西方声乐艺术史 第四章 17 18世纪的歌唱艺术 第一节 概况

这张专辑是安塞美指挥瑞士罗曼德管弦乐团，携手西班牙著名次女高音歌唱家特蕾莎·贝尔冈扎，演奏法雅《三角帽》、《人生朝露》。在这个录音效果很好的1961年立体声版本中，安塞美展示了他最敏感的一面，他与贝尔冈扎合作，用活力和色彩把整个演出渲染得特别兴奋，并用巨大的气势处理其中分句。 瑞士罗曼德管弦乐团是一个有特色的管弦乐团，其声音在1940年代就获得了世界性的关注，韵味浓厚而有活力，木管和打击乐在合奏中闪耀光彩。这个乐团具有法国和德国的双重特征，弦乐是犀利简洁、明显是法国式的，却没有在巴黎听到的萨克管一样的巴松和有鼻音的双簧管。对于维吉尔·托马森（美国作曲家兼评论家）来说，这个乐团各个声部的交融“像贝壳一样光滑，好象是细雨之后的彩虹，像品尝仙桃一样鲜美”。这就是安塞美指挥下的瑞士罗曼德管弦乐团，它的录音被认为是可以安心享用的佳酿。 安塞美更多地实践了一种来自于音乐真诚的兴奋，他的演出被麦克风很好地捕捉到，他的音乐素养到现在仍然在以一种不可言传的方式闪烁着灵光。在聆听安塞美和瑞士罗曼德管弦乐团的演奏后，你会发现自己被一种学问、一种感悟、一种对美丽和精确的听觉的关注所倾倒。

这张唱片是大提琴家麦斯基与钢琴家阿格丽奇合作，演奏贝多芬的三部《大提琴奏鸣曲》。两位音乐大师在演奏中相辅相成、琴瑟和谐，在乐曲的展开过程中心灵相通、默契如一。他们演奏的歌唱性特别好，乐器的音色极为美妙。聆听这张唱片，他们高超的演奏技巧和丰富的内心交流，让人难以忘怀。 《A大调第三大提琴奏鸣曲》，作品69，作于1807年。此曲是贝多芬五首大提琴奏鸣曲中，名声最大的一首。 第一乐章，从容的快板，A大调，奏鸣曲式。大提琴的抒情性在第一主题中充分展现。 第二乐章，谐谑曲，很快的快板，a小调。 第三乐章，如歌的慢板，转活泼的快板。两件乐器的对位产生了如歌的主题，紧接的快板是标准的奏鸣曲式。 《G大调第四大提琴奏鸣曲》，作品102第一首，作于1815年。此曲结构极其自由，由5部分构成，是单一乐章形式的幻想曲风格。乐曲有时表达抑郁，有时表达苦笑，有时表达幽默，是贝多芬晚期作品的开端。 第一乐章以行板开始，由大提琴占据首要位置，接着乐曲的节奏加快，变成活泼的快板，旋律棱角分明，体现出贝多芬耿直、永不妥协的个性。 第二乐章，引子过后，乐曲短暂的回顾了第一乐章行板的旋律。接着的快板，是短小精悍的奏鸣曲式。发展部之前，大提琴奏出的五度和声，几次被钢琴乐句打断，扰乱了乐章的和声走向，制造出一种出人意料的效果。 《D大调第五大提琴奏鸣曲》，作品102第二首，作于1815年。此曲各乐章中使用的对位、末乐章中使用的赋格方法，都达到炉火纯青的地步，这是五首大提琴奏鸣曲的巅峰之作。 第一乐章，开始的快板明快爽朗，开门见山的进入第一主题，紧跟着是表现幅度更大的第二主题。 诗意盎然的第二乐章，是所有五首奏鸣曲中唯一的慢板乐章。第一部分和第三部分的主题，是钢琴和大提琴之间的一段对话；第二部分则是另一段对话，两件乐器在摇摆的伴奏音型陪衬下，细腻缠绵的对唱。乐曲不间断的进入末乐章，这是一首雄健的三声部赋格，到乐章过半时，出现一段温柔的旋律，与之前的赋格对比强烈，但稍纵即逝，很快又被赋格取代。

