塔曼伊《巴赫·无伴奏小提琴组曲》
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塔曼伊《巴赫·无伴奏小提琴组曲》

这张专辑是小提琴家埃米尔·塔曼伊演奏巴赫《无伴奏小提琴组曲》。塔曼伊的运弓显然有着和海菲兹一样的流利,而且改良过的“巴赫弓”使得它可以自如地掌控弓压,发出洪亮而明确的声音;同时采用较快的速率,这也是海菲兹的一贯风格,清晰而流利;在整体的结构性上,塔曼伊这个录音也具有谢霖第一次全集录音的优点:谢霖的特色是通过明确的强弱和速率对比来获得清晰的效果,而听感上大体属于较为轻柔,不过谢霖在一些段落显得有些平淡,比如《第二帕蒂塔》中《夏空》着一段,而且他的技巧状态也不如塔曼伊和海菲兹稳定(在他的第二次全集录音里更加明显了),而塔曼伊则可以从容地完成以上的对比调控。 巴赫《无伴奏小提琴奏鸣曲与组曲》一共6首,BWVl001—1006,大约于1720年作于德国的克滕。这6首奏鸣曲与组曲,巴赫设计了小提琴表达所能演奏的一切和弦,使用了几乎不可能演奏的对位技巧。它们构成了巴赫小提琴音乐的颠峰。在巴赫之后,小提琴无伴奏奏鸣曲很少有人再创作,是因为再也无法逾越这座颠峰。
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勃拉姆斯《弦乐四重奏、钢琴五重奏》
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这张专辑是新布达佩斯弦乐四重奏演奏勃拉姆斯的三部《弦乐四重奏》,与钢琴家皮尔斯·拉恩合作,演奏《钢琴五重奏》。新布达佩斯四重奏演奏时完全遵循勃拉姆斯的强弱标记,将勃拉姆斯作品复杂的脉络梳理得清清楚楚。专辑的音质上乘,《企鹅唱片指南》评价三星。 新布达佩斯弦乐四重奏是一支匈牙利出身、90年代活跃的四重奏组,音色有鲜明的东欧弦乐质感。音色醇厚、不刻意打磨得光滑精致,节奏富有弹性,分句扎实,偏向德奥传统、内敛深沉,拒绝过度煽情;重奏的平衡感很好,声部层次清晰,复调线条能清晰浮现,非常适合勃拉姆斯这种织体浓密的写作。三首四重奏,Op.51的两首压迫感、悲剧感做得很到位,不浮夸;Op.67的田园感舒展自然,温暖而不甜腻。钢琴五重奏里的皮尔斯·拉恩是澳大利亚钢琴家,他在这里的演奏克制、通透,不会抢弦乐风头,和四重奏融合度很高,钢琴音色厚重而不炸,和弦乐之间对话感很强,是这套录音广受好评的亮点。 勃拉姆斯创作的三部弦乐四重奏可称为殚精竭虑的精品,浪漫的情怀、忧郁的思绪化作了精准和极致,在剔除华丽装饰和空洞辞藻后留下了震撼人心的内在感染力。
勃拉姆斯·双重协奏曲、舒曼·大提琴协奏曲
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这张专辑收录了两部作品:1、大提琴家玛丽亚·柯丽洁与康斯坦丁指挥的爱尔兰国家交响乐团合作,演奏舒曼《大提琴协奏曲》;2、大提琴家玛丽亚·柯丽洁、小提琴家伊利亚·卡勒与康斯坦丁指挥的爱尔兰国家交响乐团合作,演奏勃拉姆斯《双重协奏曲》。 大提琴家玛丽亚·柯丽洁,先后师从斯塔克、罗斯特洛波维奇两位大提琴巨擘,却没有盲从盲信,时刻提醒自己不要与平庸为伍,这是她多年来恪守的信条。斯塔克教会了玛丽亚艺术的规范,而罗斯特洛波维奇则教会她如何打破规范,形成自己的理解和风格。她曾经扬言:“大部分当代大提琴家的演奏中没有灵魂,观众除了厌倦什么也得不到,连让人生气都不可能。如果一首乐曲的灵魂模糊不清我就拒绝演奏,不管它要表达什么高深的概念或者哲学。”玛丽亚·柯丽洁常有惊世骇俗之言,她曾经说过:“在这个被电脑和机器统治的时代,只有爱乐者才能拯救世界。”
