宝碟王

这张专辑是钢琴家凯瑟琳·隆的演奏录音，收录了四个录音。

这套专辑收录了传奇钢琴家布鲁斯·亨格福德的代表性演奏录音，包括贝多芬的“悲怆”、“月光”、“暴风雨”、“黎明”等8部钢琴奏鸣曲、第四钢琴协奏曲、舒伯特的奏鸣曲和幻想曲以及勃拉姆斯、肖邦的几首作品。 早逝的澳大利亚钢琴家Bruce Hungerford演奏的8首贝多芬钢琴奏鸣曲，我原本是提不起兴趣的，因为我完全不了解他，而且我也不相信澳大利亚能出什么大师，因为那里实在缺乏深厚的土壤。然而哥们提醒我说，他是Ignaz Friedman的弟子，这让我一震，因为我是知道大神弗里德曼确实很早就移居澳洲了，记得我当时点开这套录音，《悲怆》与《月光》实在是被演奏太多的曲目，我感觉Bruce Hungerford的演奏非常的快速而且精确，是德奥风格的演出，但是总觉得缺少了一些感情，过于冷峻了。 然而这一印象在《暴风雨》中完全打破了，他的音色开始变暖，开始充满感情。《华尔斯坦》里，他的开头依然弹的飞快而且结构清晰，与古尔达的风格完全一致，从第二乐章开始，音色又再次转暖，充满感情。我逐渐明白，他是一位技巧无懈可击，强调对比，而且非常注重乐曲架构的钢琴家。于是我开始听他的最后三首钢琴奏鸣曲，我知道这是真正的试金石。 当时听罢，我已知道，这是可以与鲁道夫塞尔金，威廉肯普夫，弗里德里希古尔达一个级别的贝多芬演奏大师，而且他的情感不是耽溺出来的，而是倾泻出来的，用一种完美的技巧来表达的。在贝多芬晚期最完美的几个慢板里，他缓缓弹出了深沉的意味，这是总结性的演出，这是晚期贝多芬想说的话，他竟都懂了。

这套专辑是杨颂格·卡奇泽指挥苏联广播电视交响乐团，演奏哈恰图良的芭蕾舞剧全本《加雅涅》（1957年版）。 阿拉姆·伊利奇·哈恰图良 (Aram Ilyich Khachaturian，1903-1978），出生于格鲁吉亚第比利斯，前苏联作曲家、指挥家。他的创作汲取了故乡亚美尼亚的民间营养以及高加索地区的多民族传统音乐精华，音乐语言具有鲜明的民族色彩，富有浓郁的亚美尼亚情调，因而在二十世纪苏联乐坛独树一帜。另外，哈恰图良还受法国印象主义的影响，他的作品以热情、乐观、富于色彩、旋律丰富和高度的技巧性见长。 人们非常熟悉的那首热烈、狂放的《马刀舞曲》，便选自《加雅涅》。由于在很多年里欧洲音乐爱好者对哈恰图良的了解几乎仅限于此曲，很多人称他为“马刀舞曲先生”。 芭蕾舞剧《加雅涅》是1939年哈恰图良根据米高扬的建议，为亚美尼亚艺术节而创作的，原名为《幸福》。1942年，哈恰图良把剧情改写成描写在亚美尼亚边境集体农庄工作的年轻姑娘加雅涅的故事发表。同年12月9日此剧由苏联著名的舞蹈家阿妮西莫娃（Nina Anisimova）主演、由列宁格勒基洛夫模范歌舞剧院于彼尔姆首演。作曲家哈恰图良也因该剧的公演而获得当年的斯大林奖。 《加雅涅》这部舞剧的灵魂与活力集中体现在哈恰图良的音乐中。音乐最突出的一点是鲜明的民族特征，贯穿在全部作品中的民族民间音乐的音调、旋律、节奏，比哈恰图良以往的音乐作品更直接、更丰富、更生动。《加雅涅》舞剧音乐是民族音乐大聚会，令人耳目一新。其中库尔德人、格鲁吉亚人、乌克兰人、俄罗斯人等不同民族的民间歌舞，获得了广泛的展现，丰富的民族民间音乐的源流荟萃，使舞剧的音乐色彩绚丽浓烈，充满了活力。哈恰图良运用了七首亚美尼亚的民歌、两首俄罗斯舞曲、一首乌克兰的戈帕克以及一首格鲁吉亚舞曲作为素材进行创作。