这张专辑是德国指挥家鲁道夫·肯培的录音精选辑。参与演奏的乐团：柏林爱乐乐团、慕尼黑爱乐乐团及合唱团、皇家爱乐乐团、维也纳爱乐乐团。 鲁道夫·肯培（Rudolf Kempe，1910年6月14日-1976年5月12日）德国指挥家。他的指挥风格是严谨、端庄、朴实和简洁。他指挥演奏出的音乐音响丰富、色彩鲜明，能够体现出极其高雅的意境和与众不同的品位。肯培并不仅仅是一个继承传统的指挥家，他是一个发展和开拓能力很强的艺术家，在遵照传统而完好地保持了作品的整体结构和严谨的布局之后，肯培将浪漫主义的情感因素大量地汇集在其中，使音乐作品显得更加生动、鲜明和感人。 肯培的这种特长，使得他不仅善于指挥理性较强的德奥风格的作品，而且对于情感和风趣偏重的斯拉夫民族的作曲家的作品，也有着十分精致和出色的演释，例如他对于俄国作曲家柴科夫斯基的交响曲，就有着非常独到的处理和成功的演释，而柴科夫斯基的作品一般对于德奥指挥家来说是并不擅长的。另外，肯培对于斯美塔那和德沃夏克等人的作品，也是一个演释得极为成功的专家，其中最能说明问题的作品当属斯美塔那的著名歌剧《被出卖的新嫁娘》和德沃夏克的《第九交响曲》。

这张专辑收录了桑松·弗朗索瓦的演奏录音，包括肖邦、莫扎特、巴赫、德彪西、拉威尔的钢琴独奏作品。弗朗索瓦所演奏的肖邦的不同作品风格迥异。《即兴曲》的演奏是那样的生动和鲜明，飘逸而富有表现力，staccato（断奏）的运用随心所欲。在Op.36中，他改变了leggiero（轻巧的）的速度；他的《幻想即兴曲》Op.66令人耳目一新，结尾部分完全是marcato（着重的），甚至不用踏板。他自作主张地删去了《第二钢琴奏鸣曲》第一乐章的重复段，八年后当他第二次录制这部作品时依然如此。这两个版本听起来惊人地相似，不过这个早先的录音在音色上圆润和丰满，流畅而清晰，技巧的表现也更为出色。他对于四首圆舞曲的演奏各有千秋，虽然听上去略显的老旧感，但就某种程度而言这正是那个时代法国学派的演奏风格。弗朗索瓦运用他非凡的技艺使《叙事曲》听上去是如此的令人不可思议，Op.23和Op.38他通过浓烈情感色彩来体现agitato（激动）和presto con fuoco（热情的急板）。相反，在后两曲中他表现得却是那样的平静和安祥。 在演奏他最擅长的德彪西的作品时，弗朗索瓦几乎难寻对手。他的老师Marquerite Long是德彪西的挚友，同时也是一位福雷作品的倡导者和诸多作品的首演者，手把手地将其演出的心得教给他。当提及德彪西时，他说：“我想没有人会比他更能制造梦幻，他能捕捉到镜子中一切虚幻的东西。”在他《L'isle joyeuse》或《Clair de Lune》的录音中，你能感到他的这种理解。弗朗索瓦对于Pour le piano中的托卡塔的演奏可谓登峰造极，技巧上无懈可击，乐曲的表达自始至终令人迷醉不已。他演奏的福雷作品同样色彩缤纷、优美且不缺乏力度。 当然，作为大师，舒曼的托卡塔应该在他的曲目范围内。然而，在本世纪五十年代，很少有法国演奏家去尝试普罗科菲耶夫的作品。除了浪漫主义的作品，拉威尔和普罗科菲耶夫也是弗朗索瓦的最爱。他在美国首演了的普罗科菲耶夫《第五钢琴协奏曲》，也许他想借此与他最敬仰的霍洛维兹比肩，他录制了这位俄罗斯作曲家的《托卡塔》和《第七钢琴奏鸣曲》。

