L03. Bruckner Symphony No.7 WAB107 - 3. Scherzo

这套合辑收录了钢琴家基辛演奏的肖邦作品，包括演奏会的现场录音。 CD1是基辛1993年2月在卡内基音乐厅独奏会的实况录音。在这场独奏会中，基辛演奏了肖邦的三首夜曲、三首圆舞曲以及幻想曲、波洛奈兹和谐谑曲各一首，这些作品都是肖邦众多创作体裁中最杰出的代表作。肖邦的曲目向来被看作是钢琴演奏的试金石，绝对是钢琴家的终极挑战，而年轻的基辛却早已跃过凭栏，通过自己迥异的气质和独到的见解将肖邦浪漫、热情以及超人的自然乐感浑然一体，充满了青春魅力。 基辛在这场音乐会中保持了一贯的高水准，既富于诗意又荡气回肠，他灵动的琴声经由录音师的妙手，不仅使卡内基音乐厅焕发出新的活力，更拉进了肖邦和听众的距离，这种心与心的互动和共鸣让所有人都为之疯狂，令人叫绝。这张专辑是钢琴独奏会现场录音的完美典范，演奏、录音水平一流，是RCA红印100最佳唱片，获得《日本唱片艺术》推荐。 CD2是基辛1993年2月在卡内基音乐厅独奏会的实况录音。他演奏了《第三钢琴奏鸣曲》、12首玛祖卡。 CD3是基辛1998年8月5-7日在德国弗莱堡的SWF录音室录制的，包括全套四首《叙事曲》、一首《摇篮曲》、一首《船歌》、一首《谐谑曲》。 CD4是基辛1999年7月30日-8月1日在德国弗莱堡的SWF录音室录制的，包括全套24首《前奏曲》、《第二钢琴奏鸣曲》、一首《波兰舞曲》。 CD5是基辛2004年7月26日在瑞士韦比尔耶音乐节的独奏会实况录音。基辛演奏了四首《波兰舞曲》与四首《即兴曲》。《波兰舞曲》是波兰古时候每小节有三拍子的民族舞蹈，也是从以前波兰上流社会开始流传的舞曲。许多作曲家都写过波兰舞曲，肖邦则以这曲式来表达他对祖国的热爱。作品二十六的两首《波兰舞曲》是肖邦早期的创作，在传统的形式中，展现出非常强烈的肖邦独特之美以及激动不安的感觉。作品40第二号的《波兰舞曲》具有深刻的悲剧性，正好与接下来以曲中战斗性与坚毅不屈精神闻名的《英雄波兰舞曲》形成对比。

这套5CD合辑收录了指挥家卡尔·舒里希特与维也纳爱乐乐团、巴黎音乐学院管弦乐团合作，1949-1956年间的演奏录音。曲目包括贝多芬《第一、二、五交响曲》、门德尔松四部序曲、勃拉姆斯《第二交响曲》、《第二钢琴协奏曲》、《小提琴协奏曲》、舒曼《第二、三交响曲》、舒伯特《第八交响曲“未完成”》、柴科夫斯基《意大利随想曲》。门德尔松的序曲中有一种清新的活力和细腻。舒里希特对舒伯特《“未完成”交响曲》第一乐章指挥了十一次后，约翰·库尔肖才终于完成了录音。这里舒里希特没有表现出怪异的速度，相反他和维也纳爱乐乐团的合作表达出了一种优雅的抒情风格。维也纳爱乐乐团的声响非常饱满，没有损害音乐和谐的构架，的确值得珍藏。 卡尔·舒里希特（Carl Schuricht，1880.7.3-1967.1.7）德国指挥家。舒里希特之所以被人们看作是具有重要意义的指挥大师，其艺术风格的独特性是最有说服力的筹码。在众多德奥指挥家中，他是个性突出的代表人物，其指挥风格尊重和继承传统，但却不死板地拘泥于传统。人们欣赏他的指挥，既能感觉到风格质朴，格调高雅的意境，又能体会到温暖亲切，自由流畅的特点。他能够赋予管弦乐团以庄重、神圣般的魄力，同时又能够带给它活泼、诙谐的情调。 舒里希特是一位沉稳、雅致的指挥大师，他在舞台上从不以大动作取胜，更没有音乐之外的嘘头。然而他指挥的音乐的内在张力却十分饱满，把握音乐层次变化的分寸感更是无懈可击。他本人富有贵族式的绅士气质，故在演释作品时，常常能够利用自己独特的优势和特点，给音乐带来富有韵味的情调。 舒里希特为人低调，总是避开那些以他的才华应得的声誉。这些都反映在他的音乐中。他是那种以服务于指挥台前的音乐为宗旨，强调忠实于原作的完整性。这意味着没有任何的夸张，没有追求表面的光辉，最重要的是不会在音乐中加入任何个人的色彩。这种做法远远不是毫无趣味的音乐表达方式 舒里希特是德国指挥学派中真正的元老指挥家，同时也是20世纪世界指挥艺术中的光荣前辈。他一生功名卓著、德高望重，是指挥艺术中伟大人物的杰出代表。