尤斯图斯·艾希霍恩《源头》
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这张专辑是德国少年钢琴家尤斯图斯·艾希霍恩的出道专辑。尤斯图斯·艾希霍恩2009年生于魏玛,录制这张专辑时年仅16岁;整张专辑的主题就是致敬故乡魏玛丰厚的音乐历史,专辑名“The Source(源头)”正是指向这片土地作为音乐源泉的意义。 魏玛是德国图林根州的名城,和巴赫、李斯特、门德尔松、理查·施特劳斯、欣德米特等大师渊源极深:巴赫曾在此担任宫廷管风琴师,李斯特长期任魏玛宫廷乐长,理查·施特劳斯早年在魏玛宫廷剧院执棒,欣德米特也曾在此活动。曲目编排沿着这条历史线索展开,把古典传统、浪漫派名作、现代作品,和他自己的原创、改编作品穿插在一起,既是致敬先辈,也是表达他自己的音乐语言,做到传统与新生融合。 在此专辑中,尤斯图斯·艾希霍恩不只是演奏者,同时担任改编者、原创作曲家,专辑里包含三首他本人原创作品的世界首录:Silent Fields(寂静旷野,出现两个版本:三角钢琴 + 立式钢琴);Intermission(间奏);Aurelian(奥雷利安)。尤斯图斯·艾希霍恩亲自改编了多首乐曲,包括维瓦尔第长笛协奏曲慢板乐章、车尔尼740练习曲,带来非常新颖的钢琴版本;其中部分曲目特意使用立式钢琴(upright piano)录制,音色温暖质朴,和三角钢琴的辉煌质感形成对比。专辑演奏曲目覆盖跨度极大:从巴洛克(巴赫、维瓦尔第)、古典(车尔尼)、浪漫(门德尔松、舒伯特、李斯特、理查·施特劳斯),再到20世纪现代音乐(欣德米特),完整展现他宽广的曲目驾驭能力。 尤斯图斯·艾希霍恩三岁就会即兴弹奏钢琴,6岁正式学琴,10岁登台首演,拿过贝希斯坦大赛一等奖;现在在魏玛李斯特音乐学院跟随Grigory Gruzman学习,同时在魏玛的贝尔维德雷城堡音乐中学就读,还在学习指挥。他在网络上拥有大量粉丝,演出足迹遍布汉堡、苏黎世、深圳、首尔等城市,是近年古典乐坛备受瞩目的少年新星。 这张专辑不是一张炫技合集,而是一套有叙事感的节目。从巴赫的严谨,李斯特浓烈的浪漫,欣德米特冷峻的现代笔触,过渡到他自己安静内敛的原创作品;同一首《Silent Fields》用两种钢琴录制,刻意制造音色反差,体现他很成熟的艺术构思。作为首秀,它想表达的是:魏玛这个源头,既滋养了过去的大师,也正在生长属于新一代的声音。
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杜普蕾、切利比达奇《德沃夏克·协奏曲》
杜普蕾、切利比达奇《德沃夏克·协奏曲》
这张专辑是大提琴家杜普蕾与指挥大师切利比达奇率领的瑞典广播交响乐团合作,演奏德沃夏克《b小调大提琴协奏曲》,1967年在斯德哥尔摩的现场录音。这个现场录音的气氛与效果非常出色,开头乐章独奏大提琴大幅度的跨进,气度不同凡响,让人难以相信居然是出自一柔弱女子之手。乐曲的展开部,在乐队稳健的陪衬下,大提琴如歌的旋律动人无比;第二主题中独奏大提琴朗朗的乐声简直是美不胜言。值得说明的是,第一乐章的结尾部分,切利比达奇指挥的瑞典广播交响乐团的表现令人刮目相看,弦乐部分和打击乐部分所制造出来的效果雄壮有余,让人觉得是一个高水平乐队所具有的能力。第二乐章乐队与独奏大提琴的对话效果的部分更是清澈动人,乐队的管乐部分也是飘逸优美。