群星：无法克制

⽊吉他演奏，⼀直是保⼘创作的本质。 在2013年发行的第⼀张专辑“我爱台坂”中，保⼘⽤⼀把吉他的纯粹，表达出对家乡的思念及感谢。 ⽽来到都市多年后，保卜感受到许多都市不同于故乡的绚丽，于是将其所见融入在这次在全新的创作里。 保⼘就象是城市里的⾳乐猎⼈，吉他是他的 猎具，在城市里猎捕着各式各样的元素，将其转化成⾳符、节奏、⾳⾊等，加⼊他的吉他演奏中，最后成为他的战利品 – 音乐。

这张专辑是哥德堡七重奏演奏巴赫《哥德堡变奏曲》，这是巴赫这部键盘杰作的世界首个七重奏版本录音。 《哥德堡变奏曲》BWV 988，巴赫著名的羽管键琴作品，大约作于1741-1742年间，其间巴赫在莱比锡，视力已开始减退。这部伟大的变奏曲原名叫做《有各种变奏的咏叹调》，1742年出版，此作为巴赫的学生哥德堡（Johan Theophil Goldberg）而作。哥德堡是侍奉当时驻在德累斯顿的俄国使臣凯瑟林（Hermann Karl Von Keyserlingk）伯爵的年轻演奏家。巴赫曾把他的《B小调弥撒》献给凯瑟林，因此而获得“宫廷音乐家”的封号。1741-1742年间，凯瑟林居住在莱比锡，让哥德堡师从巴赫，学习演奏技巧。伯爵患不眠症，失眠时就需哥德堡为其演奏，哥德堡以演奏需要，求巴赫帮助谱曲。巴赫当时作成这部变奏曲之后，凯瑟林送他一只装满100枚金路易的金杯以酬谢。 这是音乐史上规模最大，结构最恢宏，也是最伟大的变奏曲。这部变奏曲是为两层大键琴而作，巴赫在各段变奏里都指定了键盘的种类。变奏曲的形式，是以一个主题，引导出对比命题和对应（反对）命题，然后再探求演绎与对比的各种可能性。巴赫这部作品，以他1725年为安娜·玛格达琳娜而作的小曲集中的一首萨拉班德舞曲作为主题，发展成30段变奏。这30的数字，由3所支配，以3个成一组的变奏，以卡农的方式表达：一位齐声的卡农，二为二度卡农，三为三度卡农……此后达到第九个卡农后，第十变奏为四声部的赋格，之间不断出现创意曲、托卡它、咏叹调等各种形式。第一层与第二层键盘交替。第十六变奏作为中心，速度分为前后两半，这种作曲技巧所构成的建筑结构之微妙，实在令人叹为观止。

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这张专辑是艾拉·费兹杰拉德1971年欧洲巡演尼斯站的现场实况，当时她54岁，正处于演唱技艺、气息控制、即兴语感完全成熟的黄金阶段。法国歌迷向来极度追捧Ella，当晚剧场氛围热烈松弛，让她敢于做大量高难度即兴发挥，是业内公认Ella顶级现场录音代表作之一。制作人Norman Granz完整捕捉了整场演出无剪辑实录，没有后期修音，完整保留现场临场感、即兴互动与观众氛围。1990年Fantasy完整数字重制，修复现场声场，保留剧院自然混响，无降噪失真，是爵士现场收藏必入碟，被列为Ella五大现场专辑之一。 艾拉对声音的掌控力登峰造极，哪怕临时突发大跨度音程跳跃也稳如磐石；分句、换气、即兴加花极度大胆，却不破坏歌词情感；摇摆律动足以带动听众起舞，抒情段落又能催人落泪。Bing Crosby评价：“无论男女老少，Ella都是史上最伟大的歌者”，这句评语正是这张现场最贴切注解。 一张专辑集齐三类爵士核心曲目：1、美国经典音乐剧标准曲（Cole Porter、格什温）；2、艾灵顿公爵大乐队摇摆名作；3、巴萨诺瓦拉丁爵士+当代流行改编（披头士、卡朋特）完整展现Ella全能的演唱范围，没有风格短板。Tommy Flanagan三重奏伴奏克制且富有弹性，完全衬托人声，留白恰到好处；贝斯与鼓的律动给Ella充足即兴空间，人声与器乐互动浑然一体，是爵士人声三重奏的经典范本。 这是艾拉·费兹杰拉德中年巅峰期的现场缩影，既有教科书级的即兴scat、摇摆律动，又有细腻动人的抒情叙事，同时横跨传统爵士、拉丁、流行多元曲风，乐队配合炉火纯青，现场氛围鲜活真实。不管是入门歌迷了解Ella的全能实力，还是资深爵士爱好者收藏顶级现场录音，这张尼斯实况都是无可替代的经典。

小朋友们，出去玩的时候，除了把爸爸妈妈的手牵紧，还要记得做什么呢⋯？ 还要抬头看看红绿灯～ 答对了！ 看啊，是红灯！这是要我们先停一停，休息三分钟； 咦？是黄灯呀！千万得小心不要往前跑，等一下再出发； 变绿灯了，好开心！车子们停下来后，换我们手拉著手过马路，一起出发去玩吧。 这次，‘圆仔与小凤梨儿童’音乐制作人谢衣沛老师带来的歌曲《红绿灯》 将孩童们生活中周遭的事物，用简单好听的音符融合在歌曲里。 透过这首活泼轻快的歌曲，提醒每位大小朋友们过马路时要保持警觉，注意安全；驾驶人如遇到孩童也别忘了要放慢车速。打造对儿童友善的安全马路环境，人人有责喔！ ‘每个孩子都是爸妈心中的宝贝，每个生命都值得被尊重及珍惜’

