这张专辑是钢琴家弗朗西斯科·尼科洛西演奏斯卡拉蒂13首《键盘奏鸣曲》。
斯卡拉蒂作品中最有价值的是那500多首单乐章的键盘奏鸣曲。这些奏鸣曲带有典型的巴洛克时代特征：细腻、典雅，与巴赫的键盘音乐相比同样具有声部明晰、交响和谐的特点。结构上虽不如巴赫的音乐那么紧密、精巧，但旋律性强、富于歌唱性，在抒情上略胜一筹，听觉上更接近现代欣赏习惯。
斯卡拉蒂的奏鸣曲篇幅短小、形式多样、内容丰富，它们大多是演奏时间只有一两分钟至五六分钟的三段式，内容或清雅或灿烂或抒情可谓姿态万千，如一把撒在阳光下的珍珠烁烁生辉、色彩斑斓。在曲式上有的似巴赫的创意曲、有的像赋格，其中有几首还是包含了两个主题的古典奏鸣曲式。此外，他还引入了快速重复、双手交叉以及双音经过句的新技法，拓展了键盘音乐的表现力。虽然斯卡拉蒂还没有完全摆脱巴洛克音乐的时代特征和风格，不过从他带有新倾向的作品来看，说他是海顿和莫扎特等古典主义乐派的先驱应是当之无愧。
十八世纪初期，斯卡拉蒂在西班牙宫廷任职，有了丰厚、稳定的收入，他创作了大量键盘乐器作品，为当时的、现在的演奏家们提供了极具价值且丰富多彩的表演曲目。
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聆听美妙旋律、感受艺术真谛
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这张专辑是索尔蒂指挥维也纳爱乐乐团，演奏瓦格纳著名的管弦乐作品。这些曲子都是选自瓦格纳的歌剧，而且是从索尔蒂指挥的歌剧全曲唱片上剪辑下来的。因此这张专辑不仅是瓦格纳的作品精华，也是唱片史上最著名的索尔蒂版瓦格纳全部歌剧录音的一个缩影。
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这张专辑是小提琴家亚历山大·斯科维斯基与钢琴家迪诺拉·瓦尔西携手，与迈克尔·霍夫斯蒂特指挥的斯图加特室内乐团合作，演奏门德尔松少年时创作的几部钢琴与小提琴协奏曲。
《d小调小提琴协奏曲》MWV.O.3，是1822年门德尔松为里茨（Eduard Rietz）而作，在门德尔松到瑞士旅行以后完成的作品。确切的初演日期不详，但据推算应是在每週日于门德尔松家中举行的音乐聚会中初演。里茨是伯林爱乐管弦乐团的创立者与指挥家，他与门德尔松的私交甚笃，除了这部《d小调小提琴协奏曲》之外，门德尔松曾写下了小提琴奏鸣曲(作品四)和八重奏(作品二十)题赠给这位同时也是小提琴家的老师兼好友。
《a小调钢琴协奏曲》MWV.O.2，作于1822年，当时门德尔松年仅13岁。此曲虽然作品技法略显稚嫩，但旋律很好听，乐队协奏部分也很丰满，完全不像一位13岁少年的作品。
《d小调钢琴与小提琴协奏曲》MWV.O.4，完成于1823年。这是门德尔松14岁时的作品，少年的音乐天才展露无遗，钢琴与小提琴在管弦乐团的衬托下深情对话，一唱一和，非常精彩。
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这张专辑是钢琴家索科洛夫演奏舒伯特《第18、21钢琴奏鸣曲》，这是1992年8月在芬兰赫尔辛基艺术节的现场演奏录音。这两部都是舒伯特的晚期奏鸣曲，充满了浪漫主义气息。每部的演奏时间都超过45分钟，对于演奏者是极高的挑战。这种挑战来源于音乐本身，一种情感和舒伯特那种复杂的心情，而不是单纯手指技术。索科洛夫演奏的舒伯特不像霍洛维兹那样具有丰富的效果感染力，也不像布伦德尔具有德奥大师的规整和严肃性。听索科洛夫演奏的舒伯特奏鸣曲，你什么都不需要去想，因为你将完全融进音乐里面，不会在意以前听唱片苛求的与众不同。所有往事都将回忆，那不是悲伤的感觉，是一种沧桑感，但仍带着一份童真。能够从乐曲中体会到，舒伯特已经意识自己临近死亡，却有仍然渴望着什么……