最后乐章,力量与流畅如歌浑然一体之中独奏大提琴的旋律喷涌而出的效果简直就是一种雄辩,令人感动不已。 杜普蕾的这版录音绝对有自己独特的风韵。她将完美的技巧、对作品深入细腻的挖掘,以及为大提琴艺术所付出的全部的爱,都融入录音之中。这张现场录音唱片可能考虑到乐队在奏强音时会“淹没”独奏大提琴,因此整张唱片的录音,独奏大提琴靠话筒较近,音量也较大。这样虽然会使音乐作品的整体声音协调性方面产生失衡,但独奏大提琴毕竟是主角,能始终听清楚杜普蕾的琴声,现在看来更是不可多得的艺术文献。现场录音能达到如此水准,制成立体声CD,已属不易,哪怕录音中不可避免地夹带了少许咳嗽声也无伤大雅。 德沃夏克《b小调大提琴协奏曲》作品104,作于1894-1895年,是德沃夏克的代表作之一,而且也是少数几部广受世人喜爱的大提琴协奏曲杰作之一。此曲内容的深度、鲜明的形象以及交响发展的规模等方面,更接近于他的最后两部交响曲,可以说是德沃夏克停留美国期间的最后巨构,曲中旋律优美,更由于写作于美国,把美国的地方色彩和波希米亚民谣曲调巧妙地融合起来,产生独特的魅力。表达了作者对祖国和人民命运的思念,还有作者对初恋女友的哀悼,这些复杂的感情交织在一起,可以给人巨大的感动。
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3期
阿卡多《帕格尼尼的小提琴》
阿卡多《帕格尼尼的小提琴》
这张专辑是著名小提琴家阿卡多与钢琴家曼兹尼合作,用帕格尼尼的瓜奈里1742年所制名琴“加农炮”演奏帕格尼尼18首传世之作,名曲、名琴等共冶一炉,值得聆听欣赏。这把瓜奈里名琴本身的音色变化十分丰富,只要运弓的力道有一些极细微的变化,它便可生出各种不同的表情,就录音而言,为了配合“加农炮”的神力,当然在录音上是连一个最细小的呼吸都不放过。专辑被台湾的《音响唱片试听指南》评为”可以珍藏一世”的演录俱佳唱片。 十八世纪,在意大利有几位制作提琴的大师,如斯特拉底瓦里、瓜奈里、阿玛蒂等,他们掌握了这一乐器的神秘制作技术,使得他们制作的乐器无论在音色或音量上都达到了空前绝伦的水平,他们为数不多的作品流传至今,大多成为博物馆中价值连城的镇馆之宝。帕格尼尼是意大利人,自然有“近水楼台先得月”的好条件,他有不少提琴制作大师的作品,其中,有一把外号叫“加农炮”的小提琴,那就是瓜奈里在1742年所制,你在这张唱片封套上见到的就是这把名为“加农炮”的小提琴,这件神奇的乐器之所以被称为“加农炮”, 是因为它具有其他小提琴所无法与之相比的宏大的音量和极其优美的音色,不仅如此,这把提琴还能承受帕格尼尼那异乎寻常演奏方式,如果说“帕格尼尼演奏小提琴时简直就是对小提琴的摧残”这话有点过分的话,那至少应当相信,在演奏帕格尼尼的某些乐曲时,许多演奏家不得不在演奏完甚至在演奏的中途对提琴进行调弦。
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18期
20世纪伟大钢琴家《叶甫格尼·基辛》
20世纪伟大钢琴家《叶甫格尼·基辛》
这张专辑收录了叶甫格尼·基辛的演奏录音,包括李斯特、普罗科菲耶夫的钢琴作品。 在李斯特的《匈牙利狂想曲》或是《西班牙狂想曲》中,基辛展现出骇人的演奏技巧。他会从整体来考虑一首作品。以《西班牙狂想曲》为例,他利用节奏赋予作品该有的张力以及灿烂明亮的气氛,并顾及乐曲该有的深度与自发性。《匈牙利狂想曲》也是一样。这是一首规模有如交响乐的作品,融合了抒情与感官刺激的成份,而基辛同样出自本能的传达出乐曲这两种截然不同的气质。 