柯曾《勃拉姆斯、舒伯特·钢琴奏鸣曲》

柯曾《勃拉姆斯、舒伯特·钢琴奏鸣曲》

这张专辑是钢琴大师柯曾演奏勃拉姆斯《第三钢琴奏鸣曲》、《第一、第三间奏曲》;舒伯特《降B大调钢琴奏鸣曲》。克利福德·麦克尔·柯曾爵士(Sir Clifford Michael Curzon,1907年5月18日-1982年9月1日),是英国著名的钢琴家。柯曾爵士是一位非常特别的钢琴家,他有非常出色的技巧且演奏风格高贵,所以能把自己对音乐的创见以细腻的方式去表现在音乐中。他的演奏录音不多,但可明显地感受到他对音乐的理解、精神的深度。 柯曾演奏的舒伯特《降B大调奏鸣曲》,到目前为止,或许仍是最出色的版本,选取的速度、表达的织体,都处处显现出他的品味以及对舒伯特乐曲整体结构的理解,正是这种灵气,令其演奏像魔力般地吸引着听众,而绝佳的录音亦显出这真挚演绎的独到之处。柯曾演奏的勃拉姆斯《f小调奏鸣曲》,也一定能挤身于最佳之列,自然、清新,又同时表现出深刻的人性及紧凑的张力,是柯曾的颠峰之作,表达了他对音乐的炽热和真诚,专辑中的两首勃拉姆斯《间奏曲》,柯曾的演奏同样非常漂亮潇洒。 勃拉姆斯《f小调第三钢琴奏鸣曲》作品5,完成于1853年底。勃拉姆斯在创作时尝试性地在第三乐章及终乐章间加上了第四乐章。此曲五个乐章的结构形式,调性较之前的作品都更加复杂,并且远关系调用的多。由于受到贝多芬古典主义的影响,勃拉姆斯试图从贝多芬后期奏鸣曲出发,创造出属于自己风格的作品,但他的音乐没有按照贝多芬后期的浪漫趋势发展,而只单纯继承了贝多芬乐章中的非钢琴性质,致使作品内容庞大、有着类似交响乐的声响效果,正如舒曼所形容的那样,仿佛是“带着面纱的交响乐”。这首奏鸣曲是勃拉姆斯钢琴独奏作品中规模最大、气势最为宏伟的一首。 舒伯特《降B大调钢琴奏鸣曲》D.960,完成于1828年。这首奏鸣曲属于舒伯特才华横溢的力作之一,被赞誉为“贝多芬以来最完美的钢琴奏鸣曲”,内涵也是居舒伯特所有钢琴奏鸣曲之冠。
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德卢西亚、梅奥拉、麦克劳克林《吉他三重奏
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这张专辑是世界三大吉他天皇(帕科·德卢西亚、阿尔·迪·梅奥拉、约翰·麦克劳克林)合作的演奏录音,是他们的第三次合作,无论是合奏或独奏,无论从音乐内容还是音响效果来说,都是无与伦比的天籁之音。专辑录音中巨星相撞、火花四溅、激情丛生,浓浓的音乐味和发烧的音效令人经历了难得的心灵震荡。聆听音乐时不禁想起白居易《琵琶行》中的诗句:嘈嘈切切错杂弹,大珠小珠落玉盘。Real World工作室的录音,尼龙吉他的琴体共鸣、手指触弦细节、泛音都捕捉非常清晰,被很多音响发烧友作为原声吉他试音碟。 与1980年代两张相比,1996年的这张专辑褪去年轻时狂飙炫技,演奏更内敛成熟,音色温暖通透,录音品质极高,是HiFi 发烧友知名试音碟。整张专辑没有任何外部伴奏,全部依靠三把尼龙弦吉他的交织对话,有三重奏,也有两两二重奏曲目。三位大师各自特质,帕科·德卢西亚的弗拉门戈律动、轮指、西班牙乡土色彩;阿尔·迪·梅奥拉有华丽旋律、精致和声、拉丁、地中海色彩;约翰·麦克劳克林那印度音乐、爵士和声、深邃的即兴思维。 佛拉门戈吉他大师帕科·德卢西亚用一把Hermanos Conde吉他,弹奏出来的音色丰满,低音非常有力;阿尔·迪·梅奥拉用一把Ovantion吉他奏出清脆响亮的高音,在合奏中往往使用电子合成器和手拍打吉他来掌控节奏,约翰·麦克劳克林参与了包括《Bitches Brew》在内共五张迈尔斯·戴维斯唱片的演出,为乐队加入了英国摇滚乐的风格。三星相聚交织出的音乐火花我们乐迷又岂容错过? 这张专辑的录音效果令人雀跃。在充分感受出色音效的同时,敞开心扉,能更多的感受音乐的韵味和乐手合作的默契与激情。这确实是一张音乐爱好者不容错过的经典唱片。
