05. Wagner Tannhauser- Overture

著名音响厂牌麦景图为记念建厂50周年，推出最具纪念性金装版C2200 Gold Tube前级及MC2000后级，并同时推出试音天碟。内容以管弦乐及合唱音乐为主，尽皆雅俗共赏的古典名曲之作，可称为近年最高素质可供入门古典及发烧测试的CD唱片，虽然价钱昂贵，但对于发烧友来讲，这张唱片确是必备之碟。 有许多朋友问我，怎样才能较快地激发出对古典音乐的兴趣？我觉得，如果你无法经常光临音乐厅的现场，那么，有一套较好的音响系统，或一张合适的唱片，应该是一个很好的开始。要知道，如果用失真严重的音响来完成和古典音乐的初恋，其结果，可能让你觉得恐惧或索然无味，因为你的耳朵会受不了那一大堆的乐器发出的庞大声音。你会失望于自己听到的不是美妙和丰富，而是繁杂和刺耳。同样的，在开始时，就尝试聆听那些艰深得让你觉得枯燥和不知所云的音乐，不管作曲家多么伟大，你也可能就此止步于古典大门之外。而和你“第一次亲密接触”的若是那些迷人优美、引人入胜的作品，情况则可能相反。因为，感官总是比认识先行，轻松而好听的声音，会将你的神经牢牢牵住，然后让你头也不回地踏上爱乐之路。 这张试音碟的选曲悉数来自美国发烧录音厂家的录音母带；内容则完全以古典音乐中精华乐段为主，分别来自斯特拉文斯基《火鸟组曲》、德沃夏克《新世界交响曲》、比才《卡门组曲》、柏辽兹的《幻想交响曲》、科普兰的《牛仔比利》、维瓦尔弟的《四季》等热门的作品，想必专门编辑一份古典音乐入门的教科书，也不过是选取这些乐段做示范。音乐之好听，我不敢说百分之百的人都无法抗拒，但至少我的一个从来不听古典的朋友听到之后，就抢去听了好久都不肯归还。

这张专辑是小提琴家凡格洛夫与钢琴家布朗合作，演奏克莱斯勒、萨拉萨蒂、帕格尼尼等作曲家的作品，还包括约翰·威廉姆斯的电影音乐《辛德勒名单》的主题改编曲。在专辑中，凡格洛夫、布朗两位音乐家选择了12首最受欢迎的、而且是他们自己最心爱的小品，有辉煌的炫技、甜美的旋律，还有小提琴与钢琴的美妙对话。 凡格洛夫展示出令人难以置信的演奏技术、无可比拟的美丽音色和灿烂的音响效果，他与生俱来的魅力以及瞬间改变情绪和性格的能力才是他真正与众不同的地方。凡格洛夫甚至使克莱斯勒《爱的悲伤》、《爱的喜悦》这样的俗套作品听起来清新自然，并散发出内在的真诚，没有一点廉价的多愁善感。凡格洛夫在演奏这些作品时明显是非常享受的，所以他的演绎是具有感染力，而钢琴家伊恩·布朗也是同样的享受着，他与凡格洛夫一样的真心喜爱这些看似“无足轻重”的小作品，这使他的钢琴发出可爱的、微妙的美妙声音。

作为古典乐界最具天份、声望最高的年轻小提琴家之一，张莎拉演奏的小品专辑，无疑是她大部分唱片中是最有吸引力的，而且其中的曲目包罗万象，音乐内容丰富多彩，张莎拉演奏中的很多优点在这其中更加显而易见。 很多老一代小提琴演奏大师所热爱的小品，如今已渐渐被年轻一代遗忘，很多演奏家总认为这些作品分量太轻，不能显示自己的实力。殊不知，演奏这些小品无论是对自己乐感的培养还是音乐素养的提升都有着很大的帮助，有时一首小品要演绎得生动也并不比演奏一首协奏曲或奏鸣曲容易。相比之下，张莎拉对这类可口的“甜点”倒是情有独衷。 这张专辑的演奏一如既往地可爱，音乐的流露就好比专辑的标题纯朴、真诚。开场的《精灵之舞》精神抖擞，光彩绚耀，让人眼花缭乱。帕格尼尼的《如歌》、门德尔松的《乘着歌声的翅膀》、格鲁克的《旋律》等作品由她奏来音色迷人、格调高雅，音乐处理细腻，很经得起推敲。而诸如《霍拉舞曲》、《木屐舞》、《引子与塔兰泰拉》等一些“琴王”海菲兹的拿手好戏，在这位年轻的后生手中同样举重若轻，游刃有余，精彩、紧凑，天份尽显，让人不禁佩服。

这套录音的内容很丰富，反映指挥家战后的现场演出风格十分全面，12CDs的内容完全是Furtwangler&BPO的组合。诚然无论在萨尔斯堡、拜罗依特、伦敦、罗马，还是在斯德哥尔摩，或者埃及，都留下富特文格勒战后录音的光辉；有些是与维也纳爱乐合作，有些是与水平不一的当地乐队合作。这些录音都是不能忽视的，然而富特文格勒与柏林爱乐在他们大本营的演出对于指挥家的战后年代而言，还是有着坐标原点般的分量。这套录音囊括了太多名演，十二张唱片从1947年5月25日大师重返舞台，指挥贝多芬第五、第六交响曲的首场演出开始，到1954年5月23日，富特文格勒最后一次在柏林登台，指挥相同作品的音乐会结束。指挥家战后在柏林的演出也有些不是RIAS的，譬如1952年勃拉姆斯“第一”的现场，但本套唱片内容之丰富，品质之超凡，仍每每给我荡漾于珍宝馆中的感觉。

