莫扎特《第22钢琴协奏曲、第40交响曲》
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莫扎特《第22钢琴协奏曲、第40交响曲》

这张专辑收录莫扎特的两部杰作:一、钢琴巨匠巴杜拉-斯科达与指挥大师富特文格勒率领的维也纳爱乐乐团合作,演奏莫扎特《第22钢琴协奏曲》;二、富特文格勒指挥维也纳爱乐乐团,演奏莫扎特《第40交响曲》。 《降E大调第二十二钢琴协奏曲》K.482,作于1785年,是莫扎特所有的协奏曲中演奏时间最长的一首。此曲中首创以单簧管取代双簧管的位置,这一变革在钢琴协奏曲的发展史上还属首次。 《g小调第四十交响曲》K.550,作于1788年。此曲是莫扎特最后的三大交响曲之一,是他的交响曲中最广为人知的作品。完成于1788年,整部交响曲热情洋溢,有着充满感情化的乐思。这首交响曲虽然仍能听出巴洛克音乐的痕迹,但还是促使当时的音乐向前迈进了一步,当它在十九世纪初于莱比锡演奏之际,曾受到“战栗”或“沉缓”等字眼的评语。这部作品可以说是一步步接近浪漫派的作品。这首作品中,莫扎特使用了罕见的g小调,给人以凄凉之感。
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赵成珍《莫扎特·第20钢琴协奏曲、奏鸣曲
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这张专辑是第17届肖邦国际钢琴大赛冠军、韩国青年钢琴家赵成珍在2018年与雅尼克指挥的欧洲室内乐团合作,演奏莫扎特《第20钢琴协奏曲》,还附带他自己弹奏的《第三、十二钢琴奏鸣曲》。 赵成珍觉得,莫扎特给他带来了音乐创作般的乐趣,并不是每个作曲家都能与之媲美。他说:“当我演奏莫扎特时,我总是很开心,很享受。享受对我来说是相当困难的词汇,因为当我听较沉重的曲目,如马勒的交响曲,它不是快乐的音乐,但音乐会后,我仍然会对音乐家说多么喜欢它。所以你也可以享受悲伤或戏剧性的时刻。有时,当我演奏某些特定类型的曲目时,我会挣扎,除了莫扎特——不是因为它在技术上更容易,而是因为莫扎特的音乐本身给了我巨大的欢乐。” 在莫扎特的钢琴协奏曲中,只有两首是小调。对赵成珍来说,《d小调协奏曲》K.466尤其证明了莫扎特的器乐和管弦乐作品可以像他的歌剧一样令人惊讶和充满戏剧性,例如《唐·乔万尼》。“对我来说,莫扎特拥有一切。他的音乐有很多层次,能让我感受到人类的各种情感。例如,d小调的第三乐章中有一些部分他使用了小调,但后来转向大调,这给人一种不同的感觉,就好像他在变幻情绪,真是天才。”
巴考尔《拉威尔、德彪西、斯特拉文斯基》
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这张专辑是希腊女钢琴家吉娜·巴考尔演奏拉威尔、德彪西、斯特拉文斯基的作品,由约翰· 吉尔古德担任解说。此专辑打破纯音乐的局限,用诗歌还原作品的文学源头,让乐迷更直观地理解印象派音乐的画面感。巴考尔的拉威尔、德彪西演绎兼具浪漫色彩与技术精准度,是该作品的经典录音之一。吉尔古德的朗诵为作品赋予了戏剧张力,两位艺术家的碰撞让这张专辑成为独一无二的跨界珍品。专辑以三麦克风立体声技术录制,动态范围宽广,钢琴音色通透饱满,是1960年代古典录音的标杆之一,即使在今天听来依然鲜活立体。 德彪西、拉威尔和斯特拉文斯基三位近代音乐大师,是印象主义乐派的开创者、奠基者和发展者,他们的音乐创作既一脉相承有各放异彩,在音乐史上树立了光辉的丰碑,为后人留下了宝贵的的音乐财富。 对吉娜·巴考尔而言,最重要的莫过于准确把握作曲家的音乐语言的风格特征、深入揭示每部作品所内含的思想意蕴。对音乐本体的始终不懈的钻研探究,使她对各个时期音乐语言和风格的形成、发展、变化等有了透彻的了解。吉娜·巴考尔虽然是女钢琴家,却以刚强而宽阔的演奏幅度闻名,她的保留曲目很广泛,从古典风格到浪漫乐派几乎无所不包,她既能发出很宏亮辉煌的声响,弱奏也很有魅力,在女性钢琴家中,她的适应力是惊人的。
朱利安·布里姆《巴洛克吉他音乐》
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这张专辑是朱利安·布里姆的早期录音,当时他年仅32岁。录音时“杜比”抑噪系统尚未发明出来,唱片听上去有一种老磁带的沧桑感。
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柯冈《巴赫·六部小提琴与大键琴奏鸣曲》
柯冈《巴赫·六部小提琴与大键琴奏鸣曲》