《G大调第十八钢琴奏鸣曲》D894，作品78，作于1826年的冬天。这部作品突出了在幻想世界无尽遨游的意境，具有很强的田园般的诗意性，重点强调出对主观感情的崇尚和个性的自由发挥。在音乐史上，这部奏鸣曲成为了从古典主义到浪漫主义的过渡作品，其为古老的奏鸣曲体裁注入了新的时代风格。作曲家舒曼曾评价，这部作品描述了“万事都在有机的混沌生命中存在着”。
《降B大调第二十一钢琴奏鸣曲》D960，完成于1828年，是舒伯特最后一部钢琴奏鸣曲，也是他留给人世间的最后一部作品。这首奏鸣曲风格宁静、安详而豁达，以崇高的精神境界刻画出一个孤独落魄的灵魂，正以深深的沉思与无尽的感怀总结人生，抚慰世间的一切。站在古典和浪漫分水岭的舒伯特，以这首巅峰之作将古典主义的严谨形式与浪漫主义的丰富情感淋漓尽致地展现出来，并将其一生的经历、思想和经验留给后人，成就了一份辉煌的遗嘱。
大家都在听
肖邦全集（第八辑）·圆舞曲、室内乐作品
这张专辑是肖邦作品全集的第八辑，收录了：一、钢琴家路易沙达演奏的17首《圆舞曲》，1990年6月录音；二、齐伯尔斯坦演奏的两首《圆舞曲》，1999年3月录音；三、美艺三重奏团演奏的《钢琴三重奏》，1970年8月录音；四、大提琴家罗斯特洛波维奇与钢琴家阿格丽奇合作，演奏《引子与华丽波兰舞曲》、《大提琴奏鸣曲》，1980年3月录音；五、大提琴家安纳·毕斯马与钢琴家兰伯特·奥基斯合作，演奏《钢琴与大提琴二重奏》，1993年1月录音。
肖邦创作的圆舞曲共19首，其中有编号的作品13首，无编号6首。这些圆舞曲可分为两类，一类是把实际的舞蹈理想化，另一类是借用圆舞曲形式而作成的纯粹的抒情诗。舒曼曾对肖邦的圆舞曲评介：“这是肖邦的肉体及心灵在舞蹈上的圆舞曲”，“如果要跳舞，舞伴必须有一半以上是伯爵夫人才行。”而舒曼的妻子克拉拉认为，“不沉着的演奏家，往往忽略了肖邦的低音，虽然低音对圆舞曲具有某种意义，但也不是绝对的，粗暴的敲击没有必要，要注意基础音，从属的和声应弹得轻些。圆舞曲的伸缩速度也不必要像玛祖卡舞曲那样强烈。”
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29期
巴赫·小提琴与羽管键琴奏鸣曲（第一辑）
这张专辑是小提琴家露西·范·戴尔与羽管键琴家鲍勃·范·阿斯普伦合作，演奏巴赫的四部《小提琴与羽管键琴奏鸣曲》。
小提琴与羽管键琴奏鸣曲是巴赫的进一步探索与创新。他大胆地化繁为简，保留羽管键琴声部，将上声部两把小提琴变为一把，并去掉维奥尔琴的低音旋律，在乐器组合上初步具备了现代二重奏鸣曲的雏形。值得注意的是，羽管键琴不再是简单的伴奏与陪衬。巴赫独创性地在羽管键琴声部加入旋律，与小提琴声部形成二重对位，赋予键盘乐器更为繁重的音乐使命，达到独当一面的高度，这一革新是历史性的。
《小提琴与羽管键琴奏鸣曲》BWV1014-1019，大约作于1717-1723年。著名的巴赫评论家史怀哲认为，悲痛、神秘感是这6部有伴奏奏鸣曲的主要内涵，“悲痛支配了这些作品，巴赫可能是在失去前妻的印象之下创作的这些作品。”“这些作品如同贝多芬的奏鸣曲，也是表现感情和内在体验的，但呈现出来的却是力量代替了热情。”
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16期
米凯兰杰利《斯卡拉蒂、贝多芬、克莱门蒂》
这张专辑是米凯兰杰利演奏斯卡拉蒂、贝多芬、克莱门蒂、肖邦的几部钢琴奏鸣曲。
贝多芬《e小调第三十二钢琴奏鸣曲》作品111，作于1819-1822年间，呈献给鲁道夫大公。贝多芬将这首奏鸣曲缩短成两个乐章，第一乐章是奏鸣曲形式中加进了对位手法，第二乐章则用了变奏曲，可以说完全是后期的创作风格。而且这两个乐章形成尖锐的对比，第一乐章是拥有如暴风骤雨般的激烈与紧缩起来的紧张感，而第二乐章则是将精神解放并高扬于无穷无尽的世界中。关于这两个明显的对比，历来有各式各样的解释。贝多芬周围的人不停地提出对于第三乐章的询问，据说贝多芬对于辛德勒所提出的询问，只回答一句“因为时间不够”。这句话很可能是贝多芬在故意开玩笑，其实如果我们在这一乐曲的变奏曲乐章的最后，恍恍惚惚地看到精神飘渺浮升于遥远的天空时，我们就不得不深切地感到这首奏鸣曲已经没有任何值得加上去的东西了。
