这张专辑是法国指挥家马蒂农与芝加哥交响乐团合作，演奏拉威尔的五部管弦乐名作。马蒂农作为一名指挥家，他的特色是很显著的，在20世纪的指挥史上，他是继蒙特和明希之后，又一位具有鲜明风格和个性的法国指挥大师，如果要是从这样的角度来看待他的话，那么他的地位就有着非常典型的特殊性了，一般来说，法国的艺术家总是带有着一种细腻而冲动的情感和追求色彩变化的特点，这实际上是与法国这个国家的文化传统以及各方面的特色相联系的，在这一点上，对于法国指挥界代表人物之一的马蒂农来说也是不例外，马蒂农在指挥演奏时，十分强调和追求乐队织体层次的变化，用以达到一种具有高度透明性的色彩变化，此外，他对于乐曲的句法结构也掌握得十分细腻，常常能够非常清晰地理顺各个声部之间的关系及音响和音色的平衡感。他还有着异常灵巧和敏锐的节奏感。在这方面，他的控制能力是非常出色的，而以上的这一切，恐怕都与他是一位优秀的作曲家有着一定的关系，正因为他十分精通作曲法，因此他总是能够从一个音乐创作者的角度来看待、分析和解释一部作品。此外，有的评论家还认为马蒂农是一位训练乐队的优秀专家，称他在这方面有着“出色的本领”，认为他能够凭借自己的方法将乐队锻炼出深厚的功力，并使其合奏效果井然有序，充满着丰富的变化和强烈的艺术性。
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这套合辑收录了钢琴家古尔达1966-1979年在斯图加特的独奏音乐会录音。这些录音的时间横跨14年，包括贝多芬、莫扎特、舒伯特的几部钢琴奏鸣曲、亨德尔的组曲、巴赫的前奏曲与赋格、德彪西的前奏曲等等，最后还有爵士钢琴三重奏的即兴演奏，内容非常丰富、演奏极为精彩，古尔达在舞台上做到了人琴合一的境界。
古尔达早年以诠释贝多芬钢琴音乐闻名于世，被称为“二十世纪最杰出的贝多芬诠释者之一”。在这套合辑中，他演奏的贝多芬“悲怆”、“暴风雨”、“锤子键琴”等几部奏鸣曲，有超乎古典精神的新生命力，行云流水、洒脱自然。古尔达对钢琴音色和音乐空间感的营造有着相当精准的把握，对莫扎特、巴赫、舒伯特、德彪西等名家作品同样深有见解。
古尔达尝试将古典乐与爵士乐融合在一起，1968年在奥地利成立“即兴创作音乐学校”。他对音乐教育的观点是：“孩子们必须先会在钢琴（或其他乐器）上面敲敲打打，弹出自己喜欢的声音，让他们发生兴趣，情不自禁爱上它，然后再学认谱”。但有时候，这种特立独行并不能被传统所接待，维也纳乐评家将他贴上“古典乐的叛离者”标签，归纳为爵士乐派，对此，古尔达非常不能苟同，在他看来，音乐就是音乐，没有什么古典、现代的界限分别。
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这套专辑是马里纳爵士指挥圣马丁室内乐团，1990-1995年期间在伦敦的演奏录音。收录了普赛尔、博伊斯、门德尔松、亚当、马斯奈、埃尔加、德沃夏克、柴科夫斯基等著名作曲家的作品。
内维尔·马里纳（Neville Marriner，1924年4月15日-2016年10月2日）英国指挥家和小提琴家。1956年，32岁的马里纳应伦敦圣马丁教堂之邀筹办晚祷音乐会，次年即创建了著名的圣马丁室内乐团（全称“田园里的圣马丁室内乐团”）并一直担任团长至1978年。圣马丁室内乐团是当今世界上最著名的室内乐团，它的合奏效果极其纯静和细腻，乐队的音色甜美而富有润泽感，其织体和层次亦显得非常清晰和有条理。人们在听了这个乐队的演奏之后，第一个感觉就是这个乐队具有着丰富的魁力和极有修养的艺术情趣，以上这一切特点的形成，其主要的功绩都应该归功于马里纳对这个乐团的长期培养和训练。
