A04. String Quartet Op.76 No.1 - 4. Allegro

这张双CD专辑收录了海顿的6部“艾尔道迪”弦乐四重奏（作品76），由塔卡契弦乐四重奏团演奏。 海顿的音乐风格热情、典雅，充满了欢乐、幸福、和平的气氛。他的音乐就象优美的田园诗一样。他总是用这种笔调来歌颂大自然，歌颂生活。在他的作品中，还经常可以感受到鲜明的奥地利民歌风格。海顿作品的另一个特点是具有巧妙的幽默感，乐曲中充满了愉快而别致的情趣。 在弦乐四重奏中，海顿采用“说话的原则”，即各声部彼此像交谈般地呼应，既有清晰的旋律，又有复调的美感。莫扎特说：“从海顿那里我才第一次学会了写作四重奏的真正方法。”在交响曲中，他“确立了以短小动机加以动力性展开的奏鸣性发展原则，废除了数字低音的传统，以及开始确立了近代管弦乐的编制和配器原则”。这些，都给予莫扎特和贝多芬很大的启迪。 1797年前后，六十五岁的海顿完成了其一生最为优秀的一套弦乐四重奏：《“艾尔道迪”四重奏》作品76（第75号至第80号），题献给艾尔道迪伯爵。整套作品首先是四件乐器更加地位均等、互有特性，很好地体现出相互对话的原则。其次是主题带有浪漫主义性格和浓郁的民间特色，被赋予更生动的节奏活力，更丰富的和声色彩，创作手法更为精致大胆。尤其是其中的《五度》、《皇帝》、《日出》三首带标题的四重奏更是传世佳作，知名度极高。

这张专辑是阿蒂斯四重奏团演奏莫扎特的六部“海顿”弦乐四重奏。莫扎特共作有23首弦乐四重奏，创作时间自 1770-1790年，20年间中间中断了约10年。自到萨尔茨堡后，包括旅行曼海茵、巴黎期间，莫扎特未曾作过一首弦乐四重奏，直至移居维也纳的第二年，也就是1782年末，可以说是受海顿创作OP.33的启示，莫扎特在1个月内作成6首第十四至第十九号的《海顿四重奏》献给海顿。这是莫扎特23首弦乐四重奏中的精华。 《第十四号弦乐四重奏》“春天”，G大调，K387，即《海顿四重奏》的第一首，作于1782年12月21日。第十四号至第十九号的6首弦乐四重奏，系莫扎特以海顿的创作成果为出发点，作成之后请海顿到家中欣赏，又题献给他的。这套四重奏在主题的逻辑展开上体现了出类拔萃的技巧，形成了古典乐派在室内乐表现中的颠峰。 《第十五号弦乐四重奏》，d小调，K421/417b，作于1783年，即《海顿四重奏》的第二首。 《第十六号弦乐四重奏》，降E大调，K428/421b，作于1783年6月或7月，即《海顿四重奏》的第三首。 《第十七号弦乐四重奏》，降B大调，K458，即《海顿四重奏》的第四首，作于1784年9月9日。这首四重奏因一开始就使用狩猎的号角而称为《狩猎四重奏》，是6首《海顿四重奏》中最有海顿味道的一首。 《第十八号弦乐四重奏》，A大调，K464，即《海顿四重奏》的第五首，作于1785年1月10日。 《第十九号弦乐四重奏》，G大调，K465，作于 1785年1月14日，即《海顿四重奏》的第六首。此曲因序奏一开始就出现不协和音而标题为《不协和音》(Dissonani)。

这张专辑是指挥家乔治·塞尔与克利夫兰管弦乐团合作，演奏海顿《伦敦交响曲》的前六部。塞尔的名字与克利夫兰管弦乐团几乎是不可分割的，这是一支典型的古典乐团，它的风格和音色都特别适合于演奏海顿的作品。尽管这个乐团是一个以美国式的炫技表演和欧洲式的纯粹音响相结合的产物，但是它确实是美国音乐文化的结果。冷静而富于理性的柔美，几乎令人窒息的清晰与明净，这些特征使克利夫兰管弦乐团成为一个以均衡、细致、明快的音响而著称的乐团。塞尔始终认为演出中应当让音乐自己说话，而它所需要的一切就是准确无误的演奏。乐团中的一位演奏员曾说：“他甚至排练灵感。”显然，乐团在音乐会上的一切表现都是由事先精心准备的方针所决定，没有一丝一毫的侥幸成分。塞尔坚持让演奏员们以一种类似于室内乐的方式来演奏，互相倾听、互相感受，这样才能达到合奏的默契与自如，才能创造卓越的管弦乐效果。客观、冷静、避免感情的泛滥，这是塞尔的演出最与众不同的地方。 《伦敦交响曲》有时又被称为所罗门交响曲，是约瑟夫·海顿受伦敦的音乐会经纪人所罗门邀请，于1791年至1795年间创作的12部交响曲的总称。伦敦交响曲可分为两套，海顿第一次访问伦敦时创作的《第93-98交响曲》、与他第二次访问伦敦时创作的《第99-104号交响曲》。这张专辑收录的就是第一次访问伦敦时创作的《第93-98交响曲》。