泰玛·休斯顿《我心中的音乐》
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这张专辑是黑人蓝调歌后泰玛·休斯顿与十八人大阵容的“压力锅乐团”演出的录音,是喇叭花最成功的唱片之一。专辑发行后立即销售一空,长期供不应求。专辑融合灵魂乐Soul、Funk爵士放克、雷鬼Reggae、R&B,人声曲目与器乐曲目交替编排,既有充满力量的主唱,也有铜管大乐队精彩的器乐段落,热烈奔放、现场感极强。 这是非常具有个性的一张女声流行录音,女声强而有力、音域宽广,对系统都是严酷考验。 专辑中的演唱充满人性光辉,人声空间感辽阔、热情奔放。而精准的钢琴触键,以及冲击力强烈的低音旋律线,都形成绝佳的对比。泰玛·休斯顿充满真情的歌声,在乐团与合唱的陪衬下,散发出纤细感性的动态,真是令人难以忘怀。 整张专辑采用喇叭花标志性的Direct-to-Disc直接刻片技术,乐队与人声全部现场同期录音,录音信号直接刻到母盘,没有多轨录音、没有后期剪辑、没有叠加重录,一次完整录完一面,一旦出错整面作废,对乐手、歌手要求极高,是1970年代发烧录音的巅峰代表。录音在两天内完成,压力锅乐团并不是固定乐团,是临时集结的18位好莱坞顶级录音室乐手,包括Michael Omartian、Mike Melvoin等顶尖编曲键盘手,阵容豪华。歌手泰玛·休斯顿当时隶属于摩城唱片,借调过来完成这张录音,她浑厚爆发力十足的灵魂女声是专辑灵魂。 直刻录音带来极强现场感、宽阔声场,乐器定位清晰,动态范围巨大。泰玛·休斯顿的人声从低声区到高亢呐喊跨度极大,非常考验音响系统的解析力与承受功率,是很多发烧友用来测试音箱的标杆唱片。原版黑胶当年发行就迅速售罄,后来多次复刻;Sheffield的录音捕捉现场合奏的协同感,定制电子线路,获奖级工程录制。
塞尔维亚·卓斯蒂《发烧演唱辑》
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这张专辑是爵士歌手塞尔维亚·卓斯蒂的演唱录音,是欧洲爵士发烧名盘,直刻录音版本在黑胶收藏圈很受追捧。模拟信号直接刻录母盘,减少转录损耗,动态大、透明度高,人声质感、乐器空间感非常出色,这也是此专辑作为发烧碟的主要原因。录音细节非常丰富,假如你用德国器材播放,同时还会纠正“德国器材偏冷偏硬”的另一个偏见。 塞尔维亚·卓斯蒂(Silvia Droste)1960年生于德国黑尔讷,被称为德国爵士歌唱第一夫人,同时也是萨克斯演奏者。早期接触传统爵士,之后转向现代爵士,嗓音温暖饱满,咬字松弛自然,擅长演绎经典爵士标准曲,对老歌的改编富有个人色彩,在欧洲爵士乐坛拥有很高声望。 专辑中塞尔维亚·卓斯蒂以她的感性歌声唱出多首名曲。从第一首《My One and Only Love》中,乐迷已深深体会到那种发自内心的感性演绎,在昔士风完美地配合人声的质感下,营造出丰富的结像力;加上Jeton的精彩混音技术,录音的空气感强烈,制造出一张极品女声爵士天碟,多本发烧杂志及乐评人高度评价,不可错过。 