士、葛拉那多斯、德彪西、韦伯、理查·施特劳斯等近代作曲家的作品也十分在行。

这张双CD专辑收录了海顿的6部“艾尔道迪”弦乐四重奏（作品76），由塔卡契弦乐四重奏团演奏。 海顿的音乐风格热情、典雅，充满了欢乐、幸福、和平的气氛。他的音乐就象优美的田园诗一样。他总是用这种笔调来歌颂大自然，歌颂生活。在他的作品中，还经常可以感受到鲜明的奥地利民歌风格。海顿作品的另一个特点是具有巧妙的幽默感，乐曲中充满了愉快而别致的情趣。 在弦乐四重奏中，海顿采用“说话的原则”，即各声部彼此像交谈般地呼应，既有清晰的旋律，又有复调的美感。莫扎特说：“从海顿那里我才第一次学会了写作四重奏的真正方法。”在交响曲中，他“确立了以短小动机加以动力性展开的奏鸣性发展原则，废除了数字低音的传统，以及开始确立了近代管弦乐的编制和配器原则”。这些，都给予莫扎特和贝多芬很大的启迪。 1797年前后，六十五岁的海顿完成了其一生最为优秀的一套弦乐四重奏：《“艾尔道迪”四重奏》作品76（第75号至第80号），题献给艾尔道迪伯爵。整套作品首先是四件乐器更加地位均等、互有特性，很好地体现出相互对话的原则。其次是主题带有浪漫主义性格和浓郁的民间特色，被赋予更生动的节奏活力，更丰富的和声色彩，创作手法更为精致大胆。尤其是其中的《五度》、《皇帝》、《日出》三首带标题的四重奏更是传世佳作，知名度极高。

这张专辑是博尔特指挥伦敦爱乐乐团，演奏巴赫《勃兰登堡协奏曲》。 巴赫以精湛的对位技巧赋予复调音乐无限的魅力。《勃兰登堡协奏曲》是他众多管弦乐作品中最为著名的一组。全曲共6首，每首的乐器组合各不相同。从这组乐曲中我们能体会到巴赫对艺术的感悟能力与杰出的作曲技能。这组乐曲被瓦格纳称为“一切音乐中最惊人的奇迹”。 这六首大协奏曲是巴赫同类作品中最伟大的杰作，也是他自由发挥其技能的最佳范例之一，展现了绚丽多彩而又富于独创性的对比，华丽而高超的复调手法，活跃而宏伟的旋律，可以说，巴赫用这首作品把大协奏曲这种当时已经趋于过时的体裁推向了最后的高峰。

这张专辑收录了王羽佳演奏的肖邦、李斯特和斯克里亚宾的奏鸣曲，并穿插两首利盖蒂的练习曲。 专辑中都是兼有难度和深度的有份量的曲目，王羽佳就是想把第一张专辑当作一个宣言：“我不是一个弱小的亚洲小女孩！”她在专辑中展现了三首奏鸣曲之间的对比和联系：肖邦和李斯特都是19世纪浪漫主义钢琴音乐天才，但二人对奏鸣曲这一产生于欧洲古典主义时期的音乐体裁的理解却迥乎不同。相形之下，20世纪作曲家斯克里亚宾的第二奏鸣曲在精神和气质上却更接近肖邦，显然受到了肖邦的极大影响。聆听这张专辑时，自始至终都能感受到令人热血沸腾的情感张力，音乐一直吸引着听者的注意力直到曲终。 有人认为王羽佳这几首奏鸣曲的演奏速度过快，为此我特意对比了这些奏鸣曲的其他经典演奏版本，发现王羽佳的演奏时间并不比其他版本短。我认为是王羽佳演奏中喷薄而出的朝气、流畅率真的音乐表现，使音乐结构显得极为紧凑、充满动感，所以使听者心理上的速度感要快于实际的演奏速度。专辑中的两首利盖蒂练习曲是令许多演奏家望而生畏、难度极大的现代音乐作品，王羽佳的演奏体现了她对键盘近乎完美的控制能力，信手拈来，毫无负担。

这两张专辑《闪亮的古典小品》， 其中收录的都是大家耳熟能详的作品，录音的手法相当细腻，同时对于各种乐器的音色和音质，拿捏的十分准确，低频潜的很深。尤其是弦乐群的层次感和空间感，如同身临现场，可谓是十分考究的。这是因为他们都是由世界最著名的录音师威尔金森和他的录音小组录制的。 举世无双的威尔金森之音： 1、所有的威尔金森录音都展现出一个极为宽阔的舞台。威尔金森录音时习惯把法国号摆到左后方，小号、伸缩号放在右后方，某些录音你甚至会觉得舞台太宽了，甚而超出聆听室的范围； 2、深度感十分惊人。在国家音乐厅是绝对不可能听到这么又深又雄伟的场面，有时我会认为这是不是真的﹖很多录音拥有宽阔的音场，不过是平面的，而威尔金森却兼得两者之长； 3、有极佳的定位感与实体感。老一辈的发烧友闲话录音时常说Robert Fine 的细节（Detail），Lewis Layton的堂音（Ambience），威尔金森的实体感（Body）； 4、有非常大的空间感。不尽是整个录音地点的空间感与堂音非常清楚，就是乐器间的空气流动也一样历历在目； 5、有富丽堂皇的音色。弦乐听来都很有弹性，而且色彩瑰丽，铜管威力十足却仍保有适当的肉感，与EMI 的清丽、RCA 的浑厚刚好是几种不同的对比； 6、有惊人的动态比和最佳的平衡度。 上世纪90年代初，发烧友开始对数码时代的录音产生疑问，于是一些发烧唱片公司将模拟时代的优秀录音重新制作转录成CD，以满足大家对模拟时代的怀念。这两张《闪亮的古典小品》就是推荐专辑之一，据称可以让人听出黑胶唱片的感觉。