这张专辑是钢琴家阿图尔·鲁宾斯坦，演奏肖邦《夜曲》的录音。肖邦音乐中的梦幻感是意境浓密、情致丰繁、万般迷人的。而最能让人陶醉于这诗一般梦幻中的，就是他的这些《夜曲》。肖邦是水做的。肖邦的幽怨借助这夜曲之花长出忧伤之果，你似乎能从这些能把夜晚的星辰都能染上泪光的音符之中看到他的恋人乔治·桑的身影，这些音符连缀成了诗句，就像夜色饮着他的泪水，如同一块黑色的手帕一样。 这张专辑囊括了肖邦的全部19首夜曲。其实肖邦的夜曲有21首，前19首是有作品编号的，后两首曾一度被遗漏了。鲁宾斯坦的这个版本不仅是肖邦《夜曲》最完美的演绎，而且是他弹肖邦的11张唱片中演奏和录音平衡最好的两张。几乎是每个句子都出性情，每颗琴音都妥贴、漂亮。听过鲁宾斯坦这番演绎，想象不出肖邦《夜曲》还能有别的弹法。

这张专辑收录了乔治·博列特的演奏录音，包括李斯特创作和改编的作品。博列特对钢琴的观点是柔顺、丰富的音色结合清楚阐释作品结构的能力，让音乐的细节全盘透明化。不过，这样的概念与欣赏博列特在Decca录制的李斯特作品印象有些分歧，而博列特在世界著名音乐厅舞台上的演出，特别是现场演奏李斯特作品时，比录音更重视塑造音乐气氛。博列特在唱片上的表现比起现场演出较为克制，就如博列特所言，现场演出时，他所诠释音乐会更加自由无束且具自发性。虽然对博列特而言，轻松与严谨并非不能共存，但是博列特有时候会重视李斯特音乐中的技巧展现更基于诗意也是公认的事实，有时候他的音乐会因为纵容技巧而完全失去诗意。

这张专辑是钢琴家古尔德1981年录制的巴赫《哥德堡变奏曲》。这个杰出的版本是古尔德中年后的第二次录音，他选择了一个更为深沉的速度来诠释，全曲耗时51分15秒。由于速度的减慢，声部层次得到更为清晰的展现，使音乐更具立体感。没有1955年首次录音版本的强烈力量和极具自由感，曲风更为柔和，具有深层的感染力。音乐评论家们认为此次录音更能体现古尔德的音乐理念，学者们也大都选择此版本来对作品进行分析研究。 总的来说这个录音版本是古尔德暮年时期更为深邃、从容的写照。对于巴赫的作品，绝大多数钢琴家会找一个倾向于传统的演绎方案，一旦成型便不再轻易尝试其他方式。古尔德不是这样，他赋予音乐各种可能性。就如同巴赫的音乐创作一样，从不满足于一层不变的单一模式，更不满足于绝对化的演奏方式。正如俄罗斯钢琴家霍洛维兹说的那样：“一个天才出众的器乐演奏家，在理解作品的范围内，每次演奏都应有重新创造的新鲜感。” 古尔德具有非凡的复调演奏能力，如果抛开手指控制不谈，这一定是源于其高度复杂又极端清晰的思维，就如同巴赫的创作风格源于他多变的创作思维一样，这是使听者感觉古尔德的音乐不同于其他演奏版本的根源。一直以来古尔德都对巴赫都有着自己独到的理解，不会一味的遵照传统，而是通过对具体音乐形象的分析来决定如何演奏，从而真正达到理智思维和内心情感的结合。实际上用钢琴演奏的《歌德堡变奏曲》相对于过去来说已是一种与时俱进的革新，演奏本身也是演奏者通过理解后的二次创作，对于未脱离音乐本质的尝试是我们今天要提倡的。

他牵过的手 妳的背叛，让我跌落谷底。 妳的放纵，让我爱的卑微。 你用他牵过的手擦去了眼泪 擦去了在我面前虚伪的眼泪。 不顾一切为了求妳留下 而妳却无情的把我丢下。 经过...... 与死神拔河、与病魔对抗 终于再次重生。 我心碎的碎片，是对妳无声的再见

这张专辑是单簧管演奏家理查德·史托兹曼指挥英国室内乐团，演奏莫扎特《单簧管协奏曲》；并与东京弦乐四重奏合作，演奏莫扎特《单簧管五重奏》。 《A大调单簧管协奏曲》和《单簧管五重奏》是莫扎特晚年的最高杰作，前者被称为让人类的语言失却光华的协奏曲，因电影《远离非洲》中的插曲使用了第二乐章柔板的旋律而声名大噪，是无人能够超越的单簧管的千古绝唱；而后者则表达了大师看够世事沧桑之后的大彻大悟的心境。 理查德·史托兹曼是一位横跨爵士和古典音乐领域的音乐家，多年来他以超人的艺术领悟力、音乐表现力和完美的个人魅力蜚声国际乐坛，从而跻身一流的音乐家行列。 理查德·史托兹曼与英国室内乐团默契的配合、完美的演绎，东京弦乐四重奏团则用“温柔的演奏传递给人们一种强烈的抚平与别人摩擦后的情绪状态”。