01. Copland Billy the Kid - Introduction

这张专辑是科普兰指挥伦敦交响乐团，演奏自己创作的《小伙子比利》、《牧区竞技》和《阿帕拉契亚之春》三部芭蕾舞组曲。 阿隆·科普兰（AaronCopland，1900—1990），美国作曲家。祖籍俄国，是第一位被认为有本土风味的美国作曲家。30年代多次访问墨西哥，1936年根据墨西哥流行曲调创作管弦乐幻想曲《墨西哥沙龙》，十分成功。用这一风格写作的其他作品尚有芭蕾舞剧《小伙子比利》、《牧区竞技》和《阿帕拉契亚之春》。晚年少创作，转而从事指挥。科普兰是国际上公认的第一位具有美国本土风味的作曲家。音乐创作涵盖了他一生的各个阶段，时间达60年之久。作品风格展示出他一直不断创新、开拓的特征。从早期使用爵士乐素材为作品贴上“美国音乐”的标签，以具有现代音乐语言的和弦、和声进行、节奏、速度来体现音乐创作的求新及强调对古典音乐模式的突破。到开始在旋律、节奏、调式调性等方面作出极富实效的探索，最终以其卓越的成就和贡献而成为美国专业音乐发展中一个里程碑式的人物。 舞剧《阿帕拉契亚之春》是科普兰与美国著名舞蹈家玛莎·格雷厄姆紧密协作的产物，是科普兰受伊丽莎白·斯普拉格·库立基基金会的委托、以摄取玛莎·格雷厄姆的个性为出发点而写成的。科普兰曾以美国边境生活为题材写过三部舞剧，《阿巴拉契亚之春》是其中最后一部也是最美的一部。舞剧《阿帕拉契亚之春》本身实际上并无情节，人物也只有新娘及其农村丈夫、老拓荒妇人、牧师及其信徒。原来的舞剧总谱是依照小型室内乐队编制写的,其音响效果干净利落、优美清晰。 《小伙子比利》组曲是科普兰在1938年受美国芭蕾舞团经理林肯·卡斯坦委托所作的独幕舞剧《小伙子比利》的音乐。该剧在当年十月于芝加哥首演并大获成功。作品取材于美国西部的真实故事，“小伙子比利”又称“比利小子”，在美国是位家喻户晓的传奇人物，有人说他是位神枪手，是个除暴安良的西部牛仔英雄；也有人说他是个不法之徒，曾经谋杀了21个人。好莱坞也曾经以他为原型拍摄了同名电影。 牧区竞技是美国西南部草原牛仔们的竞技项目。星期六下午，牛仔们驾烈马飞越障碍物，或是比赛投掷绳圈的技巧等，然后牛仔们与观众共享晚餐，跳舞作乐，共享夜晚。这部组曲为蒙特卡罗俄罗斯舞剧团而作，此舞剧叙述一位牧牛人家姑娘仰慕一位牛仔，为接近牛仔竞女扮男装，一举一动摹仿男人，遭牧场的牛仔和女人讨厌。最后，这位姑娘恢复女儿样，终于获得了白马王子。

这张专辑是小提琴家大卫·奥伊斯特拉赫在“布拉格之春”国际音乐节上的演出现场录音，收录了他与钢琴家弗里达·鲍尔、弗拉基米尔·杨波斯基合作的四部室内乐作品。 巴托克《第一小提琴奏鸣曲》作品21，作于1921年，题献给匈牙利女小提琴家德拉尼。 巴托克《匈牙利民歌》Sz42，作于1908年。此曲所使用的旋律都是匈牙利的民歌，改编这些民歌的手法是将旋律基本原封不动，并用和声变奏的形式重复若干遍。 拉威尔《G大调小提琴奏鸣曲》作于1923-1927年。此曲是拉威尔创作晚期的作品，也是唯一一部小提琴奏鸣曲。在这一作品中，拉威尔突破了奏鸣曲结构与调性上的对立统一规律，在展开部尝试了双调性的创作技法，使得音乐音响在听觉上既相对独立又可形成统一的音响效果。 拉威尔《茨冈》作于1924年。此曲是一首供音乐会演奏用的小提琴狂想曲。拉威尔为女小提琴家约阿希姆的外孙女所作，她琴艺高超，为此拉威尔在这首乐曲中吸收了帕格尼尼的小提琴演奏技巧和匈牙利吉普赛音乐的特点，乐曲结构与自由奔放的风格，使人联想到李斯特的《匈牙利狂想曲》。拉威尔又将它配器成为小提琴与乐队的协奏曲，显得更为华丽辉煌。