这套合辑是钢琴家拉罗查1989-1991年间在纽约录制的莫扎特钢琴独奏作品辑。演奏莫扎特的钢琴作品是拉罗查的看家本领，她指下的莫扎特钢琴奏鸣曲不愠不火，简朴中蕴含着浓厚的诗意。正因为如此，她被乐迷尊称为“莫扎特夫人”。聆听这5张唱片，你能感受到她的含蓄内敛、充满诗情画意的内心世界，同时在技巧上的自信与朴素，脍炙人口的《土耳其进行曲》演奏得更是饶富趣味。K310、K330、K331、K545这四部钢琴奏鸣曲中，能感受到乐曲那如日光之七彩融于一体的，出奇的妩媚、温存和飘逸。

这张专辑是小提琴家大卫·奥伊斯特拉赫与钢琴家李赫特、戈登维杰尔、鲍尔合作，演奏贝多芬的小提琴奏鸣曲。1950-1967的现场演奏录音。

这张专辑是由著名的意大利弦乐四重奏团演奏海顿的弦乐四重奏作品。海顿被誉为“交响乐之父”，其实也是“弦乐四重奏之父”。许多评论甚至认为，海顿对于弦乐四重奏这种音乐形式的发展所作出的贡献，要超过作曲家对交响曲发展的贡献。但有意思的是，作曲家曾经承认，自己使用这种形式创作音乐是“纯属偶然”的。可见海顿只是在不知不觉中完善了弦乐四重奏，而非刻意去创造或革新，而正是他的“随意”，造就了四重奏上的神话，因此无论后来的贝多芬、舒伯特、勃拉姆斯、巴托克乃至肖斯塔科维奇等等，作出了多么大胆、新奇的创举，多么了不起的发展，从某个角度上来说，仍然无法超越海顿，海顿的四重奏的紧凑、精致、活力充沛而尤其是旋律上的纯净之美，永远是后世的楷模。

这套20CD合辑收录了长笛演奏家让-皮埃尔·朗帕尔1963-1969年间的全部录音。 法国长笛演奏家让-皮埃尔·朗帕尔，他之于长笛，就像鲁宾斯坦之于钢琴、奥依斯特拉赫之于小提琴。毫无疑问，他在1960年代录制的唱片中包含了许多他最好的演奏作品。在立体声的黄金时代初期，是一个记录音乐历史的辉煌时代。朗帕尔和许多音乐家伙伴、录音师们以卓越的音质呈现了大量的杰作，从巴赫、维瓦尔第、莫扎特和舒伯特到伊伯特、普朗克、普罗科菲耶夫和乔维，更没有忽略一些不太知名的音乐作品宝藏。但最重要的是，这些录音展现了一位不可超越的艺术大师光芒四射的个性，以及一位非凡音乐家的艺术表现力，朗帕尔的演奏总能带来神奇的时刻。理想主义是对他们最好的描述。

这套专辑是1992年推出的纪念专辑。秋日之中驀然回首，重现歌剧女神绝代风华。歌剧女神卡拉丝在二十世纪中叶的到来，为歌剧界带来了让人振奋的力量和气息。她传奇的一生和充满魅力的舞台风范，让她的一顰一笑都成为当时媒体关注的焦点。她与意大利女高音苔芭尔迪在墨西哥分饰同角的消息让两人各拥歌迷，最后甚至在米兰斯卡拉歌剧院上演叫嚣对骂的历史性场面，而她在一九五三年间快速甩三分之一体重，以求和希腊船王欧纳西斯共结连理的事蹟，更是近代名女人追求外表与内在均美的著名案例。然而，这些都不是这位歌剧女神之所以名流青史的真正原因，真正让她为后世诵念的原因，正在这份录音之中。

这张双CD专辑收录了海顿的6部“艾尔道迪”弦乐四重奏（作品76），由塔卡契弦乐四重奏团演奏。 海顿的音乐风格热情、典雅，充满了欢乐、幸福、和平的气氛。他的音乐就象优美的田园诗一样。他总是用这种笔调来歌颂大自然，歌颂生活。在他的作品中，还经常可以感受到鲜明的奥地利民歌风格。海顿作品的另一个特点是具有巧妙的幽默感，乐曲中充满了愉快而别致的情趣。 在弦乐四重奏中，海顿采用“说话的原则”，即各声部彼此像交谈般地呼应，既有清晰的旋律，又有复调的美感。莫扎特说：“从海顿那里我才第一次学会了写作四重奏的真正方法。”在交响曲中，他“确立了以短小动机加以动力性展开的奏鸣性发展原则，废除了数字低音的传统，以及开始确立了近代管弦乐的编制和配器原则”。这些，都给予莫扎特和贝多芬很大的启迪。 1797年前后，六十五岁的海顿完成了其一生最为优秀的一套弦乐四重奏：《“艾尔道迪”四重奏》作品76（第75号至第80号），题献给艾尔道迪伯爵。整套作品首先是四件乐器更加地位均等、互有特性，很好地体现出相互对话的原则。其次是主题带有浪漫主义性格和浓郁的民间特色，被赋予更生动的节奏活力，更丰富的和声色彩，创作手法更为精致大胆。尤其是其中的《五度》、《皇帝》、《日出》三首带标题的四重奏更是传世佳作，知名度极高。