桑多尔·韦格《莫扎特·小夜曲、嬉游曲》
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桑多尔·韦格《莫扎特·小夜曲、嬉游曲》

这张专辑是匈牙利著名小提琴家桑多尔·韦格指挥萨尔兹堡室内乐团,演奏莫扎特《小夜曲、嬉游曲》。 这是一张深受世人欢迎的发烧盘,收录了莫扎特最著名的小夜曲与嬉游曲,再加上韦格优秀的演绎,而且录音堪称典范级,高中低各个频段都清晰扎实,整体效果平衡而充满色彩感。著名的《企鹅唱片指南》给予三星评价,让这张唱片无懈可击。现在采用24位XRCD技术重新制作,无论音乐感、解析力、音色和空间感都比旧版胜出许多,令原本的天碟级录音更添色彩。 优越的录音再现了杰出演奏的所有细节,平衡度极佳,听过这个录音后,你得承认它有极大的可能将作为这些曲目的最完美的一个版本。萨尔兹堡室内乐团是演绎莫扎特作品的专业音乐团队,乐手们的配合整齐精炼,表达效果极为明快,乐曲的速度进行得恰到好处,声部突出得开敛有当,显示了作为演奏莫扎特的特殊乐团在传统做法上的无比卓越。陈煐光评价:Sandor Vegh指挥Camerata Salzburg演出《Eine Kleine Nachtmusik》不独演奏好,连录音也可以列入示范级,弦乐音色可圈可点,松香味十足,残响也属适量,用屏风喇叭播放,除了高频最尽头有少许数码味之外,其余部分属天碟级。 《G大调弦乐小夜曲》K.525,此曲是十八世纪中叶器乐小夜曲的典范,莫扎特于1787年8月24日在维也纳完成,并以当时最时髦的德文用语Eine Kleine Nachtmusik《一首小夜曲》命名。最早为弦乐合奏,后被改编为弦乐五重奏和弦乐四重奏,尤以弦乐四重奏最为流行,它是莫扎特所作十多首组曲型小夜曲中最受欢迎的一首。 《降B大调嬉游曲》K.136、《降B大调嬉游曲》K.137,这两首嬉游曲是莫扎特十六岁时的杰出作品,尤其是前者更透出一种清新、流畅、洒脱、愉悦的阳光气质。韦格和萨尔兹堡室内乐团赋予了曲目极为优秀的表现力。
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富特文格勒《二战时期的贝多芬作品录音》
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这套合辑收录了指挥大师富特文格勒1940-1944年间指挥演奏贝多芬作品的录音,合作乐团是柏林爱乐乐团、维也纳爱乐乐团。这是音乐史上不可多得的经典之作,展现了富特文格勒独特的艺术风格,反映了战争时期人类情感与思想的深刻变化。
约翰·威廉姆斯《西班牙音乐》
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这张专辑是吉他大师约翰·威廉姆斯演奏西班牙音乐作品。他演奏的音色高贵、气质典雅,又不乏西班牙式的热情。无论是阿尔班尼兹的《探戈舞曲》、法拉的《渔歌》、托罗瓦《草莓》,或葛拉纳多斯的《戈雅的美女》等,他都能以真率情感娓娓述说音乐中蕴含的有情世界;亦或是热情奔放、或温柔婉约,彷彿带领聆听者进行一趟充满西班牙风情的音乐之旅。 这张专辑的核心价值在于,约翰·威廉姆斯将大量原本为钢琴、管弦乐或其他乐器创作的西班牙音乐,首次改编并录制为吉他版本,极大地拓展了吉他的表现力。专辑收录了两首具有里程碑意义的首次录音改编曲,阿尔贝尼兹的《Cordoba》和格拉纳多斯的《Valses Poeticos》,约翰·威廉姆斯用吉他重新诠释了这些作品,证明了吉他不仅是伴奏乐器,更是表达复杂情感和宏大结构的独奏乐器。 专辑跨越了从巴洛克时期的桑斯,到浪漫主义的阿尔贝尼兹、格拉纳多斯,再到20世纪的法雅、罗德里戈,展现了西班牙音乐从民间舞曲到严肃艺术的完整脉络。约翰·威廉姆斯的演奏兼具精准的技巧和深刻的情感。他的音色温暖而富有层次,既能表现出《Asturias》的磅礴气势,也能细腻地传达《Cordoba》中对科尔多瓦古城的诗意描绘。