肖邦《降b小调第二钢琴奏鸣曲》作品35，作于1837年。当时肖邦在马尧卡岛疗养失败，住在George Sand（乔治·桑）的故乡。舒曼称之为“神秘莫测的，好像脸带嘲弄的笑容的狮身人面像”。这自然不是像海顿或莫扎特奏鸣曲那样“从前好世道”的音乐，这是肖邦独具一格、真正革新的作品。
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12期
拉威尔、德彪西、福雷《弦乐四重奏》
这张专辑是法国年轻的室内乐组合埃比涅弦乐四重奏2008年2月录制的，演奏拉威尔、德彪西、福雷的弦乐四重奏。
德彪西《g小调弦乐四重奏》作品10，作于1892年。这部作品的旋律是复杂而非歌唱性的，第二乐章拨奏的铿锵和第三乐章的缠绵形成鲜明的对比。此曲选用法国近代乐派采用的循环主题法，共四个乐章。
福雷《e小调弦乐四重奏》作品121，作于1924年，题献给他的学生拉威尔。此曲在他离世前两个月完成，是他的“天鹅之歌”。
拉威尔《F大调弦乐四重奏》作于1904年，题献给他的老师福雷。这是拉威尔唯一的一部弦乐四重奏，从作品的流畅与对形式的掌握，使其成为拉威尔早期成熟的代表作，绝不是一个学生的涂鸦之作。此曲四个乐章基本保持了传统奏鸣交响套曲的组合原则，如注重各乐章速度、调性的对比，首尾乐章采用奏鸣曲式，中间乐章采用歌谣曲式等传统模式。但在套曲组合关系中也有很多特点，首先打破维也纳古典乐派常用的体裁与速度对比，即改变一般快板、慢板、小步舞曲。这里面有许多慵懒的惬意，而且旋律被和声装扮得光彩绰约，繁花似锦。仿佛是一个在树林里午睡的刚醒的女子，一脸天真无辜的模样，衣裙上还沾着细碎的草叶和花瓣，坐在地上，竭力要弄懂睁开眼后看到的这个世界。
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11期
萨瓦尔《博凯里尼·交响曲、五重奏》
这张专辑是约迪·萨瓦尔指挥巴洛克和古典乐团国家协奏团，与几位古乐器独奏家合作，演奏博凯里尼的两部《交响曲》、两部《五重奏》。
西班牙古乐演奏家、指挥家约迪·萨瓦尔（Jordi Savall）出生于巴塞罗那，演奏中世纪、文艺复兴及巴洛克时期的作品，在古乐领域赢得了较高声誉。同时，萨瓦尔所创立的最著名的唱片品牌AliaVox，也已经成为了巴塞罗那的一个文化标志。萨瓦尔1989年创建的巴洛克和古典乐团国家协奏团（Le Concert des Nations），灵活机动，在需要的时候可以以小编制演奏库泊兰的音乐，也同样可以演奏大编制的博凯里尼或者莫扎特的管弦乐作品。
路易吉·博凯里尼（Luigi Boccherini，1743年-1805年5月28日）意大利作曲家、大提琴家。博凯里尼是一位多产的作曲家，特别是在室内乐创作方面，构建起一种独具特色且极为精致的音乐风格；他也是维也纳古典主义时期拉丁民族器乐音乐的重要代表人物。
博凯里尼是最早在大提琴上使用拇指把位（thumb position）以及双音（double stop）技术的人，他对于18世纪后半期的大提琴演奏影响非常深远，而且在海顿(J. Haydn)之前就写下引起轰动的弦乐四重奏曲。博凯里尼的作品继承了意大利的器乐传统，旋律优雅，力度富于变化，大提琴曲则充分发挥了这种乐器的特色。
《C大调五重奏》作品30，此曲是以马德里街头的流行音乐为素材。一开始，博凯里尼拒绝他在巴黎的出版商将这个谱子公诸于众，留下一句这样的慨叹：“不！不！我不觉得它适合那些欧洲的音乐家，他们完全不会理解这个！”他的理由是什么呢？“需要用不高雅的方式演奏”（senza grazia）！在他的理解里，大概只有那些马德里的本地音乐家能熟稔这种调子吧。不过到了后来，这首曲子太风靡了，以至于博凯里尼只好让它在巴黎出版。