这张专辑是布达佩斯弦乐四重奏团演奏德彪西、拉威尔的弦乐四重奏。 布达佩斯弦乐四重奏（Budapest String Quartet）于1917年在匈牙利首都布达佩斯成立，原本由匈牙利音乐家组成，但是1930年成员都变成了犹太裔俄国人。1950年代，在首席小提琴演奏家Joseph Roisman的带领下，乐团达到了巅峰。1938年乐团迁往美国，在1938年至1962年期间，乐团以美国国会图书馆作为驻地，这让他们可以随意使用馆内珍藏的斯特拉迪瓦里名琴。无论是平日的演出，还是在录音当中，他们都使用这些名琴进行表演，很多录音在图书馆中进行。乐团于1967年成立50周年之际解散。 拉威尔《F大调弦乐四重奏》作于1904年，题献给他的老师福雷。这是拉威尔唯一的一部弦乐四重奏，从作品的流畅与对形式的掌握，使其成为拉威尔早期成熟的代表作，绝不是一个学生的涂鸦之作。此曲四个乐章基本保持了传统奏鸣交响套曲的组合原则，如注重各乐章速度、调性的对比，首尾乐章采用奏鸣曲式，中间乐章采用歌谣曲式等传统模式。但在套曲组合关系中也有很多特点，首先打破维也纳古典乐派常用的体裁与速度对比，即改变一般快板、慢板、小步舞曲。这里面有许多慵懒的惬意，而且旋律被和声装扮得光彩绰约，繁花似锦。仿佛是一个在树林里午睡的刚醒的女子，一脸天真无辜的模样，衣裙上还沾着细碎的草叶和花瓣，坐在地上，竭力要弄懂睁开眼后看到的这个世界。 德彪西《g小调弦乐四重奏》作品10，作于1892年。这部作品的旋律是复杂而非歌唱性的，第二乐章拨奏的铿锵和第三乐章的缠绵形成鲜明的对比。此曲选用法国近代乐派采用的循环主题法，共四个乐章。

这张专辑是郑京和演奏的经典小提琴小品，她的演奏由早年的热情奔放、活力四射转变为沉稳内敛，更具可堪咀嚼的深度和具有“声已尽而意无穷”的余韵。录音非常出色，小提琴的音色娇柔优雅，而乐段的动态与张力则极具气势（伴奏的钢琴尤其犀利）

这张专辑是钢琴家拉罗查与布果斯指挥的伦敦爱乐乐团合作，演奏哈恰图良、弗兰克的钢琴作品，附带她独奏的李斯特《b小调钢琴奏鸣曲》。 哈恰图良《降D大调钢琴协奏曲》作品38，作于1935年。当时哈恰图良在莫斯科音乐学院就读研究生，创作技法渐趋于成熟。这是一部享有世界声誉的佳作，具有性格坦成直率、情绪乐观明快、气质灼热炽烈的风格。

这张专辑是日本钢琴家辻井伸行演奏肖邦的钢琴独奏作品，包括《自然的行板与辉煌波兰舞曲》、《第一叙事曲》、四首《马祖卡舞曲》、两首《夜曲》、《f小调幻想曲》。辻井伸行不只拥有高超的琴艺，他用溢满光彩的音乐赞颂生命，也让听者的心感受到积极。正是人性的光明与情感，让技艺高于表现形式，超脱苦难，成就了艺术。