哈丝姬尔《莫扎特·第13、20钢琴协奏曲
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这张专辑是钢琴大师克拉拉·哈丝姬尔演奏莫扎特《第13、20钢琴协奏曲》、《F大调钢琴奏鸣曲K.280》、《C大调变奏曲K.265》。 《d小调第二十钢琴协奏曲》K.466是莫扎特最具浪漫气质和悲剧气氛的作品,在这个1977年录音中,哈丝姬尔与指挥家弗里乔依率领的柏林RIAS交响乐团合作演奏, 表现出来的是一种清澄明澈的基调,如历尽苦厄的顿悟、雨后初晴的明媚。 《C大调第13钢琴协奏曲》K.415是1961年哈丝姬尔与指挥家鲍姆加特率领的瑞士琉森节日弦乐团合作的演奏,格调高贵端庄,有一种远离尘嚣的脱俗、晴雪满江的清奇。而同样在1961年录音的《F大调钢琴奏鸣曲K.280》、《C大调变奏曲K.265》则是工整中不失灵气。
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斯托科夫斯基《巴赫·亨德尔·改编作品》
斯托科夫斯基《巴赫·亨德尔·改编作品》
这张专辑包括两个部分:1、斯托科夫斯基指挥伦敦交响乐团,演奏8首改编的巴赫作品,1961年录音;2、斯托科夫斯基指挥RCA胜利交响乐团,演奏亨德尔《皇家焰火音乐》,1974年录音。 斯托科夫斯基不仅是一位出色的指挥家,还因为改编非交响曲作品而闻名。他一共有约200首管弦乐改编曲,其中近40首是J.S.巴赫的作品。1920-30年代,斯托科夫斯基改编了许多巴赫的键盘和器乐作品,以及歌曲和康塔塔段落,既有使用大交响乐队的,也有只使用弦乐的。尽管斯托科夫斯基本人也曾指出,巴赫自己就有改编别人(比如维瓦尔第)作品的癖好,但是某些纯粹主义者仍然将这些改编曲视为巴赫原作的仿冒品。 与斯托科夫斯基的年代相比,如今在音乐会或唱片中听到巴赫管风琴作品大多以其原有形式诠释。这些改编曲是否激起了人们对巴赫作品的兴趣还不得而知,但值得一提的是,斯托科夫斯基绝不是唯一一个将巴赫作品交响改编化的人,约翰·巴比罗利、迪米特里·米特罗普洛斯、尤金·奥曼蒂、奥托·克莱姆佩勒、埃里希·莱因斯多夫和马尔科姆·萨根特等指挥家,埃尔加、勋伯格、雷斯皮吉、雷格尔和霍尔斯特等作曲家都曾改编过。 总的说来,如今所有这些改编曲都受到了热烈欢迎,比如雷蒙德·图特尔曾写道:“值得铭记的是,如果没有斯托科夫斯基开启这扇门,许多人就无法进入巴赫的世界……斯托科夫斯基的巴赫是最好的音乐魔法”。但另一方面,前《纽约时报》音乐评论员哈罗德·勋伯格就对它们热情不高,他甚至在其《面对音乐》一书中写道:“偏好斯托科夫斯基的巴赫而不是巴赫原作是错误的。”
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20世纪伟大钢琴家《阿什肯纳齐》
20世纪伟大钢琴家《阿什肯纳齐》
