A01. Saints-Saen Le cygne

这张专辑收录了杜普蕾1967年1月在布拉格的实况演出，曲目依旧是招牌式的埃尔加《大提琴协奏曲》。她与巴比罗利两年前合作的录音室版本已经取得了巨大的国际声誉，而这次则是随BBC交响乐团一起巡演东欧，布拉格是第一站。那时的BBC交响乐团正处于艰难的复苏期，多拉蒂的到来使得乐团的处境大为改观。1967年的巡演由巴比罗利爵士领队，另一位指挥家是布烈兹，独奏家则包括杜普蕾和奥格顿。（多么奇怪的阵容！）在这场演出中，杜普蕾保持了她惯有的理解，由于是现场演奏，她的速度偏快，分句更为流畅，与生俱来的节奏感愈发显得无与伦比。乐团的音色温厚醇和，巴比罗利是一位非常优秀的配合者，与EMI版相比，他少了些火气，收敛起锋芒。值得欣喜的是这是立体声所录制的现场，转制复古而自然。

这张专辑是小提琴家露西·范·戴尔与羽管键琴家鲍勃·范·阿斯普伦合作，演奏巴赫的四部《小提琴与羽管键琴奏鸣曲》。 小提琴与羽管键琴奏鸣曲是巴赫的进一步探索与创新。他大胆地化繁为简，保留羽管键琴声部，将上声部两把小提琴变为一把，并去掉维奥尔琴的低音旋律，在乐器组合上初步具备了现代二重奏鸣曲的雏形。值得注意的是，羽管键琴不再是简单的伴奏与陪衬。巴赫独创性地在羽管键琴声部加入旋律，与小提琴声部形成二重对位，赋予键盘乐器更为繁重的音乐使命，达到独当一面的高度，这一革新是历史性的。 《小提琴与羽管键琴奏鸣曲》BWV1014-1019，大约作于1717-1723年。著名的巴赫评论家史怀哲认为，悲痛、神秘感是这6部有伴奏奏鸣曲的主要内涵，“悲痛支配了这些作品，巴赫可能是在失去前妻的印象之下创作的这些作品。”“这些作品如同贝多芬的奏鸣曲，也是表现感情和内在体验的，但呈现出来的却是力量代替了热情。”

这张专辑是Cafe del Mar旗下以歌剧与电子乐融合为主题的Aria系列精选辑，由Paul Schwartz与Mario Grigorov两位音乐人主导制作，是Cafe del Mar品牌拓展音乐多元性的重要尝试。这张专辑不仅是电子乐与古典歌剧融合的先锋之作，更代表着Cafe del Mar品牌从场景音乐向概念化艺术表达的转型，其独特的“电子巴洛克”风格至今仍被视作Chill-Out音乐中的另类经典。 Aria系列诞生于1999年，正值Cafe del Mar成立唱片公司之际。Paul Schwartz本身具有深厚的古典音乐造诣，他与Mario Grigorov将歌剧咏叹调、古典旋律与现代电子乐结合，创造出一种"神秘且富丽堂皇"的意境，突破了Cafe del Mar以往以海岛落日氛围为主的Chill-Out风格。这种跨界尝试获得了乐评界的高度评价，成为系列中艺术性突出的分支。 专辑以歌剧电子化为核心，重新演绎了普契尼《蝴蝶夫人》中的《Farewell》、亨德尔歌剧《塞尔斯》的咏叹调《Ombra Mai Fu》等经典段落，通过电子合成器、氛围音效与古典声乐的交织，营造出史诗般的空间感。相较于Cafe del Mar主系列的放松沙滩场景，Aria系列更强调戏剧张力与情感深度。 《Aria》是由Paul Schwartz构思、创作和表演的，是由歌剧中的经典片段变形而创作的充满现代气息的氛围舞曲。但是和其他氛围舞曲专辑不同的是《Aria》并不是仅依靠键盘和采样来完成的。专辑的音乐的出发点在于尽可能让人感觉到真实而生动，试图在听众的脑海中树立与一支大型管弦乐队共处伦敦最棒的录音棚——阿比大街——的现场一样。 专辑中的人声并非采样，而基本由百老汇如日中天的女高音Rebecca Luker录制。这些所有的真实人声使得整张专辑表现出了在该类音乐中前所未有的鲜活感和现场感。这些鲜活逼真的元素和强劲流畅的音乐结合创造出了一次令人兴奋的灵魂和心脏的双重体验。

