Vocalise in E minor, Op. 34, No. 14

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这套10CD合辑是钢琴家切尔卡斯基1923-1960年的演奏录音精选。其中钢琴独奏部分包括：李斯特、肖邦、舒伯特、斯特拉文斯基、舒曼、门德尔松、勃拉姆斯等的作品；协奏曲包括：李斯特、柴科夫斯基、普罗科菲耶夫、肖斯塔科维奇的作品；还有一部拉赫玛尼诺夫的大提琴奏鸣曲。 英国著名音乐杂志《留声机》这样评价切尔卡斯基：“没有切尔卡斯基的生活是不一样的，但记忆依然存在。”切尔卡斯基是钢琴家中最后一位伟大的浪漫主义者，也是肖邦和李斯特最重要的诠释者之一。

与肖邦同神游CHILL WITH CHOPIN

这张专辑是“20世纪伟大钢琴家”系列的唱片集锦，这些艺术家的录音都代表了20世纪钢琴艺术的最高水平和审美潮流。这张《唱片集锦》收录的68轨录音，正是“二十世纪伟大钢琴家系列”的精华，几乎是每一位钢琴家最拿手的曲目。没时间听整套的朋友虽然很遗憾，但聆听这张专辑，也可以感受钢琴艺术的精妙，体会到一代钢琴大师的精湛技艺和钢琴音乐的厚重底蕴。

这套合辑收录了钢琴家布伦德尔1955-1975年间的独奏录音。当布伦德尔在2008年结束了他的公开表演生涯时，发行了这套合辑，以表达对这位当代伟大的钢琴家的敬意。这些录音是在布伦德尔达到他国际化演奏事业巅峰前录制的。从这些早期的录音中，可以感受到他那热情、生动、引人入胜的演奏风格，作为一个雄心勃勃的二十多岁的年轻人，布伦德尔的演奏比后期更流畅、更真实，也更灵动。 阿尔弗雷德·布伦德尔（Alfred Brendel，1931-）奥地利钢琴家。布伦德尔是二战后老一代与中生代钢琴家之间承上启下的人物，他是战后成名的钢琴家中年龄较长者，至今已在舞台上驰骋了近半个世纪。演奏会上的布伦德尔很有特点，每次出场犹如宗教仪式一般，双眼仿佛瞪着天花板似地走到钢琴前，要等到观众席鸦雀无声时，才慢条斯理地开始演奏。但是，一旦开始演奏，就不再看观众席一眼了。当演奏到优雅微妙的乐段时，布伦德尔就忽而低下头注视键盘，忽而眼睛眺望虚空，嘴里无声地哼唱着流畅的音乐，像是深切地歌颂自然一般，此时的布伦德尔完全陶醉在自我的音乐中。不论有多少听众，他总是把他们与自己的音乐紧密地结合在一起，演奏时犹如在与听众对话般地亲切而又富于说服力。他确信音乐具有内在的精神力量，惟有音乐的崇高表现才是与听众心灵的交流。他的录音非常多，许多作品都多次录音。特别是一些经典作品，几乎录音技术每有重大突破，他都要重录一次。 布伦德尔的演奏风格是继承德奥系的传统，注重结构、内在张力强。他知识广博、技术辉煌，对音色非常敏感，在处理装饰音和华彩乐段方面具有独到之处。他的演奏清纯隽永，音色变化细微，善于处理装饰音，注重情感、想象力丰富。他是学者型的钢琴家，对演奏的每一部作品都要潜心研究，深入探索，以揭示深刻的内涵。但他的演奏并不刻板，而是非常浪漫抒情。布伦德尔总是把自己的热情及幻想寄托在作品中，以发挥他的艺术精髓。他是一位诚实的钢琴家，可以说是目前钢琴家中精神派的代表人物。早先他在维也纳因弹奏李斯特作品而名盛一时，他的手指灵活、富有弹性，旋律的流动圆滑舒畅。能像布伦德尔那样把李斯特特有的甜美旋律表现得温暖飘香的钢琴家并不多见。

这张专辑包括斯特拉文斯基的两部作品。一是奥斯卡·丹龙指挥皇家爱乐乐团演奏的《彼得鲁什卡》；二是勒纳·莱博维茨指挥伦敦节庆管弦乐团演奏的春之祭。由著名录音师韦尔金森（K.Wilkinson）分别于1962、1960年在英国伦敦录制。专辑演奏、录音都极为出色，是古典音乐的天碟级作品。

这张专辑收录了克劳迪奥·阿劳演奏的录音，包括肖邦、李斯特、舒伯特、德彪西、莫扎特的作品。并不是所有人都能接受阿劳诠释的莫扎特。无论阿劳录制《幻想曲》K.475时，是否比他在1930年代减少运用对比，但是我们耳朵听到的是阿劳的对比并没有特别比使用古钢琴夸张，虽然音色相当丰富，不过阿劳一直保持着如水晶般清澈透明的音色，这也是阿劳音乐最主要的特色。关于《幻想曲》最后的评语是：阿劳把这首曲子诠释为由两个部份所组成的作品，而不像奏鸣曲K.457般的分成序奏与本体。尽管莫扎特很明显的希望这两个部份合为一体，但我认为，阿劳的决定是正确的，因为即使是与《c小调奏鸣曲》相比，《幻想曲》无论结构或戏剧性都过于庞大。 肖邦的前奏曲可以称之为“一组”吗？鲁宾斯坦与李希特在音乐会中只演奏作品28的这一组，而如同其它现代主流钢琴家，阿劳坚决认为这二十四首前奏曲就是完整的一组。产生争议的原因在于调性问的关系等问题上，阿劳当然先入为主的偏好大型作品，于是他理所当然地把这二十四首前奏曲视为同一部作品。如果以大型作品的角度来看，要注意的就是如何让这些短曲有足够的份量。阿劳的风格与音色相当了不得，几乎只演奏一页的长度就能感受到与更长一点乐曲同样丰富的内容。或许最明显的例子就是《B小调第六号前奏曲》。双手几乎是同等突出，如悲伤钟声的右手部份为左手的旋律增添了能够引起怜悯的感伤力。真是非常特别的经验。阿劳在诠释肖邦“激动地”与“活泼地”这两种标记的作品也非常成功。第一首前奏曲“激动地”中，阿劳在二十秒内表现出两种不同对比，“活泼地”第三、十一与十九号的速度虽然不是依照原有的速度指示演奏，然而曲中依然洋溢着爽朗活泼的气氛。

