03. Kinderszenen Op.15 - 2. Kuriose Geschichte

这张专辑是安塞美指挥瑞士罗曼德管弦乐团，携手西班牙著名次女高音歌唱家特蕾莎·贝尔冈扎，演奏法雅《三角帽》、《人生朝露》。在这个录音效果很好的1961年立体声版本中，安塞美展示了他最敏感的一面，他与贝尔冈扎合作，用活力和色彩把整个演出渲染得特别兴奋，并用巨大的气势处理其中分句。 瑞士罗曼德管弦乐团是一个有特色的管弦乐团，其声音在1940年代就获得了世界性的关注，韵味浓厚而有活力，木管和打击乐在合奏中闪耀光彩。这个乐团具有法国和德国的双重特征，弦乐是犀利简洁、明显是法国式的，却没有在巴黎听到的萨克管一样的巴松和有鼻音的双簧管。对于维吉尔·托马森（美国作曲家兼评论家）来说，这个乐团各个声部的交融“像贝壳一样光滑，好象是细雨之后的彩虹，像品尝仙桃一样鲜美”。这就是安塞美指挥下的瑞士罗曼德管弦乐团，它的录音被认为是可以安心享用的佳酿。 安塞美更多地实践了一种来自于音乐真诚的兴奋，他的演出被麦克风很好地捕捉到，他的音乐素养到现在仍然在以一种不可言传的方式闪烁着灵光。在聆听安塞美和瑞士罗曼德管弦乐团的演奏后，你会发现自己被一种学问、一种感悟、一种对美丽和精确的听觉的关注所倾倒。

这张专辑是钢琴家安达1965年7月27日在萨尔兹堡音乐节的现场录音。曲目包括肖邦的24首《前奏曲》、24首《练习曲》。比较起来，音乐会前半部分的肖邦《前奏曲》，发挥稍逊于《练习曲》，安达演奏的肖邦《练习曲》独具生动的气韵，而演奏《前奏曲》时尚未达到最佳状态，相比之下，显得平实了一些。 肖邦一共创作了26首前奏曲，包括作品28的24首、作品45以及无编号的《降A大调前奏曲》。肖邦的每一首前奏曲都是一幅完整的图画或印象。肖邦自幼体弱多病，27岁时，由于肺病缠身，朋友们陪伴他去地中海的梅杰凯岛上去疗养。在那里，肖邦获得灵感，创作了作品28的24首前奏曲。这些是前奏曲按十二平均律的律制方法，从C大调开始到b小调，以不同的24个调写成的，其排列方法为五度循环，即第一首为C大调，第二首为它的关系小调a小调，第三首为C大调的上方五度的G大调，第四首为其关系小调e小调……依此类推，最后有24首乐曲。有人认为由于这24首前奏曲关系紧密，应看作是一部音乐作品，做连续演奏。这24首前奏曲一般以一个短小的乐思为中心而构成，但是乐思并不是只做单纯的反复，也不做技巧的展开，而是按肖邦的感情做惊人的发展，其中有些曲子有着超凡的演奏技巧，绝不是容易演奏的作品。 《练习曲》作品10，作于1832－1836年间。献给李斯特的夫人阿古尔特伯爵夫人，后来他们的女儿科西玛嫁给理查特·华格纳。虽然作品10和作品25是在同一时间写成的，但是作品25相比起来更像音乐作品，而不是一些技术难题的攻破。 《练习曲》作品25，也是由12首曲子组成，除第12首写于1831年冬天外，其余都写于1836—1837年间。

这张专辑是沙汉姆和索舍尔合作录制的小提琴与吉他二重奏。里面的选曲很多是十分熟悉的舒伯特著名作品，里面的小提琴占据了绝对主要的地位，吉他只是在旁边轻声的附和，乐器的定位小提琴更接近中间位置。沙哈姆的演奏技巧几近炉火纯青，正如权威评论家所赞誉的，“单就技巧方面而言，沙哈姆丝毫不逊色于海菲茨、帕尔曼这些大师。”在音乐表现上，沙哈姆体现了准确严谨的现代演奏风范，同时融合了丰富多彩、变化自如的表现力，相比起现时期另一位小提琴家克莱默来说，他的演奏更具绅士风度和吸引观众的气质。他在抒情性段落展示出的甜美、亲切的歌唱性具有沁人心脾的美。” 唱片中收录的大多是一些小型的作品，包括脍炙人口的《音乐的瞬间〉、《小夜曲》、《阿佩乔尼》等等，加上极佳的录音效果，让人似乎置身在19世纪维也纳的家庭音乐会之中。专辑中收录的所有曲子可以用优美动听来形容，抒情的气氛始终充斥着整张唱片，而技巧的含量却一点不含糊。在此特别推荐《阿佩乔尼奏鸣曲》，在1823，维也纳著名的吉他制作家斯塔法突发奇想，做出了一把六根弦的大提琴——后世称阿佩或吉他形大提琴。舒伯特见了很感兴趣，特地为这把乐器作了一首奏鸣曲，也就是如今我们听到的《阿佩乔尼奏鸣曲》。过了这么多年，“阿佩乔尼”这种乐器早已湮没在了历史的长河中，现在的音乐家演奏这首曲子时用的都是大提琴，但这首奏鸣曲的名称还是沿用至今，大多数人也只有因为这首曲子才知道曾经存在过那样的乐器。这首奏鸣曲是舒伯特的唯美之作，将古典主义的优雅和浪漫主义的抒情完美地结合在一起。也许是吉他形大提琴本与吉他十分相似，所以改编后小提琴替代钢琴也一点不会感觉生涩，整首乐曲听来琴瑟和谐，互动传神，两位大师的演奏更是把那种如胶似漆的意境融合进了如梦似画的梦幻中。