这张专辑收录的柴科夫斯基《小提琴协奏曲》是梅纽因现今仅存的演奏录音，梅纽因与钢琴大师肯普夫在1970年合作的几部贝多芬《小提琴奏鸣曲》录音也非常珍贵。 耶胡迪·梅纽因（Yehudi Menuhin，1916－1999），美国小提琴家，犹太人。提到梅纽因这个名字，即使不熟悉古典音乐的人也会有耳闻。在他长达七十年的演奏生涯中，为我们留下了许多美好的录音和回忆。 任何一位伟大的小提琴演奏家，其演奏技艺与风格都会深深地打上时代的烙印，在这一点上，梅纽因本人也毫不例外。总的来看，梅纽因仍然属于世纪交替间，演奏观念和风格逐渐变迁时期的演奏大师。从他的早期演奏上来看，其风格明显受到克莱斯勒和埃奈斯库的影响，尤其是埃奈斯库，作为梅纽因的老师，他将自己赋予音乐以丰富表情和甜美意境的特点，尽数传给了这位非常善于学习别人特点的学生。此外，梅纽因在一段时期内也十分推崇海菲茨的演奏，当时，梅纽因为了能向海菲茨那样精确而科学地掌握技术，曾在这方面下了很大的功夫，并导致了他在一个时期的演奏中同样揉进了华丽和令人惊叹的炫技效果。然而，梅纽因最终并没有成为炫技型的演奏家，而是在汇集了百家之长后，形成了自己独特的，以深邃的逻辑性和细腻的音乐性为特点的演奏风格。

为了庆贺皮蕾丝70岁生日，DG公司发行了这套20CD合辑，收录了皮蕾丝的全部独奏录音，包括巴赫、贝多芬、舒伯特的作品，以及她最擅长的莫扎特钢琴奏鸣曲、肖邦的夜曲。湖水般的清澈、诗人般的敏感，从皮蕾丝演奏的音乐里就能听出她的性格，不为名利所动，也并不积极扩充曲目。作为一个不常录音，现场演出也越来越少的艺术家，这套合辑对乐迷们而言非常珍贵。 皮蕾丝（Maria Joao Pires，1944-）葡萄牙女钢琴家。她的演奏，音色极美，又善于在节奏与分句处理上表现出细微的变化，其演奏的莫扎特、肖邦，都极具魅力。她和杜梅、王建一起，已形成室内乐的最佳搭档，其演绎的室内乐作品有一种清新的美感。 皮蕾丝在乐坛一开始就是凭着她音色优美、乐思纯净无瑕的莫扎特演奏受到瞩目。她和莫扎特的关连，或许只能以天赋来解释。因为她7岁的音乐会上就是弹奏莫扎特的钢琴协奏曲。不过这还不是她最早举行的独奏会，因为身为神童的她，5岁就开了第一场独奏会。因为她有着这样惊人的禀赋，葡萄牙政府在她9岁时就颁发青年音乐家奖章给她。而因为她杰出的天份，家人也非常注意她的音乐修养，让她在里斯本音乐院毕业后，立刻前往德国慕尼黑音乐院，投入钢琴家恩格尔的门下。恩格尔的影响对皮蕾丝肯定是很大的，因为恩格尔本人就是专精维也纳古典乐派演奏风格的莫扎特名家，他也为华纳灌录了莫扎特钢琴协奏曲和奏鸣曲全集的录音，是禀承维也纳钢琴学派的名家(恩格尔本人则是法国钢琴家科托的学生)。 皮蕾丝后来在1970年赢得布鲁赛尔为贝多芬诞生200周年纪念举行的贝多芬大赛首奖，也因此早期是以弹奏贝多芬闻名，同时在肖邦、巴赫和舒伯特（她为华纳录了许多舒伯特奏鸣曲）演奏上也相当受到好评，但后来她却因为灌录了一套莫扎特钢琴奏鸣曲全集(在欧洲也由法国华纳发行)，成绩斐然而忽然被公认为莫扎特专家，这其实是她始料所未及的。但究其原因则不难了解，身为神童的皮蕾丝，早年在作曲上的训练给了她对音乐深入的认识，使她在演奏时不追求单纯的技巧为满足，而以探索音乐性灵层面为目标。她往往能从乐曲的结构去寻找乐曲的真义与美感方向，这也是为什么她会成为伟大莫扎特诠释者的原因，因为她所演奏的莫扎特，不仅仅有官能的美，还有一种结构上的平衡美。