此曲里，乐谱上写明了诸如“大提琴需要放在膝盖上，像一把吉他一样弹拨”这样的注释。一点儿也不错，注释里的意思是，你需要像弹吉他一样用指甲拨奏大提琴的弦，以取得一种有竖琴一般明亮效果的急速琶音。但现在的巴洛克乐团里，大提琴手没法这样放在膝盖上演奏，因为要迅速更换到拉奏姿势实在有点不方便。但是小提琴家们都照做了。
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17期
吉泽金《贝多芬钢琴奏鸣曲（第一辑）》
这张4CD专辑是钢琴家吉泽金演奏贝多芬的15部《钢琴奏鸣曲》，1949-1956年在萨尔布吕肯录制，2014年采用24位、96kHz高清格式重新制作，音质提升明显。
吉泽金的演奏具有深入骨髓的气质，有人称之为“拙朴”，和贝多芬音乐的气质如此谙和，所产生出的化学反应，散发出温暖恬静，而又悠然变幻的雾霭，笼罩住我们的感官。贝多芬最早期的奏鸣曲（《悲怆》之前）通常有两种处理方式：要么按照莫扎特、海顿奏鸣曲的演奏手法一样恭谨，要么像愣小子剃光头一样蛮横。而一些老牌大师采取的则是不屑一顾的姿态，纯粹为了全集凑数。而在这版录音中，吉泽金演奏的《第4、5、6、7奏鸣曲》则令人刮目相看，不仅在风格上无懈可击，还赋予了这些音乐最得体、最亲切的表情；音色、分句控制的让人听不出有控制，流畅天成，并有着很贵族化的幽默感，比起一般的“生动”更显得老练。
贝多芬中期的几部著名奏鸣曲版本众多，各人自有偏爱。吉泽金的演奏没有妩媚的旋律雕琢和戏剧性的和声色彩处理，还是自然流畅的 坦白，但是眉眼之中蓄谋已久的风情令人如饮醇茶。吉泽金的这种贵族诗人的气质是与生俱来的，靠修炼到不了这个境界的。吉泽金惊人的技术能力在这些最吃功夫的作品中表现的坚如磐石，一点不炫耀，举重若轻、信手拈来，不给人一点多余的感官刺激但却什么都有了。
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54期
普列特涅夫《斯卡拉蒂·键盘奏鸣曲》
这张专辑是钢琴家普列特涅夫演奏斯卡拉蒂的《键盘奏鸣曲》，获得了1996年的留声机大奖。这是普列特涅夫出道时的开山曲目，斯卡拉蒂的键盘奏鸣曲是巴洛克晚期键盘作品的杰作，作曲家斯卡拉蒂是葡萄牙公主芭芭拉的音乐老师，当公主在1757年出嫁西班牙宫廷时，斯卡拉蒂也被作为陪嫁品一同前往西班牙，并在那里度过余生。所以在他那些快捷迅疾的键盘奏鸣曲中，有很多西班牙土风音乐的影子：弗拉门戈舞的节奏和类似吉它的快速拨奏。
斯卡拉蒂的奏鸣曲篇幅短小、形式多样、内容丰富，它们大多是演奏时间只有一两分钟至五六分钟的三段式，内容或清雅或灿烂或抒情可谓姿态万千，如一把撒在阳光下的珍珠烁烁生辉、色彩斑斓。在曲式上有的似巴赫的创意曲、有的像赋格，其中有几首还是包含了两个主题的古典奏鸣曲式。此外，他还引入了快速重复、双手交叉以及双音经过句的新技法，拓展了键盘音乐的表现力。虽然斯卡拉蒂还没有完全摆脱巴洛克音乐的时代特征和风格，不过从他带有新倾向的作品来看，说他是海顿和莫扎特等古典主义乐派的先驱应是当之无愧。
普列特涅夫的演绎和他后来的录音一样，给人留下异常精准的印象，键盘的控制力滴水不漏。值得一提的是，专辑的录音好得惊人，钢琴音色铿锵通透、泛音非常高贵、动态强弱巨细无遗，相信很多喜欢普列特涅夫的乐迷听过这款廉价的小双张都会喜出望外。
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31期
拉罗查《蒙波·钢琴作品》
这张专辑是钢琴家拉罗查演奏蒙波的钢琴作品，包括：《内心印象》九首、《沉默的音乐》第四册、《歌与舞》四首。