这张专辑是著名小提琴家拉宾演奏的帕格尼尼《24首随想曲》，是一张评价很高的录音。大多数人以为24首是炫技性的集“弓弦体操”之大成的作品，而拉宾的这个录音，使人恍然明白24首原来是那位曾经倾倒几代人的小提琴魔术师的极富性情之作。拉宾是用整个心情在拉琴，琴声与众不同，声音飘然入云，这里有傲视世俗的风骨，有奔放不羁的豪迈，有刻骨铭心的苦痛，以及刁钻古怪的精灵念头。具有人所不及的深广之息。

这张专辑是鲍罗丁四重奏团演奏柴科夫斯基的五部室内乐作品。

这张专辑是日本钢琴家辻井伸行演奏穆索尔斯基的钢琴套曲《图画展览会》，附带李斯特的音乐会练习曲《叹息》、音乐会改编曲《弄臣》。演奏《图画展览会》这部作品不但要有磅礴的气势，而且要表现略带忧郁、充满神秘主义、错杂其间的诡橘色彩。完整地演奏这部套曲需要耗费钢琴家相当大的体力和考验演奏者的能力。辻井伸行非常成功地把许多独立的、个性的、鲜明短小的段落有机地融合在一起，同时也演奏出具有强烈感染力和鲜明色彩的旋律。 穆索尔斯基的钢琴套曲《图画展览会》在绘画和音乐相结合的作品中是一个非常典型的例子。它首先是由15段音乐组成：1段漫步，2段侏儒，3段漫步，4段古堡，5段漫步，6段杜伊勒里宫的花园，7段牛车，8段漫步，9段雏鸟的舞蹈，10段两个犹太人，11段漫步，12段里莫埃的集市，13段墓穴，14段鸡脚上的小屋，15段基辅的城门。其中有10段个性鲜明的标题音乐来描写画，有5段“漫步”主题穿插其间。在风格上这10幅画虽各有不同，但是却联结成一个有机的统一体，由一个承上启下的贯穿主题的“漫步”来贯穿其间。“漫步”主题夹杂着作曲家冥想的形象，踱步在10幅画中，同时冥想的形象情绪的不同变化，随着画面的不同而产生变化。通过变奏这个基本主题，逐渐走到《基辅的城门》中，以宏大的气势，表现出了穆索尔斯基对画家的沉痛、深切的 哀念。“漫步”是以一个套曲的引子开始，而且本身也是一个完整的乐曲，经常重复，同时在各小曲之间都以新的方式加以变奏。 李斯特《叹息》是1849年出版的《三首音乐会练习曲》之三。有些人根据标题译为叹息，有些人则因那似海水的波浪一般的旋律而更称为大海。这首需要两手交替演奏主旋律，并辅以轻柔的琶音伴奏的曲子是李斯特极至浪漫主义的极好体现，华丽的奏法也是李斯特的后浪漫主义风格和炫技演奏的最好证明。乐曲的优美旋律倒是颇有田园意境，不过结尾处不可思议的下行全音阶的大三度和弦，正如黑暗中发出的一声叹息。 李斯特的钢琴改编曲《弄臣》是1859年李斯特以威尔第歌剧《弄臣》中一段著名的四重唱《赞美你，爱情的女神》为材料，重新组织改编而成的一首钢琴曲。

