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这张专辑是明希指挥波士顿交响乐团，演奏几位法国作曲家的著名管弦乐作品。 保罗·杜卡斯交响诗《魔法师的弟子》作于1897年。音乐灵感来自歌德的童话诗篇，讲的是魔法师的弟子趁师傅外出时，偷偷的摆弄起师傅的魔法扫帚来，结果却搞的水漫金山，十分狼狈。这首乐曲生动有趣，富有戏剧效果。它以管弦乐诙谐曲的形式，在古典音乐严谨的架构下，引入风趣幽默的元素，天真可爱、充满魔力。 圣-桑交响诗《奥姆法尔的纺车》取材于希腊神话。奥姆法尔是捛狄亚的女王，她对落难而来的希腊英雄海格立斯有一种说不清道不明的心态，于是要这位英雄像农妇一样纺纱。纺车的旋转成为这首曲子的一个很具表现力也很有趣的节奏型。海格立斯的叹息夹在其中，又遭奥姆法尔及其侍女的嘲弄打断。而这位希腊英雄的以柔克刚的努力，在一个似乎是不了了之的渐弱的结尾，给我们留下了他最终是否摆脱了屈辱的悬念。 拉威尔《鹅妈妈》原为钢琴四手联弹曲，作于1908年，为亲友格迪夫斯基的两个孩子而作。1912年受贾克.鲁斯委托而改编成管弦乐。 弗朗克《可憎的猎人》，是根据G·布尔格作品为管弦乐队而作的交响诗。

这张专辑是钢琴家基辛演奏肖邦的24首《前奏曲》、《第二钢琴奏鸣曲》、《波兰舞曲“英雄”》。这是1999年7月30日-8月1日在德国弗莱堡的电视台录音室录制的，在24首《前奏曲》中，原本音乐中的迷人魅力，相当大程度上被基辛这位天才钢琴家重新创作，整体的流动性也受到关注。《第二钢琴奏鸣曲》的演绎气势宏大，《波兰舞曲“英雄”》则充满动态与活力，都是基辛最具魅力的诠释。 《前奏曲》作品28，作于1836至1839年间。共24首，按十二平均律的律制方法，从C大调开始到b小调，以不同的24个调写成的，其排列方法为五度循环，即第一首为C大调，第二首为它的关系小调a小调，第三首为C大调的上方五度的G大调，第四首为其关系小调e小调……依此类推，最后有24首乐曲。有人认为由于这24首前奏曲关系紧密，应看作是一部音乐作品，做连续演奏。这24首前奏曲一般以一个短小的乐思为中心而构成，但是乐思并不是只做单纯的反复，也不做技巧的展开，而是按肖邦的感情做惊人的发展，其中有些曲子有着超凡的演奏技巧，绝不是容易演奏的作品。 《降b小调第二钢琴奏鸣曲》作品35，作于1837年。肖邦在马尧卡岛疗养失败，住在乔治·桑的故乡。舒曼称之为“神秘莫测的，好像脸带嘲弄的笑容的狮身人面像”。这自然不是像海顿或莫扎特奏鸣曲那样“从前好世道”的音乐，这是肖邦独具一格、真正革新的作品，也是肖邦较为大型的创作里最为强而有力的一部作品。 《降A大调波兰舞曲“英雄”》作品53，这首作品的标题为《英雄》，被认为是肖邦作品中的顶峰。库勒千斯基认为，此曲是肖邦从乔治·桑的塔中逃走，听到了穿戴甲胄的祖先的脚步声，看到向着他昂首阔步走来的祖先的雄姿。

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这套16CD合辑是加拿大钢琴家安吉拉·休伊特2010年在Hyperion发行的巴赫全套键盘作品（其中的平均律是2008年录制的新版本）。安吉拉被称为“能决定巴赫钢琴演奏未来风格的”钢琴家，《立体声爱好者》杂志曾经说，她是定义巴赫的钢琴家。从1985年获得多伦多巴赫国际钢琴比赛以来，安吉拉就一直在演奏巴赫的键盘作品，2006年，她获得了“留声机年度艺术家”大奖。

这套合辑是钢琴家古尔德1967年-1974年录制的，收录了莫扎特的全部钢琴奏鸣曲及幻想曲。古尔德演绎的莫扎特有着巴洛克复调音乐一般经络分明的感觉。他的演奏具有独特的清晰感，左手的伴奏声部交待得异常清楚，并赋予独立的旋律性。右手的旋律线拉得非常长，虽然每个音都是用“半连奏”方式模仿古钢琴的音色，但整个乐句连绵不绝，没有一点断开的感觉。在整个西方音乐史中，也许只有莫扎特和古尔德一样，是在大圆外画着自己的圆，他们有一点是相通的，那就是在他们的音乐中都找不到一点对世俗的表达。但他们还有——点近乎完全相反的东西:莫扎特就像是一层永远剥不开的球，它虽能使你觉得里面晶莹剔透，却总与你有—段永远不变的距离，而你似乎也有一些不情愿把它的壳给剥开。而古尔德则能在瞬间使你完全沉浸于他的世界中。