李斯特改编自舒伯特艺术歌曲的钢琴曲,如:《鳟鱼》、《水上吟》与《纺车旁的葛丽卿》经常出现在基辛1990年代初期的音乐会曲目上。在这些作品中,基辛偏向李斯特以钢琴重新塑造舒伯特艺术歌曲的方式来诠释,因此听者不会有任何“失去歌声”感觉。基辛的分句清晰到如同在说话,如歌的旋律线条有如想象中的歌手般会呼吸、吟唱。基辛成功的掌握住这些作品的精髓,如:《鳟鱼》中灵敏活跃的鳟鱼,或是《纺车旁的葛丽卿》中孤独忧愁的葛丽卿。 由于基辛的演奏技巧足以应付任何的高难度的要求,普罗科菲耶夫钢琴协奏曲是他经常在音乐会中演出的曲目(特别是二、三号),而他也能在激昂的乐团声中,表现出所谓的“革命”精神。基辛经常从“焦躁不安的兴奋”这个角度来诠释普罗科菲耶夫《第二钢琴协奏曲》。乐曲中充斥着狂野、粗暴的节奏与和弦,和以前习惯上的钢琴协奏曲完全不同。这种特色也经常在《第三钢琴协奏曲》中出现。阿巴多与柏林爱乐乐团是基辛非常理想的搭档,在他们于1993年录制的《第三钢琴协奏曲》中,基辛以冷静的态度来掌握整部作品。他的发音清晰而且有逻辑,有说服力的分句语法让音乐避免流于模糊不明。
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24期
20世纪伟大钢琴家《肯普夫(3)》
20世纪伟大钢琴家《肯普夫(3)》
这张专辑收录了威尔海姆·肯普夫的演奏录音,包括舒伯特、贝多芬、莫扎特、勃拉姆斯、舒曼、福雷的钢琴作品。 莫扎特1776年完成的《第八钢琴协奏曲》K246。就像布伦德尔在评论《A大调第二十三钢琴协奏曲》所说的,1990年代已经听不到这样的莫扎特了;整部曲子听来就是那么简单、顺畅,完全不在谱面上添加任何东西,而可能是莫扎特拿来做为教材的《第八钢琴协奏曲》K.246,更不是一部要让人产生窥探他往后协奏曲创作风格用意的作品。肯普夫完美地以无忧、精力充沛的方式来诠释这部作品。与听众分享他所喜爱莫扎特作品中高贵、优雅与幽默。《第八钢琴协奏曲》与《第二十三钢琴协奏曲》同样与指挥莱特纳合作。 莫扎特改编自葛路克歌剧的主题与变奏录音有另一个故事。首先,1783的莫扎特已经进入创作成熟期阶段,他喜欢站在听众面前,喜欢为他们即兴演出。据说这首曲子是莫扎特是在音乐会上即兴演奏后立刻写下的作品。当时年近七十的葛路克是是歌剧界大佬,他在1783年参加莫扎特在维也纳的两场音乐会,莫札特于其中一场音乐会中即兴以这首作品做为这位贵客的颂歌。这是一首可爱且旋律匀称的作品,但是莫扎特让它的内容更丰富而且更适于以钢琴来演奏,音乐也传达出莫扎特当时的快乐。故事到此为止。肯普夫的确抓住莫扎特作品中兴奋与在群众面前演出的歌声,这是他在1956年的现场录音。对肯普夫来说,这首快乐的小曲与第八或第二十三钢琴协奏曲完全不同,或许肯普夫的表现稍微鲁莽了些,但是那种精力充沛而又带点冒险性的感觉却是在录音中听不到。 无论是在录音室或音乐厅里,贝多芬当然是肯普夫生命:他第一次录音的曲目就是贝多芬的钢琴小曲(现在似乎已经没有任何唱片存在),他在不同的时间陆续录制贝多芬钢琴奏鸣曲(两次)与五首钢琴协奏曲(也是两次),和傅尼叶、梅纽因也留下珍贵的室内乐录音。这里选出的两首钢琴奏鸣曲:第二号、第十一号表现出肯普夫最好的一面。肯普夫的演奏爽朗明快而且抒情,每个音符都恰如其份,有人赞美他不在音乐里加入过多个人情感或物质上的负荷,他从生活与个性上得到灵感,让经常被忽略的《第十一钢琴奏鸣曲》出现优美自然的音乐语言。
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31期