女歌手塞尔维亚·卓斯蒂在LP唱片时代可谓风光八面,那时候现在当道的发烧女声们还不知在哪晃悠,塞尔维亚·卓斯蒂的《发烧演唱》LP已经是最受推崇的试音大碟,她的声线中气十足,腔调自然流畅,演唱起带复杂念歌(Scat)技巧的爵士标准曲简直迷死人。 整张专辑以人声爵士为主,编曲偏现代冷爵士,乐队编制精致,没有过度炫技,重点突出人声表现力。塞尔维亚·卓斯蒂的嗓音厚实通透,中频饱满,气息控制优秀,录音完整捕捉人声细节,气声、转音都清晰可辨。乐器与人声分离度极佳,空间感开阔,动态范围大,既能用来测试音响人声表现,也适合安静聆听爵士老歌。选曲横跨经典大乐队时代标准曲、现代爵士、电影配乐改编,兼顾抒情慢歌与轻快摇摆曲目,风格丰富。整张专辑快慢搭配均衡:慢抒情曲目占大部分,中间穿插摇摆、致敬曲目,结尾用现代作品收束。直刻录音优势在慢歌中尤其突出,人声中频饱满,气口、唇齿细节真实,乐器与人声分离度优秀,没有过度修饰美化,是非常“真实”的爵士人声录音。
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尼古拉耶娃《贝多芬、舒伯特·钢琴奏鸣曲》
尼古拉耶娃《贝多芬、舒伯特·钢琴奏鸣曲》
这张专辑是俄罗斯女钢琴家尼古拉耶娃演奏贝多芬、舒伯特的钢琴奏鸣曲。尼古拉耶娃的演奏情感强烈,她对热情与清晰的处理达到极好的平衡。 贝多芬《D大调第十五钢琴奏鸣曲》作品28,作于1801年。此曲一改激进的音调,使用质朴清新的风格描绘了乡间的美景,给人带来轻松愉悦的感受。作品出版时由出版商为之冠名为《田园奏鸣曲》。对于大自然,贝多芬有一种对神祗般的崇敬。宽广的田野森林、溪水反射的阳光、草地散发的清香、牧童身影以及乡村舞蹈等莫不令他着迷,成为他创作取之不尽的源泉。七年之后,贝多芬又写出了更为著名的《田园交响曲》。 舒伯特《降B大调第二十一钢琴奏鸣曲》D960,完成于1828年,是舒伯特最后一部钢琴奏鸣曲,也是他留给人世间的最后一部作品。这部奏鸣曲风格宁静、安详而豁达,以崇高的精神境界刻画出一个孤独落魄的灵魂,正以深深的沉思与无尽的感怀总结人生,抚慰世间的一切。站在古典和浪漫分水岭的舒伯特,以这部巅峰之作将古典主义的严谨形式与浪漫主义的丰富情感淋漓尽致地展现出来,并将其一生的经历、思想和经验留给后人,成就了一份辉煌的遗嘱。 舒伯特《降G大调即兴曲》D899,No.3。行板,三部曲式。这应该说是一首非常美妙的歌曲,近似女高音音色所表现的悠然自得的旋律,在巧妙的和声伴奏中唱出。中段不是对比部分,旋律仍优美地奏出。第一部分再现后,乐曲缓缓地结束。
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富尼埃《勃拉姆斯、巴赫·大提琴奏鸣曲》
富尼埃《勃拉姆斯、巴赫·大提琴奏鸣曲》
这张专辑收录了大提琴家皮埃尔·富尼埃演奏的三部作品的历史录音:1、与钢琴家巴克豪斯合作,演奏勃拉姆斯《第一、二大提琴奏鸣曲》,1955年5月1-3日在日内瓦维多利亚音乐厅的录音,这是巴克豪斯所留下的极少数的珍贵室内乐录音之一;2、与钢琴家Ernest Lush合作,演奏巴赫《G大调奏鸣曲》。 音乐大师贝多芬的五首大提琴奏鸣曲堪称音乐史上的里程碑。受其影响和启发,勃拉姆斯也创作了两首《大提琴奏鸣曲》,但是创作年代却相隔了二十多年。第一首奏鸣曲多有室内乐风格,以较低的音区表现沉郁凄苦之情;第二首则具有戏剧性和交响乐写作手法,有较多的高音区明亮音色,具备明朗热情的性格。