这张专辑是捷克著名指挥家卡雷尔·安切尔的录音精选辑。 卡雷尔·安切尔（Karel Ancerl，1908年4月11日-1973年7月3日）伟大的捷克浪漫主义指挥大师。安切尔以他对音乐的理解营造出了独特的音乐效果，并将这些效果应用到他所指挥的交响乐团中；他特别擅长利用戏剧的情节插入来增强大型作品的韵律，从而让人感受到音乐中永无止境的魅力。 专辑中的雅纳切克《塔拉斯·布鲁巴》，几乎没有任何杂音。从各种独奏乐器柔和甜美的音色中可得知这是一套杰出的立体声录音。听《奥斯塔普之死》（第7首）小提琴冰清玉洁的天音和竖琴不断重复的伴奏。 安切尔还录制了诺伐克的《斯拉夫舞曲》，制片人斯蒂芬·赖特和约翰·帕特里克选择了超凡脱俗的《在塔特拉山》。安切尔在选曲上大胆创新。诺伐克通常被视为是塔里赫的领地。尽管安切尔曾师从塔里赫，就象汉德雷向博尔特学习一样，但这仍然是勇敢的一步。 克雷吉的《小夜曲》是为乐队创作的。这部写于1950年的三乐章作品充满了细腻的独奏和外乐章嘲讽的动机，这使它成了米约（《房顶上的公牛》），肖斯塔科维奇（《第一钢琴协奏曲》），哈恰图良（《假面舞会》），改良后的罗西尼甚至伯恩斯坦的捷克同类。中乐章的行板是段宁静动人的间奏。安切尔还录制过克雷吉的《第二交响曲》。 安切尔的马替努《第五交响曲》是在1968年他迁往多伦多之后的两年录制的。前苏联对捷克斯洛伐克的入侵与杜布切克改革试验的结束坚定了他离开的决心。安切尔的前任是小泽征尔，继任是安德鲁·戴维斯。他于当年1月与多伦多交响乐团签约。他原打算在多伦多和布拉格同时任职，但前苏联8月份的入侵使他的计划泡汤了。能拥有安切尔的马替努第五立体声录音是件幸运的事，它具有其所有的优点——欢快热忱，节奏分秒不差。 《伏尔塔瓦河》的录音每一分钟都得到了优雅的润色或加强。安切尔的演奏速度不快，但充满耐心和诗情画意。在“乡村婚礼”的插曲中，你可以从维也纳乐队的演奏中听到斯特劳斯般的泛音。 安切尔的德沃夏克《第八交响曲》是与音乐厅管弦乐团的实况演出录音。欢快活泼，象勃拉姆斯《第三交响曲》一样充满秋天的气息。优美的快板中温暖的微笑与歌唱烘托出一种类似于斯拉夫舞曲的情调。