这张专辑是小提琴家曾宇谦与普雷特涅夫指挥的俄罗斯国家管弦乐团合作，演奏柴科夫斯基的小提琴作品。 这个录音邀请到国际指挥大师普雷特涅夫与俄罗斯国家管弦乐团。除了俄罗斯音乐传统代表性，更是音乐无缝接轨的“梦幻组合”。普雷特涅夫和乐团很清楚如何展现《小提琴协奏曲》中所有的美感，他们的演奏热情奔放，兼具乐曲深度理解，让曾宇谦的生动诠释更上一层境界。 专辑中演绎《诙谐圆舞曲》与《忧伤小夜曲》，则是另一种挑战。前者轻松幽默，后者抒情诗意，从技巧层面来说，是完全不同的风格展现。从专辑中我们可以看到柴科夫斯基实践了小提琴所能做到的各种表现 -- 技巧、特色、手法与情境，形成协奏曲音乐的绝佳风貌。 这张专辑也同样呈现了柴科夫斯基作品如何深刻地影响曾宇谦内心。柴科夫斯基的艺术成熟到哪里，曾宇谦就灵犀相通地诠释感应。而且音乐在曾宇谦非凡的音乐旅程上，是一路伴随、塑造和启发，也是值得期待的美丽发现。这个录音对曾宇谦而言，不仅是个人生涯的里程碑，也见证到他的艺术水平与阶段性成长。

这张专辑是英国指挥家托马斯·比彻姆爵士的录音精选辑。参与演奏的乐团：伦敦爱乐乐团、皇家爱乐乐团、皇家歌剧院业余合唱团。 托马斯·比彻姆爵士（Sir Thomas Beecham，1879-1961）英国音乐史上最著名的指挥家之一。在20世纪早期的指挥大师中，提起托马斯·比彻姆的名字，恐怕应该是无人不晓的了，这位有着非凡的艺术功力和高雅的艺术气质、德高望重的老指挥家，是一个无论使听众还是专业同行们都无比钦佩和敬仰的人物。

这张专辑是美籍波兰指挥家莱奥波德·斯托科夫斯基的录音精选辑。参与演奏的乐团：国家爱乐乐团、丹麦国家交响乐团、斯托科夫斯基交响乐团、NBC交响乐团成员、法国国家广播交响乐团、费城管弦乐团。 莱奥波德·斯托科夫斯基（Leopold Stokowski，1882-1977）美国波兰裔指挥家、古典音乐改编家。他的指挥富于激情，以音响丰满、色彩鲜艳而引人入胜。斯托科夫斯基在指挥艺术发展史上有着卓绝的贡献。他敢于打破传统的束缚，热心于各种革新与试验，热衷于介绍新作品，培养新生力量，他塑造了独一无二的管弦乐音色，他具有极富想象力的作品诠释能力。他不是死守原谱派，他认为音乐必须透过指挥家和演奏家的心灵作用才能显现出它的内在美感，换句话说，指挥家是无法客观地置身于音乐之外的。为了体会各种乐器的特性和难度，斯托科夫斯基还利用每年假期的时间专程前往巴黎去学一样新乐器。 斯托科夫斯基艺术最突出的一点就是他那独一无二的音色，坚实、浑厚、富有光泽以及独树一帜的句法。斯托科夫斯基的节奏服从各个独立的乐句的表达的需要，而乐器听起来不仅仅像它们自身的音色，更是与上一乐句或下一乐句的这种需要关联。这样生机勃勃的声响，能够直接触及听众的情感深处。温柔的抒情的段落与富丽堂皇的壮阔的段落衔接得完美无瑕，没有任何的冲突，因为每一个乐句听起来都是崭新的。 斯托科夫斯基永远在追求最好的声响，不断地冒险创新，对于他而言，没有什么一成不变的必须恪守的规则。“声响”不仅仅意味着听觉效果，更意味着将音乐的各个层面展示出来。乐章的存在，并不是由写在纸上的音符所决定，而只能由音乐家所作出的再创作甚至全新创作的演出所决定。这就是斯托科夫斯基对于指挥的见解，他拒绝做乐谱中规中矩的仆人。

这张专辑是小提琴家凡格洛夫与马舒尔指挥的莱比锡格万豪斯管弦乐团（布商大厦管弦乐团）合作，演奏布鲁赫、门德尔松的《小提琴协奏曲》。 布鲁赫《g小调第一小提琴协奏曲》作品26，完成于1866年。 门德尔松《e小调小提琴协奏曲》作品64，完成于1844年。此曲充满了柔美的浪漫情绪和均匀齐整的形式美，小提琴的处理手法精妙绝伦，旋律优美，技巧华丽，达到了登峰造极的境界，不仅是门德尔松最杰出的作品，也是德国浪漫乐派诞生以来，最美丽的小提琴代表作。有人甚至认为这部作品是小提琴协奏曲的“压卷之作”。