D02. Prelude Op.28 No.2 in a minor

这套合辑收录了约翰·威廉姆斯演奏巴赫作品的吉他改编版本，包括鲁特琴组曲、前奏曲与赋格、小提琴协奏曲、小提琴组曲、奏鸣曲、三重奏鸣曲、意大利协奏曲、法国组曲、英国组曲等。 巴赫的4首鲁特琴组曲分别是：第一号，E小调，BWV996，共包括：1.前奏曲，急板，2.阿勒曼舞曲，3.库朗舞曲，4.萨拉班德舞曲，5.布列舞曲，6.吉格舞曲。第二号，C小调，BWV997，共包括：1.前奏曲，赋格，2.萨拉班德舞曲，3.吉格舞曲。第三号，G小调，BWV995，共包括：1.前奏曲，急板，2.阿勒曼舞曲，3.库朗舞曲，4.萨拉班德舞曲，5.嘉禾舞曲，6.吉格舞曲。第四号，E大调，BWV1006a；共包括：1.前奏曲，2.路尔舞曲，3.嘉禾舞曲和回旋曲，4.小步舞曲1和2，5.布列舞曲，6.吉格舞曲。 巴赫的音乐，用后世的吉他来表现，并不是为了发挥吉他乐器本身的性能，而是为了其音乐的本质。因此，用现在的鲁特琴或者吉他来演奏这些作品，不仅是可能，同时也拥有高度的艺术性，可说是一种理解性的正当遗产。

这张专辑收录女高音歌唱家张立萍演唱的18首舒伯特艺术歌曲，包括耳熟能详的《小夜曲》和《圣母颂》。张立萍表示：“这应该是中国歌唱家第一次录制整张舒伯特艺术歌曲专辑，在艺术上也绝对有信心与国际上一流的舒伯特歌曲专辑对话。”长期以来对德文艺术歌曲的热爱，让张立萍萌生了录制舒伯特艺术歌曲的念头。“德奥艺术歌曲中的语言，有很多宗教道理及哲学内涵，包括对人生的指导、对爱情的描述、对自然的歌颂等等，这些词让人在烦躁的社会工作之余，得到心灵的平静”张立萍说，“我回国这么多年，平时工作之余，回到家总想听听这些东西，感受诗人、音乐家对人生的思考和态度，对大自然的热爱，还有那种虔诚的心灵的安静，这是现在我们很需要的东西。平时很累的时候就会想静下心来听听这些歌，唱唱这些歌。”

这套5CD合辑收录了小提琴家鲁杰罗·里奇1950-1960年的演奏录音，包括帕格尼尼、拉威尔、理查·施特劳斯、韦伯、萨拉萨蒂、圣-桑、拉罗、欣德密特、普罗科菲耶夫、哈恰图良的小提琴作品。

这张专辑收录了钢琴家鲁宾斯坦的演奏录音：1、与多拉蒂指挥的伦敦爱乐乐团合作，演奏贝多芬《第四钢琴协奏曲》，1967年12月7日在伦敦皇家节日音乐厅录制；2、与舒瓦兹指挥的BBC交响乐团合作，演奏圣-桑《第二钢琴协奏曲》，1957年11月27日在伦敦皇家节日音乐厅录制；3、独奏维拉-罗伯斯的钢琴套曲《洋娃娃家族》第一部的其中三首作品、肖邦的《练习曲》、《谐谑曲》各一首。 贝多芬《G大调第四钢琴协奏曲》作品58，作于1805年至1806年间。在这部作品中，贝多芬开创了一个全新的钢琴协奏曲形式，开篇即由钢琴独奏出第一主题，并且这是一部异常柔美的协奏曲。 圣桑《g小调第二钢琴协奏曲》作品22，完成于1868年。圣桑的整体音乐风格继承了法国传统音乐的高雅、严谨风格，同时也不缺乏适时的创新。圣桑比较注重对作品内在神韵与情感的追求，因此，我们能够在这首钢琴曲中看到较为规整的结构和优美的旋律线条。《第二钢琴协奏曲》有着十分美妙、清新与优雅的音乐风格。乐曲的音响明朗流畅，能够让欣赏者的精神缓缓放松，愉悦而轻松。圣桑在演奏技法方面也体现出清晰、统一的风格特点，旋律端庄而优美，如同少女的唱歌。《第二钢琴协奏曲》的每个细节都非常感人，可以充分体现出作曲家对作品的精益求精。协奏曲没有独特的形式，也没有慢速度的中间乐章，取而代之的是活泼生动的谐谑曲。《第二钢琴协奏曲》不仅有高难度的演奏技术，还有丰富的音乐表现力。这部协奏曲比较注重对演奏部分的烘托，使钢琴与其他乐器合作时，能够产生恢宏大气的音响效果。而且整部作品的布局也能够充分体现出圣桑对音乐形式、情感及层次感的注重。 维拉-罗伯斯《洋娃娃家族》钢琴套曲第一部，完成于1918年。此曲描绘的是洋娃娃不同的个性及气质。《洋娃娃家族》第一部“洋娃娃”是三部钢琴套曲中最出色，也是最闻名的一部，其中的第七首《小丑》是钢琴家鲁宾斯坦的保留曲和返场曲。除了这第七首外，其他每首作品都有两个标题，其中一个是做玩具的布料，另一个则是玩具的特征。