这张专辑收录了弗拉基米尔·阿什肯纳齐演奏的录音,包括肖邦、李斯特、拉威尔、舒曼、拉赫玛尼诺夫的作品。专辑收录的肖邦作品正可欣赏阿什肯纳齐年轻时期的奇妙丰采,其中最好的例子就是他对三首中篇练习曲完全掌控的能力与完美的克服曲中艰难技巧部份。无论从什么角度来看,阿什肯纳齐的诠释都应该算是为这些乐曲开启历史新页。以前的钢琴家(其实只需要回想罗森塔尔十足迷人的《降A大调练习曲》)惯于降低乐曲的动态以期仍能保有圆润美丽的音色。阿什肯纳齐在七零年代试着重新以肖邦式的个人观点来诠释李斯特。他在纽约演出李斯特七首超技练习曲就收录在这套专辑中。当年这套录音在听众或乐评界都没有得到好评,因此阿什肯纳齐放弃弹奏完整的十二首练习曲以及向《B小调奏鸣曲》挑战。经过二十多年的沉淀,有人会认为阿什肯纳齐不缺超凡的技巧,也不乏热情与活力来探索李斯特的作品,或许他唯一欠缺的是碰触到世俗一般人的喜好(例如:《第一号梅菲斯托圆舞曲》中段部份)。李斯特之后的曲子是拉威尔《加斯巴之夜》。在这首曲子里(依我的看法,特别是在),阿什肯纳齐的演出同样无可置疑的具有历史性意义。在我认为,能够拿来当成《加斯巴之夜》评比基准的版本包括吉泽金、米凯兰杰利与富兰梭瓦。阿什肯纳齐的诠释不乏丰富的音色,但是旋律线非常干净。低音声部与黑色浪漫主义色彩是这部作品最重要的基础,阿什肯纳齐的表现相当完美。无论李斯特还是拉威尔,阿什肯纳齐的表现就像一位杰出的雕塑家,其它诠释者则是壁画家。
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特丽莎·皮蕾兹《超时空大提琴》
特丽莎·皮蕾兹《超时空大提琴》
来自美国的女大提琴家特丽莎·皮蕾兹,论知名度和灌录唱片的数量都不能和当代当红的大牌大提琴家相比,但这绝不意味着她是一位技艺平凡、缺乏内涵修养的音乐人,正相反,特丽莎·皮蕾兹是一位锐意求新求变,不拘泥于传统大提琴演奏模式的音乐家,她的这张《超时空大提琴》就以精湛的演绎和新颖而又不落俗套的编配手法,让听者耳目一新。 《超时空大提琴》其实是特丽莎·皮蕾个人精选辑,碟中的13首乐曲,是她分别与三组伴奏乐团合作灌录的。Track1~4录制于1995年9月,出自特丽莎几年前风靡发烧界的专辑《跨界大提琴》,合作者是哈罗尔德·法伯曼指挥的全明星敲击乐团(这队人马曾灌录另一张发烧天碟《敲击卡门》)。Track7、10录制于1999年10月,合作者是著名编曲家、钢琴家提姆·高曼与他组织的室内乐团,录音地点是著名的美国加州天行者录音室(该录音室是经典影片《星球大战》的音效制作机构,曾炮制过无数发烧录音)。其余7首乐曲录音时间和地点同Track7、10,但录音制作方式略有不同,合作者则换成作曲家提姆·詹尼斯和他组织的室内乐团。 应该说,《超时空大提琴》的卖点并不在炫技,特丽莎·皮蕾兹从头到尾并不刻意挑战高难度的技法,但她的演奏相当稳健,而且运弓非常富于歌唱性,让人听得很舒服。这张唱片最大的成功之处在于编曲者使原本大家都十分熟悉的音乐呈现出焕然一新的面貌,创意十足。像海顿的《小夜曲》、舒伯特的歌曲等这类通俗古典作品,用轻爵士乐的手法来编配,不仅不显得庸俗生硬,听起来反而像原本就是为演奏所写的乐曲那样自然巧妙。与特丽莎·皮蕾兹合作的三支乐团各具特色,表现都十分精彩。 这张唱片的音质之佳集中体现了SACD技术的优越性,主奏大提琴录制得太漂亮了!丰润温暖、细腻的音质是以往在传统CD录音上从未听到过的,足以与最佳效果的LP黑胶碟相比拟。出自《跨界大提琴》的Track1~4与原来已经很靓声的旧版24K金CD相比,在细节上要丰富得多,而动态范围也明显扩大不少。带有环绕声效果的乐曲与双声道立体的同曲版相比,令人产生分外强烈的置身现场感,伴奏乐团似乎围绕在听者周围,一件件乐器的发声定位清晰无比,恍若触手可及。Track13《绿袖子幻想曲》是以著名的英国民歌曲调改编的乐曲,音响画面绚丽多姿,电子乐器的点缀错落有致,敲击乐器的金属质感像真度极高,是极具考机价值的一曲。