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这张专辑是长笛演奏家加洛斯演奏泰勒曼的12首《无伴奏长笛幻想曲》。这12首作品小巧精致、表演技法高深、旋律宁静自然。
帕特里克·加洛斯（Patrick Gallois，1956-）法国长笛演奏家。十七岁进入巴黎音乐院师从朗帕尔与拉卢，毕业后在里尔爱乐管弦乐团担任长笛首席，二十一岁应聘担任法国国家管弦乐团长笛首席与独奏家。加洛斯被认为是当今长笛演奏家中最杰出之一，也被认为是世界为数不多能超越音乐形式的伟大灵魂演奏家。他的长笛不仅醇厚而且飘逸，不仅圆润而且结实，不仅亮丽而且温暖。
泰勒曼的作品中总有源源不断的乐思、酣畅而活泼的旋律、强烈的节奏对比，以及漂亮的对位法技巧。泰勒曼的许多作品都是为世俗大众而作的，故而通俗易懂，不似巴赫的深刻和内省。
泰勒曼的作品有较多的内心流露，却不失巴洛克优雅清新的风度。不管是快乐还是忧伤都不会过度，用一种练达的幽默去化解，也没有高姿态艺术家的严肃，流畅丰富的乐音让空气里充满愉快气氛，不必竖起耳朵，很舒服的音符就递送给你。
大家都在听
马蒂农《Hi-Fi芭蕾音乐》
这张专辑是指挥大师马蒂农分别与以色列爱乐乐团、巴黎音乐学院管弦乐团、伦敦交响乐团合作，演奏马斯耐、梅耶贝尔、圣-桑、肖斯塔科维奇的芭蕾音乐。
马斯耐的芭蕾组曲《熙德》毫无疑问是专辑中最为杰出的，虽然后来弗雷莫和马里纳录制的版本也很好，但缺少马蒂农这样的电闪雷鸣般的跃动感，以色列爱乐乐团与弗雷莫的伯明翰市政厅管弦乐团和马里纳的伦敦交响乐团相比都不占优势，但是马蒂农施加在乐团身上的强大压力，在第一个和弦上就表现得很明白。曲子和曲子之间有着紧密的联系，一曲终了的时候，听众会很自然地期待下一次乐队如夜空中焰火般辉煌的绽放。马蒂农还善于将这种压力和让乐队成员自由发挥结合起来，他让以色列乐团得到只有法国乐团才有的那种滋润而飘逸的管乐部，可见他决不是等闲之辈。
马斯耐《熙德》是根据法国大剧作家高乃依的著名悲剧而作的四幕歌剧，表现西班牙民族英雄罗德里戈率众抗击摩尔人的历史传说, 而主要剧情则是爱情与复仇义务的古老冲突．整出歌剧如今不常上演了，但剧中的芭蕾音乐，尤其是第二幕的布尔戈斯广场上的六段舞曲，相当动听，令人难忘，因此作者又加上一首晨曲，编成这套一共是七段的音乐会组曲：1、卡斯蒂里亚舞曲 2、安达卢西亚舞曲 3、阿拉贡舞曲 4、晨曲 5、卡塔兰舞曲 6、马德里舞曲 7、那瓦拉舞曲。
马斯耐的音乐通常都艳丽、柔美，被乐评家认为是很女性化的，但在《熙德》的芭蕾音乐中，却也有的是阳刚和火辣。
14
20期
布伦德尔《莫扎特·受欢迎的钢琴作品》
这张专辑是钢琴大师布伦德尔演奏莫扎特几部最受欢迎的钢琴作品。包括四部奏鸣曲、一部幻想曲、一部变奏曲以及柔板、回旋曲。
布伦德尔曾说：莫扎特的音乐有着完美的形式，同时作为一名“如歌”的作曲家，他音乐中最重要的一点就是美，感官上的美。莫扎特是最具美感的一名作曲家。他的音乐旋律给人带来无限的感官愉悦。我想起费鲁桥.布索尼说过的一句妙语，他对莫扎特有过很多精彩评论。他说，莫扎特以歌唱为出发点，由此滋生出贯穿于其全部作品中纯然的音乐美，宛如女人霓裳中透出的迷人胴体。如此美妙！在莫扎特的音乐中，你会发现极其丰富的表现形式。对此布索尼也不得不承认：莫扎特在很小的时候就根据自己的观察来刻画人物。他一直洞察着世间百态，用咏叹调的形式即兴创作，表现人们的情感关系；作为一个孩子，他以此为乐。莫扎特的音乐表现范围广泛，从滑稽可笑乃至恶魔――这也是我与布索尼意见相左的地方，他不承认莫扎特音乐在另一方面的表现――他认为，“如果说贝多芬的本性可比作雷雨般的宏伟壮观，那么莫扎特便是永恒的和煦阳光。”