这张专辑是英国小提琴家马修·特鲁斯勒与日裔指挥家筱崎靖男率领的杜塞尔多夫交响乐团合作，演奏罗饶、科恩戈尔德的小提琴协奏曲，附带马修·特鲁斯勒独奏的三首小提琴小品。马修·特鲁斯勒演奏的弓曾经属于海菲兹，是赫伯特·阿克塞尔罗德送给他的。马修·特鲁斯勒演奏的20世纪作品尤其受到赞誉。 米克洛什·罗饶（Miklos Rozsa，1907.4.18-1995.7.27）出身匈牙利首都布达佩斯的大地主家庭，从小就在极其奢华且具文化气息的环境下长大。其母亲是钢琴家，曾师从李斯特的学生；父亲也是音乐爱好者，热爱匈牙利民歌。罗饶5岁开始学小提琴，以后也学了中提琴和钢琴。他8岁就会演奏莫扎特小提琴协奏曲而被视为音乐神童，因此他接受正统古典音乐的训练，师从巴托克、科达伊等人。罗饶也曾在郊区的别墅附近搜集了不少匈牙利民歌素材。和莱纳、塞尔、索尔蒂等著名指挥家算是同乡且背景相似，后来另一个共同点是二战时都流亡到西方国家。 埃里希·沃尔夫冈·科恩戈尔德（Erich Wolfgang Korngold，1897.5.29-1957.11.29）犹太血统的美籍奥地利作曲家。其父是著名的音乐评论人，自幼学习作曲，天赋秉异，被誉为二十世纪的莫扎特。据说他11岁时一次去歌剧院听了理查·施特劳斯的歌剧《埃莱克特拉》后，回到家中竟可以在钢琴上全凭记忆把歌剧中的所有音乐弹奏出来。后师从策姆林斯基 及罗伯特·富克斯。他的作品以室内乐及乐队作品较多，后浪漫风格，充满华彩、瑰丽优雅，得到过马勒及理查·施特劳斯的赞赏。 《D大调小提琴协奏曲》作品35，作于1945年，提献给马勒的妻子爱尔玛·马勒。从1938年到二战结束这段时间，科恩戈尔德大多数的创作大都集中在好莱坞的电影配乐。此曲受友人犹太裔小提琴家胡贝尔曼的建议而作，算是他在严肃音乐领域的继续挥洒。

这张专辑是希拉里·哈恩与大卫·辛曼指挥的巴尔的摩交响乐团合作，演奏贝多芬《小提琴协奏曲》、伯恩斯坦《小夜曲》。希拉里·哈恩的演奏，不仅风格刚健、技巧圆熟，更难得的是，她那清新脱俗的提琴音色和音乐性格，她的演奏完全不曾受到不良音乐习惯的沾染，乐思稳健且直观，见解独特并能兼顾传统。 贝多芬《D大调小提琴协奏曲》作品61，1806年完成。这是贝多芬唯一的一部小提琴协奏曲，四大小提琴协奏曲之首，自古一直被誉为小提琴协奏曲之王。这首乐曲旋律柔美、格调高雅、规模宏大，颇具王者风范。 伯恩斯坦《小夜曲》，副标题“根据柏拉图《会饮篇》为小提琴、弦乐队、竖琴和打击乐器而作”。创作于1954年，题献给美国小提琴家斯坦因的夫人。此曲接近小提琴协奏曲，透过它，我们能清晰了解伯恩斯坦不俗的作曲才华，既使属标题音乐，我也愿意把它作为纯音乐来听，它的确带有描述性，但我感觉其内发源点更多的来自于音乐自身的逻辑，也可以这样说，创作灵感源于柏拉图作品，但音乐的走向更多的得益于纯音乐的律性，语言阐述方式与纯音乐的内发性表达难分难解，也由于结构相对紧凑，律性十足，颇有引人入胜处，听者基本可以脱开柏拉图原作来欣赏，这是不同于理查德·施特劳斯《查拉图斯特拉如是说》的地方。