两首作品均美不胜收,以直入人心的旋律和细腻的感情表达成为具有深远影响的室内乐精品。 《e小调第一大提琴奏鸣曲》作品38,完成于1865年,其时勃拉姆斯正经历丧母之痛。太多的哀恸与忧郁,难言的心思愁绪,以及回忆中的欢笑与相聚等等,均以一把大提琴和一架钢琴之间绵绵不尽的对话展开,成就了这首三个乐章均为小调的、气息宽广朴实动人的佳作。 《F大调第二大提琴奏鸣曲》作品99,与《第二小提琴奏鸣曲》同时完成于1886年,瑞士托恩湖畔。此时五十岁开外的勃拉姆斯已经完成了四首交响曲,具备更完善的创作技巧和更成熟的思想境界,正处于创作顶峰期。这首奏鸣曲篇幅长大、结构复杂、乐句宽广,乐思充满欢乐与伤感等多重意味,成为勃拉姆斯的力作之一。 巴赫为甘巴琴所作的《G大调奏鸣曲》BWV1027,是巴赫在克滕时期(1717-1723)在克滕宫廷为甘巴演奏家阿贝尔创作的三首奏鸣曲的第一首。此曲极具巴洛克时期典型的音乐风格,音乐上非常质朴却富有哲理。巴赫运用了大量复调创作手法,使两件乐器在旋律上交相呼应,处于平等的位置,展现了各声部的不同情感表达。
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勃拉姆斯、弗朗克、德彪西《大提琴奏鸣曲》
勃拉姆斯、弗朗克、德彪西《大提琴奏鸣曲》
这张专辑是大提琴家维克多·朱里安-拉斐里耶与钢琴家亚当·拉罗姆合作,演奏勃拉姆斯、法朗克、德彪西的《大提琴奏鸣曲》。 勃拉姆斯《e小调第一大提琴奏鸣曲》作品38,完成于1865年,其时勃拉姆斯正经历丧母之痛。太多的哀恸与忧郁,难言的心思愁绪,以及回忆中的欢笑与相聚等等,均以一把大提琴和一架钢琴之间绵绵不尽的对话展开,成就了这首三个乐章均为小调的、气息宽广朴实动人的佳作。 法朗克《A大调小提琴奏鸣曲》完成于1886年,是作曲家献给小提琴名家依萨伊的结婚礼物。作品曲式结构丰富,旋律甜美阴柔;音调色彩多端,半音穿梭密集;情绪亢奋缠绵,内心喜悦冷静,带很强的内省挚诚与神秘气氛。法国巴黎歌剧院首席大提琴家尤莱斯将此曲移植到大提琴上演奏,反响良好。此曲的诸多特性,非常适合于大提琴演奏,由此,不同大提琴家编订出版的乐谱与唱片相继问世。 德彪西《d小调大提琴奏鸣曲》作于1915年,这是他与身体的病魔和精神的苦恼斗争中,完成的独特而新颖的奏鸣曲,此曲燃烧着巨人般强烈的求生意志与澎湃的热忱,表现出独特的奋斗精神。有人说这首作品受到舒曼的直接影响,但在此曲中所欲表现的灵性则是更加直接地流露,具有简洁纯净的美感,与鲜明的色彩对比。此曲使两个世纪以来,彷徨停滞的法国器乐传统以新的姿态与生命复活起来,同时它也成为二十世纪大提琴文献中具有独特风格的作品。
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巴克豪斯《莫扎特、勃拉姆斯钢琴协奏曲》
巴克豪斯《莫扎特、勃拉姆斯钢琴协奏曲》