28
16期
杜卡斯、施特劳斯、拉威尔《双钢琴作品》
这张专辑是钢琴家阿格丽奇与拉宾诺维奇合作，演奏杜卡斯、理查·施特劳斯、拉威尔的双钢琴作品。
杜卡斯《魔法师的弟子》作于1897年，原曲是一首交响诗，这张专辑中采用由拉宾诺维奇改编的双钢琴曲。此曲内容取材于歌德的诗，讲的是魔法师的弟子趁师傅外出时，偷偷的摆弄起师傅的魔法扫帚来，结果却搞的水漫金山，十分狼狈。这首乐曲生动有趣，富有戏剧效果。
理查·施特劳斯《家庭交响曲》作品53，作于1903年。原曲是一部管弦乐曲，这张专辑中采用由奥托·欣格尔改编的双钢琴曲。此曲是施特劳斯所有作品中最受人攻击的之一。曾有人认为它是乏味的、毫无幽默感的作品，由于它直率地描绘了简单的家庭生活而使人感到非常窘迫，而且，人们常常把它作为范例来说明施特劳斯过分的幽默和拙劣的趣味。
拉威尔《圆舞曲》完成于1920年春天。原曲是一部管弦乐曲，这张专辑中采用由拉威尔亲自改编的双钢琴曲。此曲中，至少有八个大调主题，不少主题表面看来相似，但却包含着不能说是纯粹炫耀的一种节奏、和声的微妙变化。拉威尔从基本的3/4拍里引出丰富的变化，而主题生硬扰人的音程，开了法国作曲家之先。那些始终认为这部作品浮华的人，也不能不承认它具有惊人的活力。
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22期
切尔卡斯基《杰出的钢琴作品》
这套10CD合辑是钢琴家切尔卡斯基1951-1963年的演奏录音精选，CD10是一张1923-1935年的历史录音。其中钢琴独奏部分包括：李斯特、肖邦、穆索尔斯基、斯特拉文斯基、巴伯、舒曼、门德尔松、勃拉姆斯、莫扎特等的作品；协奏曲包括：李斯特、柴科夫斯基、普罗科菲耶夫、肖斯塔科维奇、格里格、舒曼的作品；还有一部拉赫玛尼诺夫的大提琴奏鸣曲。
舒拉·切尔卡斯基（Shura Cherkassky，1911年10月7日-1995年12月27日）俄裔美国钢琴家。切尔卡斯基出生于乌克兰敖德萨，俄国革命时全家移居美国，曾师从约瑟夫·霍夫曼，还差点成了拉赫玛尼诺夫的学生。据说他在练习钢琴时经常用“半速”去演奏，力求精准的控制键盘和弹出绝妙的音色，这也是他的演奏一直很慢的缘故。切尔卡斯基后来在英国逝世。他的经历和另一位同样出生于乌克兰的超级大师霍洛维兹惊人的类似。这不能不让我们发出一些感叹。东欧，只有东欧，才能诞生这样伟大的钢琴家，尤其是演奏同样来自东欧的钢琴作品时。
切尔卡斯基的录音终归不多，我们还不能很全面地去做一些比较。切尔卡斯基演奏的肖邦是十分有特色的，这已经被很多人表示认可。尤其是夜曲、玛祖卡和奏鸣曲，触键很透彻，层次非常明晰，有一种冰清玉洁的诗意在里面。他演奏的《第三钢琴奏鸣曲》第一乐章很好的体现了这点。这是一个极端浪漫的乐章，需要在钢琴的分句和推进上非常注意，其次就是对音色的处理，需要仔细推敲，才能把肖邦那种羞涩的恋情般的感觉完美地展现出来。夜曲他演的好慢，甚至比阿劳的还要慢些。同样，速度一慢，那些诗意的东西就很容易地展示出来了，这在所有的作品都有类似的机理。