这张专辑收录了葛利勒弦乐四重奏团1954年6-7月在伦敦录制的布洛赫四首《弦乐四重奏》。 葛利勒弦乐四重奏团，以第一小提琴手Sidney Griller为名，全部来自伦敦皇家音乐学院，从1928年在伦敦举行首演到1961年解散，他们洗练的合奏与卓越的音乐诠释，在乐坛上获得极高的评价。 埃内斯特·布洛赫（Ernest Bloch，1880-1959）瑞士裔美国作曲家。历任日内瓦音乐学院教授，克利夫兰音乐学院和旧金山音乐学院院长。其作品大都反映了犹太文化和礼拜仪式的主题，也表现出欧洲后期浪漫主义的传统。 布洛赫一共写过五首弦乐四重奏，就质量而言称得上是二十世纪最优秀之一，可是我们又有多少人在音乐会上听过呢？但我相信，一旦你听过这套，必定不会怀疑：布洛赫写四重奏的能力绝不在老肖和巴托克之下。但他的“能量模式”与后两位有着很大的不同，并非单纯的痛苦、酸楚或者迷茫，而有着一种可能从静谧中骤然爆裂的未知性。

这套5CD合辑收录了指挥家卡尔·舒里希特与维也纳爱乐乐团、巴黎音乐学院管弦乐团合作，1949-1956年间的演奏录音。曲目包括贝多芬《第一、二、五交响曲》、门德尔松四部序曲、勃拉姆斯《第二交响曲》、《第二钢琴协奏曲》、《小提琴协奏曲》、舒曼《第二、三交响曲》、舒伯特《第八交响曲“未完成”》、柴科夫斯基《意大利随想曲》。门德尔松的序曲中有一种清新的活力和细腻。舒里希特对舒伯特《“未完成”交响曲》第一乐章指挥了十一次后，约翰·库尔肖才终于完成了录音。这里舒里希特没有表现出怪异的速度，相反他和维也纳爱乐乐团的合作表达出了一种优雅的抒情风格。维也纳爱乐乐团的声响非常饱满，没有损害音乐和谐的构架，的确值得珍藏。 卡尔·舒里希特（Carl Schuricht，1880.7.3-1967.1.7）德国指挥家。舒里希特之所以被人们看作是具有重要意义的指挥大师，其艺术风格的独特性是最有说服力的筹码。在众多德奥指挥家中，他是个性突出的代表人物，其指挥风格尊重和继承传统，但却不死板地拘泥于传统。人们欣赏他的指挥，既能感觉到风格质朴，格调高雅的意境，又能体会到温暖亲切，自由流畅的特点。他能够赋予管弦乐团以庄重、神圣般的魄力，同时又能够带给它活泼、诙谐的情调。 舒里希特是一位沉稳、雅致的指挥大师，他在舞台上从不以大动作取胜，更没有音乐之外的嘘头。然而他指挥的音乐的内在张力却十分饱满，把握音乐层次变化的分寸感更是无懈可击。他本人富有贵族式的绅士气质，故在演释作品时，常常能够利用自己独特的优势和特点，给音乐带来富有韵味的情调。 舒里希特为人低调，总是避开那些以他的才华应得的声誉。这些都反映在他的音乐中。他是那种以服务于指挥台前的音乐为宗旨，强调忠实于原作的完整性。这意味着没有任何的夸张，没有追求表面的光辉，最重要的是不会在音乐中加入任何个人的色彩。这种做法远远不是毫无趣味的音乐表达方式 舒里希特是德国指挥学派中真正的元老指挥家，同时也是20世纪世界指挥艺术中的光荣前辈。他一生功名卓著、德高望重，是指挥艺术中伟大人物的杰出代表。