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德沃夏克、圣-桑《大提琴协奏曲》
德沃夏克、圣-桑《大提琴协奏曲》
这张专辑是大提琴巨匠罗斯特洛波维奇早期的录音,包括与阿德里安·博尔特爵士指挥的皇家爱乐乐团合作,演奏德沃夏克《大提琴协奏曲》;与马尔科姆·萨金特爵士指挥的爱乐管弦乐团合作,演奏圣-桑《第一大提琴协奏曲》;与钢琴家Alexander Dedyukhin合作,演奏大卫·波泊尔、德彪西、斯克里亚宾、拉赫玛尼诺夫的大提琴与钢琴作品。 德沃夏克《b小调大提琴协奏曲》作于1894-1895年,是他的代表作之一,也是少数几部广受世人喜爱的大提琴协奏曲杰作之一。其内容的深度、鲜明的形象以及交响发展的规模等方面,更接近于他的最后两部交响曲,无疑都是它的成功所在。此曲可以说是作者停留美国期间的最后巨构,曲中旋律优美,更由于写作于美国,把美国的地方色彩和波希米亚民谣曲调巧妙地融合起来,产生独特的魅力。表达了作者对祖国和人民命运的思念,还有作者对初恋女友的哀悼,这些复杂的感情交织在一起,可以给人巨大的感动。 圣桑《A小调第一大提琴协奏曲》创作于1873年。这首作品模仿了舒曼的《大提琴协奏曲》和门德尔松的《小提琴协奏曲》,但是它只有一个乐章,因而在结构上不像这两首协奏曲那么正式。独奏乐器在第一小节就奏出了主部主题;奔泻而出的三连音音型、主题结束处的半音起伏进行,这些对整个作品都异常重要。当宁静的第二主题进入时,人们可能会认为这是古典奏鸣曲形式中的呈示部;然而简短的发展部(预示着尾声主题的一个新乐思在这里一闪而过)和接下来的几个不能被称作真正意义上的"再现部”小节,却将作品直接带进了下一个乐章(间奏部分)。这一乐章中乐队奏出的音乐有着小步舞曲的特点,然后便出现了双簧管以降B大调奏出的第一乐章的主部主题。
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贝多芬《大公三重奏、克罗采、魔笛变奏曲》
贝多芬《大公三重奏、克罗采、魔笛变奏曲》
这张专辑收录了贝多芬三部著名的室内乐作品:1、由小提琴家雅克·蒂博与钢琴家阿尔弗雷德·柯尔托合作的小提琴奏鸣曲《克罗采》;2、由大提琴家帕布罗·卡萨尔斯与钢琴家阿尔弗雷德·柯尔托合作的大提琴与钢琴变奏曲《魔笛》,这是两人组合的唯一录音;3、钢琴家阿尔弗雷德·柯尔托、小提琴家雅克·蒂博和大提琴家帕布罗·卡萨尔斯三人合作的钢琴三重奏《大公》。 1920-30年代,是欧洲艺术空前繁荣时期,特别是在号称欧洲心脏的巴黎,聚集了一大批颇具创新能力的艺术家。钢琴家阿尔弗雷德·柯尔托、小提琴家雅克·蒂博和大提琴家帕布罗·卡萨尔斯,以其精湛的演奏蜚声欧洲,号称黄金三重奏。幸亏现代录播技术的发展,留下了这套唱片,使我们能够领略这些大师演奏的风采。 先从录音上说,这张专辑由于录音年代久远,不可避免地留下噪音,除此之外,声音密度很好、清晰,弦乐声部极具质感,也很清新。小提琴的音质很美,特别是高音区并没有毛刺,大提琴温柔敦厚、富有质感,而钢琴声音很实,没有虚化和夸张,颗粒感很强。