这套合辑收录了钢琴家柯尔托1919-1959年的主要录音，是为了纪念他离世50周年而发行的鸿篇巨制。 阿尔弗雷德·柯尔托(Alfred Cortot，1877-1962) 法国钢琴家、指挥家，法国钢琴学派的代表人物。法国钢琴学派最能体现古典音乐中的贵族精神：有技不炫，尊重与钻研传统艺术，追求每一个有个性有想法的音符，具有深厚文化修养，并且内在的情感力量也绝不含糊。 世上所有钢琴家都弹肖邦，问谁弹的最好？普通乐迷会说，鲁宾斯坦；资深乐迷则推荐：柯尔托，只有柯尔托。他弹的肖邦不是最完美，却是最迷人的。不可方物、不可捉摸，也不可模仿。 柯尔托的演奏，刚中带柔，又柔中带刚，触键时的声音晶莹剔透，闪闪发光，再加上他对于肖邦作品独有的想象力，从而使之成为柯尔托独有的风格。柯尔托对肖邦尤其情有独钟，他演奏的肖邦以自由节奏闻名于世，与鲁宾斯坦的肖邦作品是截然不同的风格，是以性格和智慧取胜，而不是以准确见长。 柯尔托的演奏追求高贵的气质、抒情性与迷人的音色的结合，他演奏的肖邦的作品，突出了其亮丽和细腻，强调了丰富的表情。曾编注许多钢琴作品，讲述钢琴技巧、表现颇多卓见。他的演奏把作品中优美的抒情和高贵的诗人气质表露无遗。正如柯尔托的弟子所说的那样：“他指间的错误正如上帝所犯的错误。” 钢琴家傅聪说：“最喜欢柯尔托，他弹肖邦，没有谁可以比他更好了，鲁宾斯坦很高贵，但鲁宾斯坦却不是诗人，不够诗意，柯尔托却是个大诗人。”

儿时的美丽部落，只能在闭上眼睛时才看得见！..................查劳 查劳，一个从没有忘记自己身体里流着阿美族血液的邦查青年。六岁开始玩哥哥的吉他，十一岁学打鼓，很小就跟着朋友到台北打工。在都市浮沈漂泊十几年后，最后选择回到花莲太平洋边的橄树脚部落，与友人组成巴西瓦里乐团四处巡演。问他为何回乡？他说；听着太平洋的浪花拍打着东海岸的声音，才能真正地安稳地睡着。

这张专辑是匈牙利裔美国籍指挥家尤金·奥曼迪的录音精选辑。参与演奏的乐团：费城交响乐团、巴伐利亚广播交响乐团。 尤金·奥曼迪（Eugene Ormandy，1899年11月18日-1985年3月12日）匈牙利裔美国籍指挥家。奥曼迪的指挥是建立在尊重古典传统和坚实浑厚而又细腻的演奏风格之上的，他的音乐既不飞扬浮躁，亦不畏首畏尾。尤其是指挥俄国作曲家的作品时，更是感人肺腑。 奥曼迪这位本世纪著名的、具有传奇色彩的指挥大师，从1936年开始担任费城交响乐团的音乐指导和常任指挥时起，一直到1980年因年龄和健康原因卸去该团常任指挥职务而退居二线时为止，整整和这个伟大的乐团合作了44年，而且在这奇迹般的44年里，奥曼迪既不像伯姆那样中间有过间断，也不像卡拉扬那样同时担任好几个乐团和歌剧院的常任指挥，他与费城交响乐团朝夕相处、紧密相连，从没有离开过一步，将自己毕生的心血全都投在了费城交响乐团身上，为这个具有光荣传统的乐团，在半个世纪中始终保持着少有的顶尖级乐团的水平，做出了无人可以取代的贡献。奥曼迪经过44年的执著奋斗，将费城交响乐团的声望提到了历史上空前未有的高度，使那无比迷人的“费城——奥曼迪之声”响彻在全世界的每个角落中。 奥曼迪的主要指挥风格是纯朴、精致、细腻和富有光彩，他对于精美润泽的音色和感情丰富的歌唱性，都有着敏感的要求和内在的体验。从指挥曲目上看，他是一位“广博性”的指挥家，但再从中仔细地观察一番，便能够体会到他对俄国作品的偏爱，在这些出色的俄国作品中，他找到一种能够与他内心感情进行直接交流的东西。一般来说，他对于柴科夫斯基、鲍罗丁、拉赫玛尼诺夫、普罗科菲耶夫和肖斯塔科维奇等作曲家的作品，有着极其深刻的理解和精辟的演释。他指挥的拉赫玛尼诺夫的交响曲，以无懈可击的艺术魔力，强烈地震憾着人们的心灵，使人们再一次感到了他那永恒的精神与崇高的品德。