这张专辑是小提琴家莱昂尼德·柯冈与大键琴演奏家卡尔·李希特合作,演奏巴赫的六部《小提琴与大键琴奏鸣曲》。 莱昂尼德·柯冈(Leonid Kogan,1924-1982)前苏联小提琴家,被后人评为二十世纪最伟大的小提琴家之一。柯冈是俄罗斯小提琴学派的辉煌代表,他在强烈的情感投射和细腻的音色处理上,都展现出惊人的意志力和无瑕的技巧控制,他有着超凡的演奏技巧和深厚的音乐造诣。 卡尔·李希特(Karl Richter,1926.10.15-1981.2.15)德国指挥家、大键琴、管风琴演奏家。李希特十分擅长巴赫的键盘作品,他的演奏风格,源自莱比锡乐派传统,强调戏剧性与效果,在演奏时不仅有力度,而且刚柔相济,有宏大的气势又有美妙的音色,有极大震撼力。 巴赫《为小提琴和大键琴所作的六部奏鸣曲》BWV1014-1019,这六部作品在音乐会上不如6首无伴奏演奏的概率高,原因是它对幻想的表达不如无伴奏表达得自由,而在技巧上表现得更加精密。音乐评论家们认为,6首无伴奏是幻想和感情交织的音乐,而这六部奏鸣曲数字低音伴奏偏重于技巧化与通过技巧来表达知性。著名的巴赫评论家史怀哲认为,悲痛、神秘感是这六部有伴奏奏鸣曲的主要内涵,“悲痛支配了这些作品,巴赫可能是在失去前妻的印象之下创作的这些作品”,“这些作品如同贝多芬的奏鸣曲,也是表现感情和内在体验的,但呈现出来的却是力量代替了热情”。
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保罗·施瓦茨《咏叹调·精选辑》
保罗·施瓦茨《咏叹调·精选辑》
这张专辑是Cafe del Mar旗下以歌剧与电子乐融合为主题的Aria系列精选辑,由Paul Schwartz与Mario Grigorov两位音乐人主导制作,是Cafe del Mar品牌拓展音乐多元性的重要尝试。这张专辑不仅是电子乐与古典歌剧融合的先锋之作,更代表着Cafe del Mar品牌从场景音乐向概念化艺术表达的转型,其独特的“电子巴洛克”风格至今仍被视作Chill-Out音乐中的另类经典。 Aria系列诞生于1999年,正值Cafe del Mar成立唱片公司之际。Paul Schwartz本身具有深厚的古典音乐造诣,他与Mario Grigorov将歌剧咏叹调、古典旋律与现代电子乐结合,创造出一种"神秘且富丽堂皇"的意境,突破了Cafe del Mar以往以海岛落日氛围为主的Chill-Out风格。这种跨界尝试获得了乐评界的高度评价,成为系列中艺术性突出的分支。 专辑以歌剧电子化为核心,重新演绎了普契尼《蝴蝶夫人》中的《Farewell》、亨德尔歌剧《塞尔斯》的咏叹调《Ombra Mai Fu》等经典段落,通过电子合成器、氛围音效与古典声乐的交织,营造出史诗般的空间感。相较于Cafe del Mar主系列的放松沙滩场景,Aria系列更强调戏剧张力与情感深度。 《Aria》是由Paul Schwartz构思、创作和表演的,是由歌剧中的经典片段变形而创作的充满现代气息的氛围舞曲。但是和其他氛围舞曲专辑不同的是《Aria》并不是仅依靠键盘和采样来完成的。专辑的音乐的出发点在于尽可能让人感觉到真实而生动,试图在听众的脑海中树立与一支大型管弦乐队共处伦敦最棒的录音棚——阿比大街——的现场一样。 专辑中的人声并非采样,而基本由百老汇如日中天的女高音Rebecca Luker录制。这些所有的真实人声使得整张专辑表现出了在该类音乐中前所未有的鲜活感和现场感。这些鲜活逼真的元素和强劲流畅的音乐结合创造出了一次令人兴奋的灵魂和心脏的双重体验。
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20世纪伟大钢琴家《罗莎琳·杜蕾克》
20世纪伟大钢琴家《罗莎琳·杜蕾克》
这张专辑收录了罗莎琳·杜蕾克的演奏录音,包括巴赫的键盘独奏作品。可以为如何欣赏杜蕾克的音乐,以及她的天赋、思考音乐的方式提供最好、最详尽的解答。在杜蕾克有力而且可以完全分离独立的十指带领下,音乐就像在她所创造的环境下十分自然的深呼吸。在错综复杂的旋律线中,你会对她奇妙触键下所流泄的清澈琴音感到讶异,这种声音有如天鹅绒般的轻巧舒适。对乐曲结构的敏锐感受再加上清晰的音色、独一无二的转换乐句以及表达概念的方法,这就是杜蕾克的音乐。本世纪有三位音乐家让我们更明了巴赫键盘音乐的艺术以及各种不同诠释方法的可能性,那就是兰德芙丝卡、杜蕾克与古尔德。这三位音乐家的音乐风格都很鲜明,他们的巴赫都具有迷人的吸引力与个性,但是诠释方法却全然不一样:兰德芙丝卡极度浪漫,古尔德的音乐线条古典且简洁,杜蕾克则特别注意乐曲的结构。她用音符与乐句来“构筑”音乐,因此我们彷佛可以从她的音乐里“看”到乐曲的形貌样式,就像一个个单独的细胞成长并结合成一个活生生的有机体。再加上杜蕾克的十指触键能够完全独立不受影响,因此她能任意把单纯的乐句弹得丰富多彩,这里所选录的六首组曲最能呈现杜蕾克的乐思与音乐概念。灿烂的乐音伴随着无穷的节奏,音乐如同在她的指尖下跳跃。不过在第二号组曲一开始,音乐又洋溢着高贵典雅与庄重的风味。在一成不变的乐谱束缚下,杜蕾克能够跟随音乐的脚步,她知道音乐的魅力在于强烈的对比与情感。这是杜蕾克的使命,也是让她得到肯定最主要的原因。
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