唱片的转录技术还是很优秀的。 三位大师,各不相让,但绝不是像当代一些所谓大师们那种呈现主体而不顾音乐的整体风格,而是和谐美妙地结合在一起。室内乐中,钢琴与小提琴的奏鸣曲,往往是二者的对话,互诉衷肠,而弦乐四重奏更多的是整齐合一、音响平衡。钢琴三重奏这种形式,则更多的是在差异中取得统一,是在竞技中达到和谐,这就为三件乐器的发挥展开了很大空间。听黄金三重奏组的唱片,就感觉三种乐器宛如家人,小提琴如妖媚的姑娘,风情万种,婀娜多姿,而钢琴则时而活泼、时而沉思,像是维特式的青年,而大提琴则沉稳如老祖父般质朴,帮助二位年轻人在激情中不失其庄重,有时质朴的琴声也会被他们而感染充满了激情。
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克莱伯《1949-1955录音集》
克莱伯《1949-1955录音集》
这套5CD合辑收录了指挥家埃里希·克莱伯与皇家音乐厅管弦乐团、维也纳爱乐乐团、科隆广播交响乐团、伦敦爱乐乐团合作,1949-1955年间的演奏录音。曲目包括贝多芬《第三、五、六、七、九交响曲》、韦伯《第一交响曲》、莫扎特《第39、40交响曲》、舒伯特《第九交响曲“伟大”》。 埃里希·克莱伯(Erich Kleiber,1890年8月5日-1956年1月27日)奥地利指挥家。有优异的节奏感,组织力强,是抒情风格的代表性指挥家,被认为是莫扎特、理查·斯特劳斯和贝尔格歌剧作品的杰出诠释者,他领导的柏林德国歌剧院在30年代达到了极高的世界声誉。同时,他指挥贝多芬、舒伯特等人的管弦乐也有极高的声誉,被称为“精巧细致的管弦乐指挥专家”。他指挥英国室内乐团演奏的蒙特威尔第与巴洛克作品,可堪称权威,而对巴洛克时期协奏曲的诠释尤其到位。埃里希·克莱伯之子卡洛斯·克莱伯也是20世纪一位卓有成就的指挥大师。 埃里希·克莱伯是20世纪为数不多可称得上伟大指挥家的人之一。他曾经说过一句话:音乐是给予每一个人的,就象太阳与空气一样。埃里希·克莱伯对于录音有着复杂的情感。一方面他认为演出者与听众之间存在着一种奇妙的关系。对他而言,录音只是一种贫乏的替代品:它让演出与独特的情绪僵化冻结,使得每一次聆听的感觉都一样,然而从来没有两个音乐演奏会是完全一样的。而另外一方面,他又颇有远见,他了解录音保存了音乐的演出,而且充满了娱乐性。 埃里希·克莱伯在演出前总是不厌其烦地钻研乐谱,演奏时严格遵循原谱指示,避免投入过多个人主观感情。他总能掌握住作品的整体性,以理性的态度寻求结构与情感要素的平衡,排斥错误的传统演奏方式。 在二战期间,埃里希·克莱伯曾经录制了许多78转的唱片,然而真正为他建立永久名声的录音却是他在战后为Decca唱片公司所录制的作品,也就是收录在这套合辑的录音。尽管这些录音还无法展现埃里希·克莱伯真正的音乐活力,却也让我们见证了他音乐生涯中所指挥作品的核心价值。
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阿劳《RCA、哥伦比亚唱片全集》
阿劳《RCA、哥伦比亚唱片全集》