这张专辑是日本双簧管演奏家若尾圭介与柏林阿玛科特四重奏合作，演奏莫扎特的重奏作品。 作为一个非常讨厌长笛的人，莫扎特的长笛作品除了K298之外，都是受委托创作的，虽然不喜欢长笛，但是莫扎特也是人，拿人钱财，总得拿出点货出来。现在看来，莫扎特的创作的确是非常地不情愿却又无能为力，就像是必须要完成家庭作业的小学生一样，虽然坐在那里抓耳挠腮，最后也没有完整地写完，只是敷衍了事。《第三长笛四重奏》K285b的第三乐章则是改变自他的“大组曲”的第六乐章，前三首长笛四重奏之中，只有第一首是完整的三乐章格式，后两首的写了两个乐章便草草完事了。但是当初委托他的那个De Jean不仅没有骂娘，而且还很满意莫扎特的工作，即使他没有完成任务。因为，它们真是太美了，美得让人无法想像这是莫扎特极其痛苦的情况写出来的。 《第十七号弦乐四重奏》，降B大调，K458，即《海顿四重奏》的第四首，作于1784年9月9日。这首四重奏因一开始就使用狩猎的号角而称为《狩猎四重奏》，是6首《海顿四重奏》中最有海顿味道的一首。共4 个乐章： 《第10小夜曲》编制十分庞大，共有13把木管乐器，包括双簧管、单簧管、巴松管、低音管和法国号，几乎是流行于十八世纪的木管乐器的总和；全曲共分七段，故名为《大组曲》，在快慢交错的乐曲中，将各种木管乐器的特性一一表露无遗，为十八世纪木管合奏的代表作之一。

这套合辑收录了布拉格弦乐四重奏团演奏的德沃夏克《弦乐四重奏》作品。该团的演奏非常精彩，流淌的弦乐音流，音色优美，音场丰富饱满。《企鹅唱片指南》评价三星。室内乐在德沃夏克的作品中占有重要地位，但演录的频率大大低于他的交响曲、其他管弦乐曲甚至钢琴曲等。德沃夏克那充满灵感音符的大脑中不乏动人的旋律，而在室内乐作品中似乎更注重几种弦乐音色搭配与细腻的情绪交流。 布拉格弦乐四重奏团是当今乐坛最重要的室内乐组之一，在弦乐四重奏组合人才辈出的捷克，布拉格四重奏团是一支不容忽视的室内乐团，该团创建于1972年，成员来自布拉格音乐学院学生。自成立后，该团传承了捷克独特的四重奏传统，秉持着老派组合的和谐、完美、优雅，以精湛的音乐技艺为业界的瞩目。 德沃夏克（1841-1904）是捷克著名的作曲家，也是世界音乐发展史上不可或缺的大师，其幼年时期就表现出了惊人的作曲天赋。从其弦乐四重奏的创作历程来看，可以分为三个阶段，按照不同的地点进行划分，分为：捷克国内的探索阶段、德国的发展阶段和美国的成熟阶段。在捷克，年仅二十岁的德沃夏克在乐队中担任中提琴手，创作了一首弦乐五重奏作品，这也是其弦乐创造的开始，《A大调弦乐四重奏》、《降B大调第二弦乐四重奏》、《D大调第三弦乐四重奏》等作品的创作，让他在乐坛奠定了坚不可摧的地位，也掌握了弦乐四重奏的创作规律，为之后弦乐四重奏创作打下了基础；在德国定居以后，德沃夏克扩宽了视野，创作水平进一步提升，《E大调第八弦乐四重奏》、《d小调第九弦乐四重奏》等作品和之前的作品相比，形式和内容更加成熟；在美国担任纽约国家音乐学院院长期间，创作了《G大调第十三弦乐四重奏》等作品，尤其是其《F大调第十二弦乐四重奏》作品中融入了美国黑人和印第安人音乐元素，得到了广泛的认可。在德沃夏克的一生中，弦乐四重奏创作从来没有停止过，作品数量多、质量高，达到了同时期音乐家难以企及的高度。

这张专辑是约迪·萨瓦尔指挥巴洛克和古典乐团国家协奏团，与几位古乐器独奏家合作，演奏博凯里尼的两部《交响曲》、两部《五重奏》。 西班牙古乐演奏家、指挥家约迪·萨瓦尔（Jordi Savall）出生于巴塞罗那，演奏中世纪、文艺复兴及巴洛克时期的作品，在古乐领域赢得了较高声誉。同时，萨瓦尔所创立的最著名的唱片品牌AliaVox，也已经成为了巴塞罗那的一个文化标志。萨瓦尔1989年创建的巴洛克和古典乐团国家协奏团（Le Concert des Nations），灵活机动，在需要的时候可以以小编制演奏库泊兰的音乐，也同样可以演奏大编制的博凯里尼或者莫扎特的管弦乐作品。 路易吉·博凯里尼（Luigi Boccherini，1743年-1805年5月28日）意大利作曲家、大提琴家。博凯里尼是一位多产的作曲家，特别是在室内乐创作方面，构建起一种独具特色且极为精致的音乐风格；他也是维也纳古典主义时期拉丁民族器乐音乐的重要代表人物。 博凯里尼是最早在大提琴上使用拇指把位（thumb position）以及双音（double stop）技术的人，他对于18世纪后半期的大提琴演奏影响非常深远，而且在海顿(J. Haydn)之前就写下引起轰动的弦乐四重奏曲。博凯里尼的作品继承了意大利的器乐传统，旋律优雅，力度富于变化，大提琴曲则充分发挥了这种乐器的特色。 《C大调五重奏》作品30，此曲是以马德里街头的流行音乐为素材。一开始，博凯里尼拒绝他在巴黎的出版商将这个谱子公诸于众，留下一句这样的慨叹：“不！不！我不觉得它适合那些欧洲的音乐家，他们完全不会理解这个！”他的理由是什么呢？“需要用不高雅的方式演奏”（senza grazia）！在他的理解里，大概只有那些马德里的本地音乐家能熟稔这种调子吧。不过到了后来，这首曲子太风靡了，以至于博凯里尼只好让它在巴黎出版。 此曲里，乐谱上写明了诸如“大提琴需要放在膝盖上，像一把吉他一样弹拨”这样的注释。一点儿也不错，注释里的意思是，你需要像弹吉他一样用指甲拨奏大提琴的弦，以取得一种有竖琴一般明亮效果的急速琶音。但现在的巴洛克乐团里，大提琴手没法这样放在膝盖上演奏，因为要迅速更换到拉奏姿势实在有点不方便。但是小提琴家们都照做了。