切尔卡斯基以演奏浪漫派作曲家的作品为主，被认为是拉赫玛尼诺夫、戈多夫斯基、列文涅、霍夫曼、霍洛维兹所代表的浪漫钢琴演奏传统的最后一人。他的演奏既有高超的技巧和多变的音色层次，又有丰富的想象力。切尔卡斯基1923年12岁时即开始录制唱片，直到1995年逝世以前，其中柴科夫斯基、拉赫玛尼诺夫、普罗科菲耶夫等人的作品，甚得好评。
29
85期
20世纪伟大指挥家《米特罗普洛斯》
这张专辑是美籍希腊指挥家迪米特里·米特罗普洛斯的录音精选辑。参与演奏的乐团：科隆西德广播交响乐团、纽约爱乐乐团。迪米特里·米特罗普洛斯（Dimitri Mitropoulos，1896.3.1-1960.11.2）美籍希腊钢琴家、作曲家和指挥家。他是20世纪最著名的希腊血统的音乐家之一。米特罗普洛斯的指挥风格是明快而有力的，他的特点是气势宏大和潇洒大方，在他指挥的作品中，很少能够找到那些多愁善感的伤感情调，这与他本人身上所具有的气质和性格有着直接的关系。他很重视音乐作品的结构框架，能够客观地对待作品中的原意，在指挥现代音乐作品时，能够使人感到一种极为精致的效果。
米特罗普洛斯是一个较为奇特的人物，他的名字对于我国听众来说似乎有些鲜为人知，然而当人们提到现今世界上的指挥比赛时，大概马上就会想到以他的名字命名的国际指挥大赛，那是一项设在美国纽约的著名国际比赛，它使当今世界上的众多的青年指挥家们为之向往，当他们其中的哪一位摘取了那难得的桂冠时，便可以说在世界指挥界中获得了一项至高的荣誉，因此，年轻的指挥家们都在为获得这项桂冠而艰苦地努力着。
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12期
20世纪伟大指挥家《斯托科夫斯基》
这张专辑是美籍波兰指挥家莱奥波德·斯托科夫斯基的录音精选辑。参与演奏的乐团：国家爱乐乐团、丹麦国家交响乐团、斯托科夫斯基交响乐团、NBC交响乐团成员、法国国家广播交响乐团、费城管弦乐团。
莱奥波德·斯托科夫斯基（Leopold Stokowski，1882-1977）美国波兰裔指挥家、古典音乐改编家。他的指挥富于激情，以音响丰满、色彩鲜艳而引人入胜。斯托科夫斯基在指挥艺术发展史上有着卓绝的贡献。他敢于打破传统的束缚，热心于各种革新与试验，热衷于介绍新作品，培养新生力量，他塑造了独一无二的管弦乐音色，他具有极富想象力的作品诠释能力。他不是死守原谱派，他认为音乐必须透过指挥家和演奏家的心灵作用才能显现出它的内在美感，换句话说，指挥家是无法客观地置身于音乐之外的。为了体会各种乐器的特性和难度，斯托科夫斯基还利用每年假期的时间专程前往巴黎去学一样新乐器。
斯托科夫斯基艺术最突出的一点就是他那独一无二的音色，坚实、浑厚、富有光泽以及独树一帜的句法。斯托科夫斯基的节奏服从各个独立的乐句的表达的需要，而乐器听起来不仅仅像它们自身的音色，更是与上一乐句或下一乐句的这种需要关联。这样生机勃勃的声响，能够直接触及听众的情感深处。温柔的抒情的段落与富丽堂皇的壮阔的段落衔接得完美无瑕，没有任何的冲突，因为每一个乐句听起来都是崭新的。
斯托科夫斯基永远在追求最好的声响，不断地冒险创新，对于他而言，没有什么一成不变的必须恪守的规则。“声响”不仅仅意味着听觉效果，更意味着将音乐的各个层面展示出来。乐章的存在，并不是由写在纸上的音符所决定，而只能由音乐家所作出的再创作甚至全新创作的演出所决定。这就是斯托科夫斯基对于指挥的见解，他拒绝做乐谱中规中矩的仆人。