这张专辑是指挥大师莱纳率领芝加哥交响乐团演绎法雅的作品。 如果说欧洲各国光彩夺目的西班牙作品让人感到炫目着迷，那么很多西班牙本国的音乐家肯定会觉得自己的文化遭到曲解。二十世纪之初的西班牙是一个多么落魄的国家：曾经称霸全球的殖民帝国，其海军舰队居然被年轻的美国在两天之内粉碎性摧毁；动荡的政局和贫穷落后的乡间，导致很多希望出人头地的艺术家和音乐家找不到自己的平台。法雅在成名之前不得不靠创作Zarzuela轻歌剧维持生计，其作品首演的时候管弦乐团居然只有一把小提琴，连单簧管都找不到，低音大提琴还是从隔壁酒馆里借回来的。要不是在法国巴黎结识了德彪西的话，他“永远都会湮灭在马德里酒吧里平庸的轻歌剧和钢琴私人家教课里，写出来的一堆Zarzuela轻歌剧只能塞在尘封的抽屉里”。不过，这位早年潦倒的作曲家后来取得的艺术成就远高于那些贩卖西班牙特色的音乐家。跟同时代的毕加索一样，法雅的艺术体现了当时西班牙这个国家的强烈矛盾：既处于欧洲最西端，却继承了厚重的东方文化；既是曾经最强盛发达的帝国，却沦为封闭荒蛮的偏远角落；既有虔诚内向的灵魂，内心深处却充满野性的澎湃。法雅文静内敛，是一个虔诚的天主教徒，但内心总要表达一种像斗牛士般野性的呐喊。 无论是《三角帽》还是《爱情魔发师》，法雅都避免过分滥情的浪漫主义风格，而是用一种类似于德彪西管弦乐素描的“轻描淡写”。他跟毕加索一起把西班牙的文化艺术推入欧洲现代主义的洪流，他的作品没有对过去的怀恋，也没有对未来的憧憬，而是客观地反映现在，用最原始粗狂的元素传达自己的声音。 莱纳的《西班牙》专辑是从西班牙本国作曲家的视觉审视西班牙自身。莱纳棒下的法雅作品黑沉、神秘、诡异，充满原始荒诞的色彩；担纲独唱的黑人女高音普莱斯不再是拥有金钻般声线的崇高戏剧女高音，而是略带嘶哑的神秘女人。此作品本来由钢琴独奏演绎，难度很大，但管弦乐版本比较难得稀有。如果说阿根塔的《西班牙》是一幅靓丽的风情画，那么莱纳的《西班牙》则是一幅具有张力的写实素描。

这张专辑收录了爱丽希亚·德·拉罗查的演奏录音，包括巴赫、斯卡拉第、亨德尔、海顿、莫扎特的钢琴独奏作品。 在这一套回顾拉罗查独奏踪迹的选辑中，我们收录了莫扎特四首优秀的奏鸣曲：K310、330、331和485。此时正值莫扎特在巴黎尝试脱离“神重”身份，建立自已成为一个有未来、有发展性而且独立的音乐家的时候，他深爱着的母亲却突然重病过世。换句话说，这些曲子的共通点在于它们完成于莫扎特生命中的一个极重要的转折点之际。 以K.330来说，第一、三乐章乍看之下似乎充溢着满足之情，而行板的第二乐章却让我们看见莫扎特心中晦暗的一面，而它是令人心痛的。或以K.31O为例，拉罗查呈现的伤感是存于记忆中的，呈现咖啡色调的感伤。而非一个当下发生的创痛经验。更具体的来说，拉罗查的诠释所择的是一种含蓄、内敛的陈述，而非贝多芬式外放、直接、咄咄逼人。至于《D大调回旋曲》K.485，我们看到最“洛可可”的莫扎特，其中洋溢着一种福克纳式的优雅。每一个分解和弦都是如此清断却不逾矩地，伴随风情万种的主旋律，亦步亦趋、恰如其份。 在海顿的行板与变奏中，拉罗查对触键和速度的敏锐再次得到证明。本曲初始动机的附点音符在拉罗查绝妙的弹性速度运用下，即使在开头的几小节中便己具备了令人慑服的必然性，拉罗查超卓的指上功力却在大调的段落大放异彩！