这张专辑收录了钢琴家李赫特演奏舒伯特的三部《钢琴奏鸣曲》，1979年3月31日在伦敦皇家节日音乐厅的录音。李赫特演奏的舒伯特，琴声如同丝绸一般拂过，舒伯特独特的曲调，在李赫特指尖流露出强烈的冥想气质，没有人知道他是怎么做到的，这种演奏方法可谓前无古人后无来者。 李赫特演奏中散发出的那种“生活在另外一个世界中，那世界只有他一个人能进去”的强烈个人化色彩，带了几分神秘主义，而调子几乎是灰色的，背景是黑色的。李赫特的舒伯特是苍茫孤高意境，充满了演奏者个人的孤独感。从忠实作者原意的角度看，李赫特对舒伯特是一种悖逆反叛，但从创新发挥角度看李赫特又是对舒伯特的钢琴奏鸣曲文本的一个自我阐释，他将舒伯特钢琴作品中那种轻灵风致抽去，剩下的是一个处于茫茫大地向死而生的孤独灵魂，李赫特的演绎仿佛就是为亡灵弹奏。 《B大调钢琴奏鸣曲》D575，作于1817年。此曲不但结构完整（四个乐章）、形式完美，而且构思严谨、旋律抒情优美、调性自由、富于个性。 《f小调钢琴奏鸣曲》D625，作于1818年。原稿只有三个乐章(无慢板乐章)，即“快板”、“谐谑曲”、“快板”，音乐色彩忧郁、情感动人而富于动力。这里李赫特演奏的慢板乐章取自D505。 《A大调钢琴奏鸣曲》D664，作于1819年。此曲是一首广泛流传经常演奏的奏鸣曲，也为三乐章，但乐曲清新明朗、抒情优美，旋律流畅，结构精炼，其中宁静沉思的行板乐章尤为精彩。

卡农的作者，德国作曲家帕海贝尔（1653-1706）是巴洛克时期相当重要的作曲家，他的音乐影响了音乐之父巴赫。“卡农”是现今为止最受全世界的喜爱的古典音乐作品，曾称霸美国告示牌流行音乐排行榜长达百周以上。据统计，到目前为止世界上重新演绎的卡农版本达2000余种。如果帕海贝尔还在世的话，可能是全世界版税收入最高的音乐家。“卡农”并不是曲子的名字，而是一种音乐曲式，照字面上是“轮唱”的意思。简单说，就是有好几个声部的旋律重复出现，交织着演奏互相追随，让人有无退延伸的感觉。“卡农”全长仅五分钟，旋律简单仆实，却具备精密完美的音乐结构，十足表现出对位法的严谨与平衡，它不仅是一首男女老少雅俗共赏的曲子，也是初次接触古典音乐的最佳入门曲。

这张专辑收录了阿图尔·鲁宾斯坦的演奏录音，包括肖邦的钢琴独奏作品。鲁宾斯坦天性慷慨，富于冒险精神，堪称当代最佳的西班牙音乐诠释者之一，他那阿尔班尼士“依贝利亚”（Iberia）绝妙无比的演奏更足以荣耀地所钟爱的西班牙，这也刺激斯特拉文斯基将“彼德洛希卡”改编为钢琴曲，阿图尔·鲁宾斯坦也是席玛诺夫斯基《第二钢琴奏鸣曲》与后续许多品的世界首演诠释者：要是没有阿图尔·鲁宾斯坦的大力推广，维拉-罗伯斯（Villa-Lobos）的许多作品恐怕也没有得见天日的机会。虽然如此，在阿图尔·鲁宾斯坦大量的演出录音当中，却独缺完整的“依贝利亚”、“彼德洛希卡”和席玛诺夫斯基的奏鸣曲全集，殊为可惜。 鲁宾斯坦的肖邦演奏也受到他致力于新作品作风的影响。像阿图尔·鲁宾斯坦一样，在其演奏生涯中风格与手法有如此革命性转变的钢琴家，可说是少之又少。为求消弭大众对肖邦音乐有如沙龙花花公子的刻板印象，阿图尔·鲁宾斯坦将一股清新与活力注入其诠释当中，以高尚的情感取代感伤、以力量和高贵取代病态与神经质，并以清晰而明确的音乐线条方向取代含糊的“浪漫”迂回与自我耽溺。刚开始时，阿图尔·鲁宾斯坦这种肖邦风格遭到一阵质疑，其清新之气与高贵风骨被责为冷酷无情，但数年后即转谤为誉，大众一致推崇阿图尔·鲁宾斯坦堪称最伟大的肖邦钢琴家，因为他能在肖邦高卢式的精准与斯拉夫式的热情中求得完美无瑕的平衡。他这种点铁成金的能力得来不易，潜沉的使命感逐渐取代早期的肤浅放荡。他曾大言不惭地告诉一群仰慕者，他演奏的掉音多到可以拼成一首交响曲：由此观之，他早期成功乃肇因于其直截了当的亲和力，而非之后学究式的一本正经，此时他一反其原有个性，生命中较为深沉严肃的一面已展现出来。阿图尔·鲁宾斯坦曾表示不希望自己的孩子听人说父亲是本可成器的二流钢琴家。因此从四十七岁起他才开始大幅增修演奏曲目，原本的活力依旧，但要增添对细节的注意与对原谱的谨慎态度，为早年的旺盛精力与轻佻所掩盖的从容气度，此时便展露无遗。