这张专辑是莫扎特《第5、29交响曲》、两部《小夜曲》。不但展现了音乐的甜美与柔和，同时更加生动、轻快，充满智慧。 《A大调第二十九交响曲》K201，完成于1774年4月6日，之后的十四年，莫扎特持续创作交响曲，他的题材变得更强而有力、处理方式更有自信、结构上拼凑的痕迹也全然消失；然而他再也不曾重现此曲的高贵华丽。此曲的特色在于它结合了优雅、亲密、强烈的表达方式，以及卓越的作曲技巧。此曲乐风较其他萨尔茨堡交响曲更具装饰性，但意味深长的是，它也更具实质内涵。它的情感内涵并不容易确定，是此曲引人入胜的原因之一。莫扎特突破了传统惯例的限制，将自己的灵魂赤裸裸地呈现出来。 《D大调小夜曲》K239，作于1776年1月。此曲有一个“Serenata Nocturen”的别称，直译为“夜曲风格的小夜曲”，而人们也习惯称之为“月下小夜曲”。其实这个名称是由莫扎特的父亲里奥波德在誊写乐谱时加上的。作曲家创作时，除了弦乐器之外，特意在配器中加入了定音鼓，从而让整首作品听起来饱满而多彩，由此也可以断定这部作品是当年莫扎特为室内演奏特别写下的，并且成为户外小夜曲室内乐化的先声和代表。此曲有着较为强烈的复古色彩，作曲家在其中巧妙地运用了“巴洛克大协奏曲”的结构元素，并在此基础上加以全新的拓展。 《G大调小夜曲》K525，作于1787年。并以当时最时髦的德文用语“Eine Kleine Nachtmusik”（一首小夜曲）命名。这是莫扎特的小夜曲中最受人们欢迎和喜爱的一首，也是莫扎特小夜曲中唯一用弦乐演奏的，所以通常被称作《弦乐小夜曲》。 作品共分四个乐章，好似一部小型交响曲。

这张专辑是科林·戴维斯爵士指挥伦敦交响乐团，演奏西贝柳斯《第二、六交响曲》，再现北欧风华。科林·戴维斯演绎的西贝柳斯一向被认为是最具权威性的，其对西贝柳斯作品深掘细绘的精神无人能比。王牌录音师Tony Faulkner高度评价此版本：细节清楚、音场深阔，是发烧级名碟。 《唱片圣经》 刘名振：这版有非常好的录音效果。由当代最杰出的古典录音师之一Tony Faulkner操刀，录音兼具类比的温暖庞大与数位的干净清晰两种特质，是少数杰出的近代古典录音。 《D大调第二交响曲》作品43，作于1900年到1902年之间。此曲虽有受前人影响，但在音乐语言上，却有着西贝柳斯鲜明的个人色彩。乐曲中洋溢着丰富的芬兰民族精神，能快速地在乐观与悲观两极之间转化，使这部交响曲在情感层面上，与其他交响曲有了明显的区分。 《d小调第六交响曲》作品104，作于1923年。此曲是西贝柳斯最著名通俗的杰作，也是最具特色的作品，又被称为《田园交响曲》。全曲充满着田园思绪，带着热情的希望，用芬兰乡土特征和北欧民谣色彩，呈现炽烈而温暖的民族情感。

这张专辑是德国室内乐团演奏弗里德里希·威特、卡尔·弗里德里希·祖·洛温斯坦创作的室内乐作品（为管乐与弦乐而作）。 弗里德里希·威特（Friedrich Witt，1770-1836）出生于德国符腾堡公国的尼德斯泰廷村。他和继父一起学习，后来和安东尼奥·罗塞蒂一起学习，并在宫廷管弦乐队担任大提琴手。在定居到维尔茨堡担任音乐总监之前，他进行了几次巡回演唱会。和大多数同时代的音乐家一样，他是一个多产的作曲家，写了大约23首交响曲以及大量的室内乐和教堂音乐。威特的作品在他的一生中享有相当大的知名度，并经常被表演。 威特的《七重奏》是1816-1817年创作的，这几乎是肯定的，他显然对贝多芬的《七重奏》很熟悉，那是非常受欢迎的。这是贝多芬最成功的作品，贝多芬说他希望自己从来没有写过它。无论如何，贝多芬《七重奏》的流行为许多其他作曲家树立了榜样，他们努力复制贝多芬的成功，用同样的乐器创作了六个乐章的七重奏。正如所提到的，威特使用了稍微不同的乐器，并且只写了四个乐章。作品以一段慢板的引子开始，接着是一段强有力的快板，在快板中，管乐器起到了述说效果。第二乐章，慢板如歌，是一首小夜曲，利用管乐器来展示其歌唱能力。欢快的第三乐章是一首标志性的德国小步舞曲。优美的终曲是快板。