这张专辑是大提琴巨匠罗斯特洛波维奇早期的录音，包括与阿德里安·博尔特爵士指挥的皇家爱乐乐团合作，演奏德沃夏克《大提琴协奏曲》；与马尔科姆·萨金特爵士指挥的爱乐管弦乐团合作，演奏圣-桑《第一大提琴协奏曲》；与钢琴家Alexander Dedyukhin合作，演奏大卫·波泊尔、德彪西、斯克里亚宾、拉赫玛尼诺夫的大提琴与钢琴作品。 德沃夏克《b小调大提琴协奏曲》作于1894-1895年，是他的代表作之一，也是少数几部广受世人喜爱的大提琴协奏曲杰作之一。其内容的深度、鲜明的形象以及交响发展的规模等方面，更接近于他的最后两部交响曲，无疑都是它的成功所在。此曲可以说是作者停留美国期间的最后巨构，曲中旋律优美，更由于写作于美国，把美国的地方色彩和波希米亚民谣曲调巧妙地融合起来，产生独特的魅力。表达了作者对祖国和人民命运的思念，还有作者对初恋女友的哀悼，这些复杂的感情交织在一起，可以给人巨大的感动。 圣桑《A小调第一大提琴协奏曲》创作于1873年。这首作品模仿了舒曼的《大提琴协奏曲》和门德尔松的《小提琴协奏曲》，但是它只有一个乐章，因而在结构上不像这两首协奏曲那么正式。独奏乐器在第一小节就奏出了主部主题；奔泻而出的三连音音型、主题结束处的半音起伏进行，这些对整个作品都异常重要。当宁静的第二主题进入时，人们可能会认为这是古典奏鸣曲形式中的呈示部；然而简短的发展部(预示着尾声主题的一个新乐思在这里一闪而过)和接下来的几个不能被称作真正意义上的"再现部”小节，却将作品直接带进了下一个乐章(间奏部分)。这一乐章中乐队奏出的音乐有着小步舞曲的特点，然后便出现了双簧管以降B大调奏出的第一乐章的主部主题。

这张专辑收录了柴科夫斯基的两部杰作：一、1957年大卫·奥伊斯特拉赫与康德拉辛指挥的苏联国家交响乐团合作，演奏《小提琴协奏曲》；二、1963年罗斯特洛波维奇与罗日杰斯特文斯基指挥的列宁格勒爱乐乐团合作，演奏《洛可可主题变奏曲》。 《D大调小提琴协奏曲》作品35，作于1878年。此曲是一部欢快、活泼、充满青春气息的作品，它歌唱生命，表现了俄罗斯人民的乐观主义精神。这首乐曲当初相当不受世人欢迎，然而历史最终证明这是一首绝无仅有的音乐杰作，在音乐舞台上久演不衰，成为许多著名小提琴家的保留曲目。此曲是柴科夫斯基最著名的作品之一。不但充分发挥了主奏小提琴绚烂的近代演奏技巧，展开了色彩丰富的管弦乐，造出了比以往的小提琴协奏曲更新鲜的韵味，而且其含有俄国民谣的地方色彩，独特的充满哀愁的优美旋律，作成了格调新颖、独特的作品。 《洛可可主题变奏曲》作于1876年，是柴科夫斯基为大提琴和乐队创作的一首带有套曲形式的变奏曲，是俄罗斯民族因素同古典风格特征有机相结合的产物。它充分的发挥了大提琴的各种精湛演奏技巧及丰富的表现魅力，受到各国大提琴家们的青睐。