这套合辑收录了澳大利亚钢琴家乔伊斯1933年至1958年期间录制的全部作品。从这些录音中，可以听到她年轻时期的出色钢琴演奏技艺。 乔伊斯出生于澳洲塔斯马尼亚的一个小镇，后来长期居住在英国，曾被当时的乐评家列入可以与克拉拉·舒曼比肩的几个女性钢琴家行列。古尔德评价她演奏莫扎特的作品时，“怀揣着真正的忠诚”。

这张专辑是富特文格勒指挥维也纳爱乐乐团，演奏理查·施特劳斯的三部交响诗。 交响诗《唐璜》作品20，作品的热情与灵感来自于奥地利诗人尼古拉斯·雷瑙的同名诗作。 《死与净化》作品24，作于1888年，完成于1889年。是理查·施特劳斯交响诗中的杰出之作，与曲作者其它交响诗的不同之处是，它不完全是故事性的，也不完全是图解式的，尽管它有详细的说明文字，但是完全可以当作一首无标题音乐来听。 《蒂尔的恶作剧》作品28，作于1894-1895年间，是施特劳斯根据中世纪的传奇故事，用古回旋曲式写成的。理查·施特劳斯本人也略带叛逆和恶作剧的性格(他曾开玩笑地把自己和蒂尔等同起来)，不会不被蒂尔吸引。1893年，比利时作家沙尔·德·科斯特的《蒂尔·艾伦施皮格尔和拉梅·戈德查克的传奇》通俗版出版。同年6月，理查·施特劳斯开始着手写作一部以蒂尔的传奇故事为素材的歌剧，但1894年5月作曲家的第一部歌剧《贡特拉姆》的演出惨遭失败，可能因此使他失去了把《蒂尔》写成歌剧的信心。但正如我们所知道的那样，作曲家最终为蒂尔创作了一部交响诗杰作，乐曲于1895年5月6日完成。

这张专辑是希拉里·哈恩与马里纳指挥的圣马丁室内乐团合作，演奏勃拉姆斯、斯特拉文斯基的《小提琴协奏曲》。知名乐评泰瑞·蒂侨特（Terry Teachout）在Time时代杂志中赞扬道：“希拉里·哈恩是当今美国最杰出的新生代古典音乐演奏家！她的曲调轻盈甜美，她的演出创新时尚。即使是烂醉如泥，甚或是愤世忌俗的乐评家们，都要融化在她动人的音乐中。这位小提琴天才演奏家，在她如日中天的音乐生涯里，依然循著自己的步伐前进，丝毫不受压力阻扰而有所窒碍。” 经历前几张专辑演奏巴赫、贝多芬与伯恩斯坦等人的作品而声名大噪之后，在一次偶然的机会里，希拉里·哈恩听到了斯特拉文斯基的小提琴协奏曲，不凡的旋律，让她立即决定要在自己的专辑中演奏此曲。再加上她十岁时第一次听到便无法忘怀的勃拉姆斯协奏曲，一张深具挑战，且完美无双的录音作品就此诞生。这两首协奏曲是勃拉姆斯与斯特拉文斯基于颠峰时期完成的代表作品，希拉里·哈恩说“我一直梦寐以求，希望能有机会得以演出这么美的不可思议的大师杰作，它融合愉悦却又忧郁的曲调，深深令我着迷。” 勃拉姆斯《D大调小提琴协奏曲》作品77，作于1877至1878年，是他一生中创作的唯一的小提琴协奏曲。乐曲具有浓厚的田园牧歌风味和匈牙利民歌情调，那种安详与厚重相得益彰的感觉，正是勃拉姆斯所独具的特色。在这部作品中，勃拉姆斯成功地将浪漫主义的激情与古典主义的严谨结合起来，并在曲式上有很多大胆创新。 斯特拉文斯基的《D大调小提琴协奏曲》作于1931年。此曲浓缩并实践了这一时期斯特拉文斯基在创作上的理念和音乐审美倾向，作为古典主义时期最具代表性的作品之一，它也不可避免的成为后人了解这一时期各种音乐现象和特征的窗口。这一作品的诞生，是继勃拉姆斯和巴托克等作曲家之后又一例作曲家与演奏家成功合作的典范。毫无疑问，《D大调小提琴协奏曲》所提供的创作经验，不论是对于斯特拉文斯基本人，还是对于同代及后代的其他作曲家来说，都产生了极大的影响。它是一部当之无愧的小提琴创作精品。