这张专辑是奥地利著名指挥家埃里希·克莱伯的录音精选辑。参与演奏的乐团：捷克爱乐乐团、伦敦爱乐乐团、北德广播交响乐团、维也纳爱乐乐团。 埃里希·克莱伯（Erich Kleiber，1890年8月5日-1956年1月27日）奥地利指挥家，20世纪伟大的指挥之一，卡洛斯·克莱伯之父。埃里希·克莱伯有优异的节奏感，组织力强，是抒情风格的代表性指挥家，被认为是莫扎特、理查·施特劳斯和贝尔格歌剧作品的杰出诠释者，他领导的柏林德国歌剧院在30年代达到了极高的世界声誉。同时，他指挥贝多芬、舒伯特等人的管弦乐也有极高的声誉，被称为“精巧细致的管弦乐指挥专家”。他指挥英国室内乐团演奏的蒙特威尔第与巴洛克作品，可堪称权威，而对巴洛克时期协奏曲的诠释尤其到位。 埃里希·克莱伯在指挥时，给人的感觉是轻松、适度而毫不做作。从指挥风格上看，他是一位严谨、典雅、精致和细腻的指挥家，在对待作品的处理上，他既能够保持适当的理智，又能够赋予作品强烈的歌唱性。这些作为优秀指挥家的良好素质，很大程度上都来自于他那艰深而渊博的艺术修养和特殊的天赋，这种修养和天赋尤其对他出色地指挥歌剧作品，起到了极其有效果的作用。

这张专辑收录由Ingrid Haebler、Ludwig Hoffmann、Jorg Demus、Paul Badura-Skoda演奏的莫扎特钢琴二重奏录音，肯定是这些欢快而富有感染力的钢琴作品最令人愉快的录音之一。这些作品充满了可爱的曲调、华丽的构思和发人深省的主题。这是一些罕见的作品，即使是不“喜欢”古典音乐的人也会乐意欣赏，但其复杂程度是如此之高，即使是高深的音乐家也能完全被迷住。专辑的录音干净明亮，没有一丝生硬，其音效让听者觉得自己就像坐在钢琴旁边。 钢琴的二重奏的表演形式可以分成两类：较早出现的一种形式是钢琴四手联弹，这种形式是指两位演奏者在同一架钢琴上演奏；另一种其后出现的是双钢琴的演奏形式，便是指两位演奏者分别弹奏一架钢琴来完成一首作品。四手联弹的出现刚开始是为了适应教学的需要，在教学过程中，学生遇到难点就单手或双手弹奏比较容易的段落，然后由教师弹奏比较复杂的段落。1756年，莫扎特写过一封信：“在伦敦，沃尔夫冈为四手联弹写了一首奏鸣曲，我敢保证，在此之前，没有人这样做过。”在《牛津简明音乐词典》中也说到“钢琴二重奏的辉煌始于莫扎特”。由此可以证明，钢琴二重奏的出现是由莫扎特开始的。 《D大调双钢琴奏鸣曲》K448，作于1781年的维也纳。据称莫扎特在教授约瑟华钢琴期间，两人产生过一段隐蔽的爱情。这部作品正是莫扎特为了与约瑟华一同演奏而精心准备的。在当天音乐会后，莫扎特对其父亲说：“我们十分成功地一起演奏了这部新的奏鸣曲。”再看莫扎特创作这部作品的几年时间里，莫扎特经历了丧母的悲伤、与一直欺辱他的大主教决裂等一系列打击，使他痛苦不已。但在这部作品中，却听不到一丝忧伤的情感，而是热情洋溢而又优美的旋律。 莫扎特总体的音乐风格也是田园的、世俗的、孩子气的、幽默的、迂回的、乐观的、诙谐的。同样这部作品也是贯穿以这样的风格特点。 这部作品是莫扎特唯一的一部双钢琴作品。既然是双钢琴，所以两架钢琴的配合就变得尤为重要了。在这部作品中，两架钢琴的关系并不是单纯的伴奏与被伴奏的关系，而是两者相互对答，相互竟奏的关系，很像歌剧中二重唱的感觉。 因此，两架钢琴在演奏时必须注意演奏风格、音量、音色、力度、速度得统一。