这套合辑是莱因斯多夫指挥皇家爱乐乐团，演奏莫扎特的41部交响曲。在这套莱因斯多夫演绎的作品中，音乐的神韵与声音的魅力是紧密相连的，而对节奏完美的无条件关注永远不会以牺牲自由的听觉为代价。在这方面，莱因斯多夫划时代的莫扎特交响曲录音仍然是新鲜的和永恒的，即使对今天的听众也是如此。 莱因斯多夫在指挥莫扎特时最关心的是清晰，换句话说，他费尽心思通过声音这一媒介把乐谱的内容传达给听众的理解。在表面上“毫无疑问”的早期交响乐中的主要路线，特别是在交响乐的开场乐章中。第29交响曲K201(186a)，从不主张独断的摇摆，而是在琴弦的纹理中占据首位，从而确保半透明的声音画面，反过来允许听众获得启发的见解，进入作曲家的形式结构、和声发展。与此同时，莱因斯多夫揭示了一个良好发展的乐句音乐特征的感觉。以《第一交响曲》的快板为例。第27交响曲K199(161b)，正如第一个主题是清晰而明确的，第二个主题是温柔、活泼甚至轻快的。每个短乐句都有自己的内在生命。 重复的乐段总是被省略，也许反映了当时的惯例，或许也因为LP唱片的时间限制，莱因斯多夫通常会缩减莫扎特的交响曲的时长，从《F大调第一部交响曲》中可以清楚地看到。《第18交响曲》K130，在早期的作品中，长笛具有色彩的功能，用它们自己的旋律线来填充背景而不是干扰音乐的行进。这种色彩缤纷的声音写在Andantino grazioso中有一种独特的美，在拨奏低音和柔和的小提琴背景下展开。与此同时，当莱因斯多夫想要制造出一种富丽堂皇的、近乎歌剧般的声音时，他也毫不犹豫，就像在《巴黎》第一号交响曲中那样。《第31交响曲》K297(300)，演奏使用了长笛、双簧管、单簧管、巴松管、小号和定音鼓，莫扎特自豪地指出，这是他第一次使用单簧管的交响曲。在莱因斯多夫的诠释中，作曲家的自豪感几乎是显而易见的，这种诠释的特点是对作品音调的纯粹喜悦。

这套合辑是钢琴家切尔卡斯基1923-1960年的演奏录音精选。其中钢琴独奏部分包括：李斯特、肖邦、舒伯特、斯特拉文斯基、舒曼、门德尔松、勃拉姆斯等的作品；协奏曲包括：李斯特、柴科夫斯基、普罗科菲耶夫、肖斯塔科维奇的作品；还有一部拉赫玛尼诺夫的大提琴奏鸣曲。英国著名音乐杂志《留声机》这样评价切尔卡斯基：“没有切尔卡斯基的生活是不一样的，但记忆依然存在。”切尔卡斯基是钢琴家中最后一位伟大的浪漫主义者，也是肖邦和李斯特最重要的诠释者之一。

这张专辑是吉他演奏家杰森·维奥克斯1995年6月的录音，他的演奏轻松、自然，拥有天然乐感。 杰森·维奥克斯（Jason Vieaux）1973年生于美国纽约布法罗。来自纽约州西部城市布法罗的杰森 维奥克斯，9岁开始学习吉他，12岁首次登台演出。1992年，当他19岁时，他在80名竞争者中脱颖而出，成为著名的美国吉他基金会国际吉他大赛历史上最年轻的冠军获得者。此后，遍及美法53个城市的巡回演出更是将维奥克斯的声望推到了顶点。在巡回演出后不久，他又和克里弗兰管弦乐团以及指挥家Jahja Ling合作，首次登台演出了罗德里戈著名的《阿兰胡埃斯吉他协奏曲》。 维奥克斯是最令人激动的吉他演奏家之一。轻松的演奏、自然的乐感、优雅的举止令他在全世界广受欢迎，也让他的音乐会日程表排得满满的。西班牙、法国、加拿大、墨西哥、东南亚、新西兰……他的音乐之旅已经从美国延伸到了世界各地。他现在居住在美国俄亥俄的克里弗兰，是当地克里弗兰音乐学院吉他系的主要负责人。 如今，技巧完美的演奏家比比皆是，然而象维奥克斯这般拥有天然乐感的却十分罕见。他的表达自然而无从模仿，一个永远不会让我们失望的演奏者。