这套12CD合辑是钢琴家阿劳在1941至1983年间为美国胜利唱片公司(Victor)与哥伦比亚唱片公司(Columbia)所录制的所有专辑汇总。其中1946年到1950年之间是阿劳第二次赴美拓展事业的高峰,唱片公司完全尊重他以艺术眼光对曲目所做的抉择。当时录制的曲目包括:理查·施特劳斯《滑稽曲》、韦伯《音乐会小品》、贝多芬《第21号钢琴奏鸣曲“华德斯坦”》、阿尔班尼士《伊贝利亚》等。 克劳迪奥·阿劳(Claudio Arrau,1903-1991)智利钢琴家。自幼有神童之称,曾到柏林求学,后定居纽约,持续其国际钢琴大师的演出生涯,誉满全球,公认是二十世纪最伟大的钢琴家之一。阿劳的演奏曲目范围十分广泛,从巴洛克到二十世纪的作品均有独到的建树,纯正严谨的古典风格与深刻的感情结合完美,并通过丰富的音色变化和辉煌的演奏技巧展现作曲家的音乐构思。录制了大量的唱片,是贝多芬、肖邦、舒曼、李斯特、勃拉姆斯作品的权威演奏家,最脍炙人口的录音是贝多芬钢琴奏鸣曲全集。 1914-1915年的乐季是他演奏生涯的大事,阿劳首次于柏林演出,先前他已经在德国以及斯堪地那维亚半岛上深入地拜访旅行,之后便展开了在欧洲各地所举行的一连串演奏会,他的演奏生涯也才正式确立。1921年阿劳首度回到南美洲,举办了数场音乐会,1922年第—次在伦敦登台。1924年回到母校Stern音乐院工作,直到1940年辞去职务。1927年因为获得日内瓦国际钢琴大赛首奖的肯定,使得他的声名更加稳固。1935年在柏林举行的一系列十二场的纪念音乐会中演奏了「音乐之父」巴赫的全部键盘作品,表现令人激赏。1940年离开柏林回到智利,在圣地亚哥创立钢琴学校。战争期间,阿劳完全投身在美国演奏,1941年举家迁往纽约定居。战后成了杰出的钢琴家之一,世界各地的演奏邀约不断。而这套合辑中的录音也因而开始于此。 无疑地,阿劳的音乐成就足以与布索尼、拉赫曼尼诺夫齐名,为本世纪杰出的钢琴家之一。他擅长演奏巴赫、莫扎特、贝多芬、肖邦、舒伯特、李斯特、舒曼、勃拉姆斯等传统音乐家的作品,对于阿尔班尼士、葛拉那多斯、德彪西、韦伯、理查·施特劳斯等近代作曲家的作品也十分在行。
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罗杰·瓦格纳合唱团《精选辑》
罗杰·瓦格纳合唱团《精选辑》
罗杰·瓦格纳合唱团是美国最优秀合唱团,可以把一些人们耳熟能详的歌曲演唱得非常有特色。 这张精选专辑分为三个部分:福斯特的歌曲、黑人灵歌和世界民谣,像《我的肯塔基故乡》、《噢!苏珊娜》、《故乡的古老民谣》、《美丽的梦中人》、《夏日最后一朵玫瑰》、《家,甜蜜的家》、《丹尼男孩》、《绿袖》等美妙的歌曲尽在其中。 福斯特的歌曲之前听过一些版本,包括著名的罗伯特·肖合唱团的,但最终选择了给人感觉更加丰富的罗杰·瓦格纳合唱团的。就拿《故乡的古老民谣》来说,后者的演唱确实能准确体现一个异乡人的心境,合唱宽广地向远方延展,中间一段男低音独唱,背景伴以合唱的轻声哼鸣,带着沉沉的怀乡之情。还有《美丽的梦中人》,“啊”音引导着梦境,男声合唱与女声哼唱的背景,交替着女声合唱与男声哼唱的背景,一个女声唱出梦中人的醉人歌声…… 黑人灵歌《深深的河流》演唱得非常厚实和宽阔,风格很像是赞美诗,歌中的“河流”指的是约旦河;《有时我感觉自己像个没有妈妈的孩子》和《无人知晓我所经历的痛苦》的独唱声部分别以女中音和次女高音担任,两位独唱者用的不是美声唱法,而是纯粹黑人灵歌式的民族唱法,在合唱中显得鹤立鸡群,尤其前一首歌曲的女中音低沉的演唱,可以用激情澎湃来形容,在歌声响起的那一刻,会让人想到《汤姆叔叔的小屋》。在这张专辑中,黑人灵歌虽然仅有四首,但却是最精彩的部分。
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