这张专辑是荷兰大提琴家加琳·威尔森与钢琴家希尔克·阿文豪斯合作，演奏贝多芬、舒曼的大提琴作品。 贝多芬《C大调第四大提琴奏鸣曲》作品102第一首，作于1815年，呈献给艾德蒂伯爵夫人。此曲的结构极其自由，是从头到尾连续演奏的幻想曲风格奏鸣曲。此曲时而表达抑郁、时而表达苦笑、时而又表达幽默，被认为是贝多芬晚期作品的开端。 贝多芬《D大调第五大提琴奏鸣曲》作品102第二首，作于1815年。此曲在各乐章中使用的对位、终乐章中使用的赋格手法，都达到炉火纯青的地步，是贝多芬五部大提琴奏鸣曲中最出色的一部。 舒曼《三首幻想小品》作品73，作于1849年。此曲是舒曼为数不多的管乐作品之一，原是为A调单簧管与钢琴而作，后被改编为大提琴的演奏版本，足以见其流传度之广。或许是因为舒曼的浪漫主义情怀赋予了这部作品特有的抒情性与歌唱性，使其以与众不同的风格在大提琴的作品序列中独树一帜。舒曼的作品并不以技巧性见长，如歌般的旋律和如诗般的意境才是人们喜爱其音乐的原因。 舒曼《五首民谣小品》作品102，作于1849年。此曲是舒曼为大提琴家格拉包所写的小品集，充满如诗般语调的美感。从标题民谣的字眼可以了解到作品含有民谣的素材。但使用民谣元素并非重点，民谣的字眼，衬托出简单中带有极大情绪起伏，此处的民谣风是舒曼追求纯粹的人性的渴望，以及对1849年爆发战争及政治上的动荡，所展现的一种国家情怀的影射。

这张专辑是美国首屈一指的管风琴大师麦克·慕瑞在梅休因纪念音乐厅，演奏巴赫的管风琴作品。 在波士顿北部的小城市梅休因，有一座1909年建造的“梅休因纪念音乐厅”，安放着曾经风靡一时的德国瓦尔克公司打造的一架管风琴。这组庞然大物，有6088根音管及84支音栓，既是美国第一台专业演奏级管风琴，也是当时全美最大的管风琴。 在录音中，梅休因纪念音乐厅的丰富堂音晶莹剔透、温润醇厚；管风琴的澎湃低频，好似汹涌的海潮，一阵阵席卷而来，让听者连连赞叹，直呼过瘾。 在巴赫时代，使用“幻想曲”一词，是指想象的自由飞翔，在这样的一首作品里，作曲家将幻想曲与赋格曲结合在一起，在最自由的形式和最严格的形式之间，激起戏剧性的对比。最初，幻想曲是和管风琴与羽管键琴这两种在音乐史上起了非常重要作用的即兴演奏艺术联系在一起的，因此，巴赫的幻想曲，能使我们获得到一些巴罗克时期有关即兴演奏风格的感受，巴赫在世时，就曾以他所特有的即兴风格使所有的听众感到惊奇，这种风格中含有奇异，突然的情绪变化，意味深长的抒情，令人眼花缭乱的演奏技巧和丰富的，真正巴罗克式的创造。巴赫本人就是一位出色的演奏大师，对探索键盘上的所有技巧很有兴趣，而作为一个伟大的艺术家，他在运用这些技巧时，仅仅把它们当作表现思想和情感的手段。

这张专辑是小提琴家奈吉尔·甘乃迪与英国室内乐团合作的演奏录音，收录了很多最著名的小提琴作品，像马斯奈的《Meditation from Thais》、萨拉萨蒂的《流浪者之歌》等，还有像《Danny Boy》这样的民歌。甘乃迪用了有别于传统的演奏手法来演奏一些名曲，听起来是另外一种感觉，有人不喜欢这种改变，但有人却非常喜欢，究竟如何，你自己听听就知道了。