297
20期
20世纪伟大指挥家《查尔斯·明希》
这张专辑是法国指挥家查尔斯·明希的录音精选辑。参与演奏的乐团：波士顿交响乐团、新英格兰音乐学校合唱团、巴黎音乐学院管弦乐团、法国国家广播乐团。
查尔斯·明希（Charles Munch，1891-1968）法国指挥家，20世纪世界重要的指挥大师之一。明希是一位风格异常鲜明的指挥家，他的指挥风格是明快热情而又自然舒展，一般来说，他喜欢运用较快的速度和鲜明的力度对比，在指挥法国作品时，他十分善于把握乐曲的特色和尺度。
在指挥柏辽兹的作品时，明希能够表现出惊人的宏大气势和绚丽的音响色彩，而在指挥拉威尔的作品时， 他又能够赋予作品一种质朴的情调及清新的气息，在处理德彪西的作品时，他也能够极好地控制乐曲织体层次的变化，使其达到一种雅致的、耐人寻味的意境。
明希不但善于指挥法国作品，对德奥体系作曲家的作品，他也有着十分出色的演释能力，但他与纯德奥体系的指挥家之间仍有着许多不同，与他们相比，明希在德奥作品所特有的庄重稳健的基础上，增加了更多的热情及活力，因此，在德奥体系作曲家的作品中，他更加适合于演释像门德尔松这一类作曲家的作品。
明希是一个最善于挖掘和发挥管弦乐色彩的指挥大师，他对于管弦乐队的音色调配和力度控制，有着极其特殊的天赋和能力。小泽征尔在听完他所指挥演奏的柏辽兹的《罗马狂欢节序曲》之后，曾经被他那出神入化的管弦乐色彩控制能力感动得激动不已，他曾回忆到：“我真不知这位老先生是从什么地方拨弄出来的那样水粼粼的声音，这种将柏辽兹的音乐色彩精雕细磨得闪闪发光的技艺，使我的浑身都激动了起来，我实在没有想到，一首乐曲在经过一个高明的指挥家处理以后，竟会达到如此惊人的地步。”
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18期
奥伊斯特拉赫《巴赫双小提琴协奏曲》
这张专辑是大卫·奥伊斯特拉赫与儿子伊戈尔·奥伊斯特拉赫合作，演奏巴赫《小提琴、双小提琴协奏曲》，由鲁道夫·巴塞尔指挥莫斯科室内乐团担任协奏。
奥伊斯特拉赫父子的演奏，对作品吃的很透，演奏极为“捻熟”。独奏与合奏更默契，声音分布很均衡，推进如行云流水，从头至尾毫无粘滞之处，你感觉不到在很多版本里都有的、第二小提琴明显弱的地方，除了两把琴音色不同与位置感外，演奏则是相互推动与相互“叫劲”，呈显出一股特别的优雅、方正与灵巧。
巴赫现存的三部小提琴协奏曲（BWV1041-1043）的创作年代定位于科藤时期的1720年前后，但根据20世纪末以来的最新音乐学研究，学者们开始怀疑这些作品应该属于后来的莱比锡时期（1723-1750），或者折衷的情况是这些作品最初创作于科藤，在莱比锡期间巴赫又对它们进行了重新修订。对此，直接的证据在于这些作品最原始的乐谱只能回溯到1730年左右，而巴赫在1729年3月恰好接管了莱比锡的大学音乐社（collegium musicum），又增加了给大学社每周的例行音乐会安排乐曲的任务，为此他修订和新创作了大量作品并专门为演出准备了分谱，其中包括这三首小提琴协奏曲。另一方面，从创作风格上来看，在这几部作品中所体现出的崇高深刻的艺术取向以及炉火纯青的复调技巧显然有别于科藤时期所惯常的那种热热闹闹无伤大雅的宫廷社交氛围（如《勃兰登堡协奏曲》等），这尤其体现在《a小调小提琴协奏曲》（BWV1041）和《d小调双小提琴协奏曲》（BWV1043）中。
47
9期