这张专辑是钢琴家巴克豪斯与伯姆指挥的维也纳爱乐乐团合作,演奏莫扎特《第27钢琴协奏曲》、勃拉姆斯《第二钢琴协奏曲》。这是1960年、1968年萨尔茨堡音乐节的现场演奏录音。巴克豪斯与伯姆的合作可谓意气相投,是非常出色的“交响乐型”演绎。在演奏勃拉姆斯《第二钢琴协奏曲》时,巴克豪斯已经是84岁高龄,而伯姆也有73岁;两个人的合作依旧默契,虽然没有了早期录音里面的气势,但是却充满温情。在这个录音之中,巴克豪斯的演奏速度有些放慢,但是在细节的刻画上却更加精巧细腻,并且也更加强调与乐队的融合。虽然这是一个单声道的现场版本,录音效果也不太理想,但是感觉比录音室的立体声版本更加出色。巴克豪斯的演奏已经达到洗尽铅华、返璞归真的地步,不以表达自我感受为目的,而全心全意地正确展示乐谱上的一切内容。 莫扎特《降B大调第二十七钢琴协奏曲》K595,作于1791年1月5日。 勃拉姆斯《降B大调第二钢琴协奏曲》作品83,作于1881年。此曲的形式十分特殊:第一,采用协奏曲历史上罕见的四乐章形式。其次,此曲中的主奏钢琴并未占据绝对主导的地位,勃拉姆斯特意让钢琴与管弦乐“完全平等”,因此,此曲有时候也被后人称为“由钢琴主奏的交响曲”。 这部作品具有勃拉姆斯所独有的沉着与厚重,同时又有他明朗、温柔的另一面。1878年春,勃拉姆斯到意大利旅行,这一南欧古国的风土人情给他留下了极为深刻的印象,由此勃拉姆斯开始构思这部乐曲。1881年三月,勃拉姆斯再度访问意大利,这一次彻底唤起了他的灵感,于是回国后立刻伏案疾书,当年夏天便完成了这部乐曲。实际上,此曲中的意大利风格并不明显,但无疑是勃拉姆斯真实情感的流露,堪称他的代表作品之一。
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鲁宾斯坦《贝多芬、圣-桑·钢琴协奏曲》
鲁宾斯坦《贝多芬、圣-桑·钢琴协奏曲》
这张专辑收录了钢琴家鲁宾斯坦的演奏录音:1、与多拉蒂指挥的伦敦爱乐乐团合作,演奏贝多芬《第四钢琴协奏曲》,1967年12月7日在伦敦皇家节日音乐厅录制;2、与舒瓦兹指挥的BBC交响乐团合作,演奏圣-桑《第二钢琴协奏曲》,1957年11月27日在伦敦皇家节日音乐厅录制;3、独奏维拉-罗伯斯的钢琴套曲《洋娃娃家族》第一部的其中三首作品、肖邦的《练习曲》、《谐谑曲》各一首。 贝多芬《G大调第四钢琴协奏曲》作品58,作于1805年至1806年间。在这部作品中,贝多芬开创了一个全新的钢琴协奏曲形式,开篇即由钢琴独奏出第一主题,并且这是一部异常柔美的协奏曲。 圣桑《g小调第二钢琴协奏曲》作品22,完成于1868年。圣桑的整体音乐风格继承了法国传统音乐的高雅、严谨风格,同时也不缺乏适时的创新。圣桑比较注重对作品内在神韵与情感的追求,因此,我们能够在这首钢琴曲中看到较为规整的结构和优美的旋律线条。《第二钢琴协奏曲》有着十分美妙、清新与优雅的音乐风格。乐曲的音响明朗流畅,能够让欣赏者的精神缓缓放松,愉悦而轻松。圣桑在演奏技法方面也体现出清晰、统一的风格特点,旋律端庄而优美,如同少女的唱歌。《第二钢琴协奏曲》的每个细节都非常感人,可以充分体现出作曲家对作品的精益求精。协奏曲没有独特的形式,也没有慢速度的中间乐章,取而代之的是活泼生动的谐谑曲。《第二钢琴协奏曲》不仅有高难度的演奏技术,还有丰富的音乐表现力。这部协奏曲比较注重对演奏部分的烘托,使钢琴与其他乐器合作时,能够产生恢宏大气的音响效果。而且整部作品的布局也能够充分体现出圣桑对音乐形式、情感及层次感的注重。 维拉-罗伯斯《洋娃娃家族》钢琴套曲第一部,完成于1918年。此曲描绘的是洋娃娃不同的个性及气质。《洋娃娃家族》第一部“洋娃娃”是三部钢琴套曲中最出色,也是最闻名的一部,其中的第七首《小丑》是钢琴家鲁宾斯坦的保留曲和返场曲。除了这第七首外,其他每首作品都有两个标题,其中一个是做玩具的布料,另一个则是玩具的特征。
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李赫特《舒伯特·钢琴奏鸣曲》