费德里科·蒙波（Federico Mompou，1893年4月16日-1987年6月30日）西班牙加泰罗尼亚作曲家。他的创作受到印象主义音乐以及埃里克·萨蒂的简约风格影响，十分恬淡安逸，而又带着淡淡的西班牙气质。他不写作大型作品，所作基本上都是钢琴曲、歌曲、吉他曲等小规模作品。由于其独特的风格，蒙波的音乐在20世纪乐坛占有一定的地位，并获得过不少奖项。
蒙波是一个羞涩、说话细声细气和内省的人，这些特点也反映在他创作的作品中。他从不写作歌剧、协奏曲或交响曲这些大型作品，就连他少数的合唱作品也尽可能的短小精悍。他的作品以艺术歌曲、钢琴小品及吉他小品为主。他的音乐充满了他所钟爱的加泰罗尼亚色彩和印象，风格以精简和优雅为主。其创作还可见萨蒂“简约风格”的影响，省略了调号及小节线，偶尔还会插入傻里傻气的评论，自称为“原始派”。他年轻的时候曾在一家钟铃厂工作，因此在他的众多作品中均可见模仿钟声的片断。
蒙波的音乐有淡淡的西班牙风味，有一丝清凉，有一丝安逸和寂静。其旋律并不复杂，可似乎隐藏着无限深邃的东西。聆听蒙波的音乐，或多或少都需要细心的把握和审慎的态度。其钢琴代表作有：《十二首歌与舞》、《肖邦主题变奏曲》、《内心印象》、《儿童场景》等。和罗德里戈等人时代大致相同，蒙波的吉他作品也是相当有名的，其中最著名的就是《康波斯特拉娜组曲》。其声乐作品最著名的有六套《儿歌集》、《田园》等。
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15期
李赫特《钢琴大师（第三辑）》
这张专辑收录了钢琴家李赫特演奏普罗科菲耶夫、斯克里亚宾、肖斯塔科维奇这三位俄罗斯作曲家的作品为主题，其中又以他对普罗科菲耶夫钢琴作品的诠释最为人所称道。在录音中可以听出，李赫特对于普罗科菲耶夫《第六奏鸣曲》所作出的精彩诠释。首乐章中他利用弹性速度，将乐句线条注入狂热的意象，很少有钢琴家能在维持住第二乐章中出现的颤抖节奏的同时，又能踩高跷变戏法般地表现出谱面上的要求，而李赫特恰恰做到了。在慢乐章中，我们可听出他对乐曲结构的洞察力。到了终乐章，他演奏中所展现的管弦乐般的色彩和活力能在顷刻间让人屏息以待。
CD1中李赫特还演奏了斯克里亚宾的《幻想曲》、《如诗的夜曲》、《朝向火焰》等作品，与他于上世纪五十年代留下的录音相比，这里的演奏少了几分锐气和激动的色彩，更趋于宽广、细致，营造出了一种充满着神秘感的氛围。
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12期
莱昂斯卡娅《舒伯特·奏鸣曲、即兴曲》
这是钢琴家伊丽莎白·莱昂斯卡娅1985-1997年的舒伯特作品演奏录音。伊丽莎白·莱昂斯卡娅的演奏在朴实中现真情、在淡泊中见伟大，以自由心灵照亮作曲家幽微的乐思，在琴音里诉说平凡中的不平凡。她长期演奏舒伯特的音乐，并系统灌录了舒伯特的独奏作品，尤其偏爱舒伯特晚期创作的大型奏鸣曲。
伊丽莎白·莱昂斯卡娅（Elisabeth Leonskaja）1945年出生在乔治亚共和国首府提比利希（Tbilisi）一个单纯的律师家庭。她按部就班地学习，11岁和乐团合作贝多芬《第一钢琴协奏曲》，12岁演奏李斯特《第二钢琴协奏曲》，17岁时则在罗马尼亚恩奈斯可大赛（Enescu Competition）夺冠。这次胜利让伊丽莎白一战成名。原本已要在提比利希音乐院就读的她，从布加勒斯特返回故乡途经莫斯科，就被莫斯科音乐院钢琴系主任“抓”到系上，不经考试就成了学院新生。伊丽莎白在莫斯科的老师鼎鼎有名的米尔斯坦（Yakov Milstein）。米尔斯坦个性内向而谦虚，虽非活跃舞台的演奏家，却是热中学术、著作等身的大师。他曾是莫斯科四大门派中伊贡诺夫（Konstantin Igumnov）的学生与助教，而伊贡诺夫又师承李斯特晚年弟子西洛第（Alexander Siloti），一向以独到且深入的李斯特诠释闻名。米尔斯坦承传大师，所撰写的李斯特传记，至今仍是俄国学派的经典之作。
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