这张专辑是小提琴家菲雪儿与克雷兹伯格指挥的俄罗斯国家管弦乐团合作，演奏三部俄罗斯作曲家创作的小提琴协奏曲，包括哈恰图良、普罗科菲耶夫、格拉祖诺夫的作品。 哈恰图良《d小调小提琴协奏曲》完成于1940年夏季，由传统的快-慢-快三个乐章构成，首尾两个乐章的基调是朝气蓬勃、快乐欢腾的，并贯穿着舞曲节奏。中间的慢板乐章抒情、沉思的、富有诗意，辉煌的提琴技巧与作品内容完全融合在一起，生机勃勃，十分感人。 普罗科菲耶夫《D大调小提琴协奏曲》作品19，构思始于1915年初，此曲可以归入青年普罗科菲耶夫的创作成就之列。作为一个革新者，他在这首作品中进行着很多大胆的尝试，首先，这里的乐章排列就很不一般:它不是通常的快—慢—快结构，其中的第一和第三乐章以温柔如歌的主题占优势，而当中的第二乐章不用传统的慢板，反而是快速度的逗弄和怪涎式的诙谐曲。还有，为了体现现实生活中的各种对比的事物，例如，青年人的美丽幻想和对大自然的崇高、静观以同尖锐的怪诞形象相对置，作者悉心研究小提琴演奏的各种可能性，采用了一系列富有独创性和异乎寻常的技巧性效果，从抒情宽广的咏唱到令人头晕目眩的快速乐句和拨奏与用弓拉奏的复杂变换，从滑音到极度清晰(Marcato)，从靠近琴马的特殊奏法(Ponticello)到清澈的泛音，所有这些引人入胜和富有诗意的技巧同清新的色彩效果的结合，使整个作品增添了不少魅力。 格拉祖诺夫《a小调小提琴协奏曲》作品82，作于1904年。此曲明显体现出作者后期创作的一些特征，它力求加深抒情的表达，开拓情绪饱满的旋律，同时也要求具备古典式的明晰风格。作者以高超的专业作曲手法加以处理，全曲结构严谨、形式洗练，旋律音调接近俄罗斯民歌。

这张专辑是钢琴家拉罗查演奏蒙波的钢琴作品，包括：《内心印象》九首、《沉默的音乐》第四册、《歌与舞》四首。 费德里科·蒙波（Federico Mompou，1893年4月16日-1987年6月30日）西班牙加泰罗尼亚作曲家。他的创作受到印象主义音乐以及埃里克·萨蒂的简约风格影响，十分恬淡安逸，而又带着淡淡的西班牙气质。他不写作大型作品，所作基本上都是钢琴曲、歌曲、吉他曲等小规模作品。由于其独特的风格，蒙波的音乐在20世纪乐坛占有一定的地位，并获得过不少奖项。 蒙波是一个羞涩、说话细声细气和内省的人，这些特点也反映在他创作的作品中。他从不写作歌剧、协奏曲或交响曲这些大型作品，就连他少数的合唱作品也尽可能的短小精悍。他的作品以艺术歌曲、钢琴小品及吉他小品为主。他的音乐充满了他所钟爱的加泰罗尼亚色彩和印象，风格以精简和优雅为主。其创作还可见萨蒂“简约风格”的影响，省略了调号及小节线，偶尔还会插入傻里傻气的评论，自称为“原始派”。他年轻的时候曾在一家钟铃厂工作，因此在他的众多作品中均可见模仿钟声的片断。 蒙波的音乐有淡淡的西班牙风味，有一丝清凉，有一丝安逸和寂静。其旋律并不复杂，可似乎隐藏着无限深邃的东西。聆听蒙波的音乐，或多或少都需要细心的把握和审慎的态度。其钢琴代表作有：《十二首歌与舞》、《肖邦主题变奏曲》、《内心印象》、《儿童场景》等。和罗德里戈等人时代大致相同，蒙波的吉他作品也是相当有名的，其中最著名的就是《康波斯特拉娜组曲》。其声乐作品最著名的有六套《儿歌集》、《田园》等。