这张专辑是奥地利指挥家卡尔·伯姆的录音精选辑。参与演奏的乐团：爱乐管弦乐团、维也纳爱乐乐团、科隆西德广播交响乐团、德累斯顿国家歌剧院乐团。 卡尔·伯姆（Karl Bohm，1894年8月24日-1981年8月14日）奥地利指挥家，二十世纪著名的指挥大师。卡尔·伯姆指挥音乐作品，给人以纯正、端庄、沉稳、深厚的感受，而不会给人们带来不安和浮躁的情绪。伯姆的音乐手法是简洁、清爽、有力，排斥了浪漫主义的过度伤感，也不沉溺于放纵的技巧表现，实现了平衡巧妙、音响柔和、节奏稳固的音乐效果。 在音乐内在意义的表现方面，伯姆的方法是不过份地注入感情，不牵强地借助理念和逻辑来表达作品，而是从作品固有的形式中去把握其内在的美；例如在指挥瓦格纳歌剧时，伯姆也不是突出、夸张瓦格纳的激情和虚华的浪漫情感，而是化泛滥为收敛，将纯粹的内在音乐精神凝聚起来，表现出紧张、庄重的美。 卡尔·伯姆是一位对艺术极其认真严肃的指挥家，亦是一位典型的继承维也纳传统的指挥家，他的指挥风格是严谨、端庄、自然、质朴和深邃。伯姆诠释作品时，总是抱着一种客观笃实的态度来研究作品的内容，并力争用一种明确朴素的手法来引导乐队表现出作曲家的意图，从这一点看来，他是一位富于理性的指挥家，而正是这种有着极强控制力的理性，才使他将古朴的维也纳风格保持得那样正统、完好和自然；伯姆的指挥有着异常高雅的意境和气质，人们可以从他指挥演奏的乐曲中感受到一种丰富的艺术修养和深邃的思想性，总是力求作到朴实、稳重和深厚。 伯姆在20世纪指挥艺术史上，是一位引人注目的德奥歌剧和交响乐指挥权威；在歌剧方面，他对莫扎特、贝多芬和理查·施特劳斯的作品有着权威的演释，而这其中又尤以莫扎特和理查·施特劳斯最为突出——对于理查·施特劳斯的作品来说，他的演释具有特殊的积极意义，这位大作曲家兼大指挥家，不但是伯姆在艺术上的一位恩师，同时也是他的一个志趣相投的朋友。 伯姆作为交响乐指挥家也有着极为光彩的业绩，他对于莫扎特、贝多芬、舒伯特、勃拉姆斯和理查·施特劳斯等人的大量交响音乐作品，都有着很有特色的演释。伯姆虽然一生中指挥了大量的作品，然而他却不是一个指挥曲目丰富的指挥家，这种情况是与他本人的个性、气质和精神素质有着很大关系的；他一生基本只指挥德奥作品，对于其它国家的作曲家他几乎是从不过问的，在富于理性的德奥作品中，伯姆却真正找到了适合他个性发展的途径。

这张专辑是小号演奏家哈肯·哈登伯格与钢琴家罗兰·潘提纳合作，演奏7部现代派的钢琴与小号作品，都是世界首次录音的曲目。哈登伯格不仅热衷以“循古”来拓旧，也积极用“纳今”来开新。实际上，当今许多著名或不著名的现代作曲家都曾为哈登伯格写过小号作品，如里凯蒂、沃特金斯和日本作曲家武满彻等。此外，他对爵士乐、拉小提琴和歌唱也充满了兴趣。他认为，这些兴趣对他演奏小号都有帮助。 小号以被视为独奏乐器来看的话，第一个黄金的时期是巴洛克时期，之后渐渐消褪，直到二十世纪爵士乐的兴起，又再度将小号带入受欢迎的阵营中。十九世纪则以刚发展的短号较受重视。 专辑中阿尔班的作品即是短号作品。阿尔班除了是演奏家之外，同时为短号的曲子写作树立起一种模式，即选一流行曲调为主题加以变奏。奥涅格的小号与钢琴进场音乐是1947年日内瓦的一个音乐会议之开场音乐，为小号奠定了重要的基础。另外专辑也收录了二十世纪较富实验的作品，内容五花八门，精彩万分。