这张专辑收录了吉泽金的演奏录音。吉泽金（Walter Gieseking，1895-1956）法国钢琴家。吉泽金的父母是德国人，因而他受法国和德国音乐教育的双重影响，对这两国的作品都有深入的体会。他灵敏透明的指触和细致的音色变化加上微妙的踏板控制，使他成为阐释德彪西与拉威尔的权威。吉泽金一直追求清淡的表情，在演奏中强音都处理得很轻巧，他演奏的莫扎特也极有味道。

这张专辑是古典吉他、鲁特琴演奏家朱利安·布里姆，演奏约翰·道兰德的鲁特琴音乐与舞曲。布里姆是把16世纪伊丽莎白一世时代的妙音佳作搬上现代舞台的第一功臣，英国文艺复兴时期的王牌作曲家约翰·道兰德的多情经典经由他的婆娑指尖闪耀今宵。 在布里姆时代，大部分世界顶级吉他演奏家们的右手都是塔雷加式的姿势，即，大拇指大幅度外放，其他手指相对并拢且与琴弦呈近90度角。布里姆、威廉姆斯、耶佩斯皆是如此，何况彼时的吉他皇帝安德烈·塞戈维亚有着甚于90度角的右手拨弦姿势。这种手势配合相应的指甲形状，让音色规整有力，坚而不炸、软而不塌、迅而不虚、缓而不粘，是以风靡那个时代。布里姆如法炮制，用同样的手法演奏鲁特琴。然而，他的鲁特琴是特制的，抑或说，那个时代的鲁特琴制作工艺都是以吉他的声学构思来仿制，介于文艺复兴鲁特琴与巴洛克鲁特琴之间，这样做出来的鲁特琴，有着跟吉他相似的琴弦张力和色彩变换，加上当时尼龙琴弦的普及，手指触感无二。以布里姆的手劲能让鲁特琴音色不破，足以证明那个时代的鲁特琴制作工艺是直接以吉他做参考，鲁特琴的制作更像是依葫芦画瓢。 从最广义的当代吉他发展史来说，布里姆功在千秋，“鲁特琴大家”当之无愧。沉睡几百年的鲁特琴能够在二战后的混凝土中再生萌芽，在新思潮的烟云间浊浪清霞，很大程度上拜他所赐。

这套专辑是小提琴大师格鲁米欧与柯林·戴维斯爵士率领的伦敦交响乐团合作，演奏莫扎特的五部《小提琴协奏曲》，同时还收录了格鲁米欧与著名钢琴家哈斯姬尔合作演奏的莫扎特两首小提琴奏鸣曲。这套唱片久负盛名，被日本《唱片艺术》评为最佳名片。“企鹅”评价三带花，经典地位无可动摇。 在莫扎特所有作品中，器乐协奏曲称得上款款精品。对于这五首协奏曲的演绎，法比学派大师格鲁密欧的成就长期以来无人可与之匹敌。格鲁米欧的风格最适合演奏莫扎特的作品，专辑中的5首协奏曲也演奏得异常精美，其中《第五协奏曲》第一乐章激昂的主题，格鲁米欧拉得雄浑有力，音色炽烈。

这张专辑是小提琴家佛丝特与钢琴家梅尔尼科夫合作，演奏勃拉姆斯《第二、三小提琴奏鸣曲》、舒曼《三首浪漫曲》、迪特里赫、舒曼和勃拉姆斯一起创作的《F.A.E.奏鸣曲》。

这张专辑是巴洛克长笛家Wilbert Hazelzet与羽管键琴家Jacques Ogg合作，演奏巴赫的长笛与改编作品。演奏录音时使用巴洛克传统长笛、羽管键琴，真正还原巴洛克时期的演奏传统和乐器音色，使听者能够感受到巴赫生前的音乐与现代音乐的区别，体会巴洛克时期音乐的优雅、美妙。专辑收录的只有《a小调长笛组曲》BWV1013是巴赫为长笛而作，其他曲目都是改编曲，如《大提琴组曲》、《管风琴奏鸣曲》等，但是这些曲目由长笛吹奏，会带给听者全新的感受。