这张专辑非常有名，是霍洛维兹演奏穆索尔斯基钢琴套曲《图画展览会》、《在水边》和柴科夫斯基《第一钢琴协奏曲》，被《企鹅唱片指南》评为三星带花，演绎十分出色。 这张专辑中的柴科夫斯基《第一钢琴协奏曲》永远是乐迷们心中至高无上、不可替代的《柴一钢协》！霍洛维兹演奏的《柴一钢协》版本不少，仅仅是与岳父托斯卡尼尼指挥下的国家广播公司交响乐团（NBC乐团）合作的都有三个。然而这一个录音，虽然是一个录音室录音，却比其他的现场录音更加的激动人心。录音的年代是1941年，在那战火纷飞的岁月里，音乐便显得更加悲壮。尽管是单声道的录音，我们还是可以从中听出大师在第一乐章序曲中惊心动魄的演奏力度，在复三部曲式的第二乐章中清新、恬静的音色表达，以及在奏鸣回旋曲式的第三乐章里充溢的节日般快乐。托斯卡尼尼指挥的乐队也表现出了巨大的热情，与霍洛维兹弹奏的钢琴部分起伏对抗、相得益彰。

你好，我是查理斯，很高兴认识你，我想和你分享我的故事，希望你喜欢我的声音。 微博@查理斯医生

这张专辑是意大利指挥家卡罗·马里亚·朱里尼的录音精选辑。参与演奏的乐团：爱乐乐团、芝加哥交响乐团、巴伐利亚广播交响乐团、都灵广播交响乐团、维也纳交响乐团。 卡罗·马里亚·朱里尼（Carlo Maria Giulini，1914年5月9日-2005年6月14日）意大利指挥家，20世纪重要的指挥大师之一。朱里尼的指挥风格优美而华贵，注重细部的体现，又不失完整性。强劲处有如排山倒海，细婉时又好似潺溪回环，幽韵谐婉，让人感到情真意蕴，贴切自然；由此，得到了“一位有着贵族气质的杰出指挥家”的美誉——他以追求高雅的气质、细腻的旋律线条刻划和严谨的结构勾勒为特色；他指挥的管弦乐大都呈现出很高贵的表情，而对歌剧的处理可能更优于管弦乐。 唱片中最早的录音是1956年录制的斯特拉文斯基和比才的作品。爱乐乐团的情绪显得非常高昂，节奏富于变化，音色温暖而充满活力。两首曲子都是在金斯威音乐厅里录制的。另一首由爱乐乐团录制的曲目是马勒改编的舒曼《第3交响曲》，录音时间是1958年。同样，那种清澈、温暖的音色，也正是那时乐团录音的典型音色。在Abbey路录音室的那些录音，还要优于在金斯威音乐厅的录音。 《坦克雷迪序曲》录制于1964年。这些录音在很长时间都是作为EMI录音室里罗西尼序曲集的一部分。如果你聆听了这个录音，你就会感觉这就是所需要的那种诠释，并且富于朱里尼歌剧风格的特质。从过去从未发行过的录音角度来看，这是这个系列录音中最优秀的之一。因此，我们能够有机会更多地了解指挥家的艺术思想，而不是重复听一些过去已经发行的录音。 芝加哥交响乐团演奏的贝多芬《第7交响曲》是典型的大西洋彼岸的风格：宏大有力的铜管加上朱里尼在慢板乐章中一些自然活泼的诠释，但确实把舞曲中的精髓带给了听众。

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