哈登伯格《四部著名小号协奏曲》
这张专辑是瑞典小号名家哈肯·哈登伯格(Hakan Hardenberger)与马里纳爵士率领的圣马丁室内乐团合作，演奏历史上最著名的四部小号协奏曲，包括胡梅尔、黑特尔、约翰·斯塔米茨、海顿的作品，其中对海顿协奏曲的演绎，获得企鹅三星带花最高评价。
小号在诸多铜管乐器中具有非凡的表现力，在巴洛克时期以及古典主义时期，有许多著名的作曲家以小号为主角谱写了不少优秀作品。由胡梅尔、海顿作曲的两首协奏曲，被公认为古典音乐历史上最伟大的两部小号与乐队作品。尤其是胡梅尔的《E大调协奏曲》，与大名鼎鼎的海顿《小号协奏曲》相比丝毫不显逊色，充满着古典主义时期特有的明朗、幽默以及优美气质。胡梅尔是与海顿、莫扎特同时期的奥地利作曲家，同时也是出色的钢琴演奏家、指挥家以及音乐教授。正是因为出于对海顿《小号协奏曲》的喜爱，从而在其影响下，胡梅尔于1803年12月8日在莱比锡完成了自己《降E大调小号协奏曲》。不过这首协奏曲后来被人们演奏时，都习惯于提高半个音，由此而变成了E大调。因为这样的话音色可以更明亮，演奏起来也更方便，容易产生好的演出效果。海顿是以当时改进的活塞型小号为基础，写下了自己传世的小号协奏曲。实际上胡梅尔也是这样，因此两部相继问世的作品在篇幅、风格等方面都有着许多相似的地方，被誉为古典小号作品中的一对姐妹花。不过胡梅尔的名声显然不如海顿那样显赫，所以他的这部协奏曲并没有取得应有的成功，作品沉寂了一百多年后直到1958年才由上世纪另一位优秀的小号独奏家Armando Ghitala进行了首演，并一举以作品本身出色的表现力获得了在古典音乐界应有的重要地位。
124
12期
鲍罗丁四重奏《俄罗斯作品精粹》
这张专辑是鲍罗丁弦乐四重奏团演奏俄罗斯作曲家的著名室内乐作品。包括鲍罗丁、沙巴林、拉赫玛尼诺夫、普罗科菲耶夫、柴科夫斯基、格拉祖诺夫、斯特拉文斯基、肖斯塔科维奇等著名作曲家的作品，作为俄国老牌重奏团，鲍罗丁弦乐四重奏团非常擅长演奏这些俄罗斯风格的作品，他们的诠释风味纯正、驾轻就熟、精彩之至。
俄罗斯音乐壮阔宽广，带有颂歌风格。许多俄罗斯音乐作品，同一个主题音调由开始的沉静、略带忧郁的旋律，逐渐发展为壮阔、颂歌式具有英雄气质的旋律，体现出俄罗斯民族既热情奔放又浪漫抒情的双重性格；而开阔宽广、气宇轩昂、热烈奔放，则突出了俄罗斯民族的豪放性格。俄罗斯的音乐家们都有着强烈的民族意识，无论是哪个时期，抑或身处哪个国家，都从不背离俄罗斯音乐传统。
俄罗斯最伟大的作曲家是柴科夫斯基，他的作品中流淌着热情且又开放的情感，细腻而且婉转，蕴含古典风格而深受人民的喜欢。他的音乐最大的特点就是有特别强烈的感染力，每一个音符都充满了情感，并且带有一定的管弦乐的风格。这些都是对作曲家敏感忧郁的情绪的一种反映，在他多数的音乐中，都能够感受到民族文化的影响，他把西方交响乐与民族的文化巧妙的结合了一起。
二十世纪是旋律创作的一个多元化的时代，当时的苏联作曲家为了避开和古典主义、浪漫主义时期的音乐语汇雷同，挖空心思寻找与众不同的新的旋律技法，如普罗科菲耶夫、斯特拉文斯基、肖斯塔科维奇等。但正是这种立足于民族音乐语汇和民族悲情主义艺术情感，并结合西方音乐潮流的核心因素就是一种创新。
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23期
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