这张3CD专辑是钢琴家埃德温·菲舍尔1933-1947年间的录音室录音全集，他与多支乐团合作，演奏莫扎特的五部《钢琴协奏曲》、《回旋曲》、《小步舞曲》、《幻想曲》、《浪漫曲》、《第10、11钢琴奏鸣曲》；海顿《D大调协奏曲》。埃德温·菲舍尔并不是一位手指技巧过硬、手指犹如机器般精确完美的钢琴家，也没有所罗门那种晶莹优美的音色。既不是技巧大师、也不是音色大师，那他的名望是建筑在什么之上的呢？我觉得是一种对音乐表情、气氛、情境的准确理解、表达，有一种类似人声叙说般的合理分句和生动“语气”——在富特文格勒的指挥艺术中，这也是很突出的一个特点。当我说到“类似人声”，并不是说类似人声歌唱的“优美歌唱性”（这也是一些演奏家的特长），而是指类似人声“宣叙”“朗诵”的语气。乐句的呼吸停顿、抑扬起伏，都有着合乎作品内容需要的语气，因此能借此塑造出作品的氛围、情境、艺术意境。所以聆听他的演奏（包括聆听施纳贝尔的演奏、富特文格勒的指挥等），要注意的是他如何塑造乐句。不要去特别关注那些技术细节，而要去注意大的乐句、大线条的语气和起伏。 埃德温·菲舍尔最好状态的录音，是1930年代。尽管他的硬技巧欠佳，但在某些情况下，他的发音之美几乎无人能及，展现了自由速度和音色变化的完美结合，演奏既表现出那种至深至高的探索，又完全不显得沉重。莫扎特的作品也是埃德温·菲舍尔所擅长的，他曾被描述为“为演奏莫扎特而生的钢琴家”，这3张CD中的精彩录音就证明了这一点。

这套专辑是钢琴家埃德温·菲舍尔1933-1947年间的录音室录音全集，他与多支乐团合作，演奏莫扎特的五部《钢琴协奏曲》、《回旋曲》、《小步舞曲》、《幻想曲》、《浪漫曲》、《第10、11钢琴奏鸣曲》；海顿《D大调协奏曲》。埃德温·菲舍尔并不是一位手指技巧过硬、手指犹如机器般精确完美的钢琴家，也没有所罗门那种晶莹优美的音色。既不是技巧大师、也不是音色大师，那他的名望是建筑在什么之上的呢？我觉得是一种对音乐表情、气氛、情境的准确理解、表达，有一种类似人声叙说般的合理分句和生动“语气”——在富特文格勒的指挥艺术中，这也是很突出的一个特点。当我说到“类似人声”，并不是说类似人声歌唱的“优美歌唱性”（这也是一些演奏家的特长），而是指类似人声“宣叙”“朗诵”的语气。乐句的呼吸停顿、抑扬起伏，都有着合乎作品内容需要的语气，因此能借此塑造出作品的氛围、情境、艺术意境。所以聆听他的演奏（包括聆听施纳贝尔的演奏、富特文格勒的指挥等），要注意的是他如何塑造乐句。不要去特别关注那些技术细节，而要去注意大的乐句、大线条的语气和起伏。 埃德温·菲舍尔最好状态的录音，是1930年代。尽管他的硬技巧欠佳，但在某些情况下，他的发音之美几乎无人能及，展现了自由速度和音色变化的完美结合，演奏既表现出那种至深至高的探索，又完全不显得沉重。莫扎特的作品也是埃德温·菲舍尔所擅长的，他曾被描述为“为演奏莫扎特而生的钢琴家”，这3张CD中的精彩录音就证明了这一点。