这张专辑是小提琴家露西·范·戴尔与羽管键琴家鲍勃·范·阿斯普伦合作，演奏巴赫的两部《小提琴与羽管键琴奏鸣曲》。

这张专辑是是大卫·奥伊斯特拉赫与儿子伊戈尔·奥伊斯特拉赫合作，演奏莫扎特《交响协奏曲》、《小提琴与中提琴二重奏》。由康德拉辛指挥莫斯科爱乐乐团担任协奏；大卫·奥伊斯特拉赫与雅沙·霍伦斯坦指挥的伦敦交响乐团合作，演奏布鲁赫《苏格兰幻想曲》；与保罗·欣德米特指挥的伦敦交响乐团合作，演奏欣德米特《小提琴协奏曲》。这张著名古典发烧天碟的母带，采用最新的96kHz、24位超级数码转换。声音比老版本更加细腻、温暖，更接近模拟LP的播放效果。 很少有人可以在听见大卫·奥伊斯特拉赫的小提琴演奏之后而不动容。作品K364的创作背景相当感人，莫扎特在1779年，遭逢恋情不顺的挫败与母亲辞世两大人生变故后，内心的转变已从少不更事的少年，转为大人般的成熟。在第二乐章中，莫扎特以小提琴象征自己、中提琴象征父亲，展开一段犹如父子间的音乐对话。莫扎特的音乐大部分都是令人轻松愉悦浪漫的，但这张作品反映了他悲伤和失去心爱的人。小提琴巨匠大卫·奥伊斯特拉赫与儿子伊戈尔·奥伊斯特拉赫之间的音乐对话，更是将哀伤的小提琴独白与父亲中提琴的安慰，诠释的令人动容。 录音中小提琴的细腻琴音柔密而丝丝入扣，而中提琴的温润光泽音色更是让两种情绪之间的调性演绎得出色异常。著名指挥家康德拉辛棒下的莫斯科爱乐乐团，整体共鸣比例正确，没有丝毫不足的默契，弦乐器录得既真实又饱满，堪称弦乐器的绝佳示范片。

这张专辑是古典吉他、鲁特琴演奏家朱利安·布里姆，演奏约翰·道兰德的鲁特琴音乐与舞曲。布里姆是把16世纪伊丽莎白一世时代的妙音佳作搬上现代舞台的第一功臣，英国文艺复兴时期的王牌作曲家约翰·道兰德的多情经典经由他的婆娑指尖闪耀今宵。 在布里姆时代，大部分世界顶级吉他演奏家们的右手都是塔雷加式的姿势，即，大拇指大幅度外放，其他手指相对并拢且与琴弦呈近90度角。布里姆、威廉姆斯、耶佩斯皆是如此，何况彼时的吉他皇帝安德烈·塞戈维亚有着甚于90度角的右手拨弦姿势。这种手势配合相应的指甲形状，让音色规整有力，坚而不炸、软而不塌、迅而不虚、缓而不粘，是以风靡那个时代。布里姆如法炮制，用同样的手法演奏鲁特琴。然而，他的鲁特琴是特制的，抑或说，那个时代的鲁特琴制作工艺都是以吉他的声学构思来仿制，介于文艺复兴鲁特琴与巴洛克鲁特琴之间，这样做出来的鲁特琴，有着跟吉他相似的琴弦张力和色彩变换，加上当时尼龙琴弦的普及，手指触感无二。以布里姆的手劲能让鲁特琴音色不破，足以证明那个时代的鲁特琴制作工艺是直接以吉他做参考，鲁特琴的制作更像是依葫芦画瓢。 从最广义的当代吉他发展史来说，布里姆功在千秋，“鲁特琴大家”当之无愧。沉睡几百年的鲁特琴能够在二战后的混凝土中再生萌芽，在新思潮的烟云间浊浪清霞，很大程度上拜他所赐。