李赫特《舒伯特·钢琴奏鸣曲》
这张专辑收录了钢琴家李赫特演奏舒伯特的三部《钢琴奏鸣曲》,1979年3月31日在伦敦皇家节日音乐厅的录音。李赫特演奏的舒伯特,琴声如同丝绸一般拂过,舒伯特独特的曲调,在李赫特指尖流露出强烈的冥想气质,没有人知道他是怎么做到的,这种演奏方法可谓前无古人后无来者。 李赫特演奏中散发出的那种“生活在另外一个世界中,那世界只有他一个人能进去”的强烈个人化色彩,带了几分神秘主义,而调子几乎是灰色的,背景是黑色的。李赫特的舒伯特是苍茫孤高意境,充满了演奏者个人的孤独感。从忠实作者原意的角度看,李赫特对舒伯特是一种悖逆反叛,但从创新发挥角度看李赫特又是对舒伯特的钢琴奏鸣曲文本的一个自我阐释,他将舒伯特钢琴作品中那种轻灵风致抽去,剩下的是一个处于茫茫大地向死而生的孤独灵魂,李赫特的演绎仿佛就是为亡灵弹奏。 《B大调钢琴奏鸣曲》D575,作于1817年。此曲不但结构完整(四个乐章)、形式完美,而且构思严谨、旋律抒情优美、调性自由、富于个性。 《f小调钢琴奏鸣曲》D625,作于1818年。原稿只有三个乐章(无慢板乐章),即“快板”、“谐谑曲”、“快板”,音乐色彩忧郁、情感动人而富于动力。这里李赫特演奏的慢板乐章取自D505。 《A大调钢琴奏鸣曲》D664,作于1819年。此曲是一首广泛流传经常演奏的奏鸣曲,也为三乐章,但乐曲清新明朗、抒情优美,旋律流畅,结构精炼,其中宁静沉思的行板乐章尤为精彩。
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卡拉扬《勃拉姆斯·第四交响曲、海顿变奏曲
卡拉扬《勃拉姆斯·第四交响曲、海顿变奏曲
这张专辑是“指挥皇帝”卡拉扬率领柏林爱乐乐团,演奏勃拉姆斯《第四交响曲》、《海顿主题变奏曲》、《悲剧序曲》。卡拉扬的指挥风格,用情激越有余,细腻不足,并没有真实地体现出《第四交响曲》的情绪本色,即阴暗而不绝望、忧郁而不悲痛、怀旧而不失落,就象一个失意的、年过花甲的老者,在回忆自己的激情燃烧的岁月。这种微妙的感情是难以言喻的,而音乐正是最好的表达手段。 《e小调第四号交响曲》作品98,完成于1885年,同年十月由勃拉姆斯亲自指挥首演。此曲和其他三部交响曲在性格上迥然不同:第一,它具有前三首交响曲中所没有的忧愁色彩,即后人所说的“古典悲剧性”。其实在这以前,勃拉姆斯也常在他的作品中抒发忧愁的情思,但像此曲这样,以忧愁作为乐曲的基调,却属首次。它的第二特征是,全曲以“古老”的手法写成。当然,古老、典雅是勃拉姆斯全部作品所显示的重要特征之一。由于本交响曲具有这些特征,所以一直未能得到普遍的理解。但此曲的深刻隽永,终于逐渐被听众所接受。 《海顿主题变奏曲》是勃拉姆斯于1870年至1872年间创作的,该作品是勃拉姆斯最初的乐队作品之一,也是其风格的代表作,变奏多样,方正典雅,受到广泛的赞誉。全曲包括降B大调的主题,8个风格各异的变奏,以及最后的终曲。 《悲剧序曲》是勃拉姆斯1880年夏天写的管弦乐序曲。勃拉姆斯以“悲剧”为题意在用来强调此序曲的汹涌和受折磨的气氛;此曲也和他在1880年所写的《学院节日序曲》形成强烈对比。值得留意的是,《悲剧序曲》和《学院节日序曲》是没有任何紧接的戏剧内容,因为勃拉姆斯对歌剧并不感兴趣。对勃拉姆斯而言,音乐是用来强调其感受和情感。
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