朱亦兵 | 秒懂古典音乐那些事
感受古典音乐的美好，秒懂古典音乐那些事。
面对拥有300多年历史的古典音乐，如果你有过想听听看的想法，却不知道从何听起，那就来听听朱老师的分享吧。
一位位音乐大家、一首首经典名曲、一个个鲜活故事，带你进入奇妙的古典音乐世界，让你秒懂古典音乐那些事。
懂的，不是庞杂深奥的专业知识，而是音乐响起时，你能感知它的美。
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第一节 古典音乐极简史（上）：巴洛克音乐与古典时期音乐（主讲人：刘雪枫）
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主播信息
大师小课
2小时听懂一门通识课
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创意，让你不可取代
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10万古典音乐唱片精选，40年古典音乐鉴赏浓缩
刘雪枫：
古典音乐传教士
音乐评论家
文化学者
迅速掌握基础知识
了解、欣赏、享受、谈论、使用古典音乐的快速入门
西方历史发展线索
1000多年的历史与时代孕育出的天才与大师
建立古典音乐的逻辑模式
了解作品与现场演奏的魅力，实现音乐品位的自我进化
课程单
古典音乐是人类文明最崇高的表现形式
第一节古典音乐极简史（上）：巴洛克与古典时期
第二节古典音乐极简史（中）：浪漫派和民族乐派
第三节古典音乐极简史（下）：二十世纪现代主义音乐
第四节 古典音乐体裁（上）：交响曲、协奏曲和管弦乐
第五节 古典音乐体裁（中）：室内乐和钢琴曲
第六节 古典音乐体裁（下）：歌剧和其他声乐作品
第七节 交响乐队的管弦乐器
第八节 交响乐队的打击乐器与键盘乐器
第九节 有趣又好懂的乐理小知识
第十节 音乐厅及歌剧院礼仪深普及
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中国新生代文学领军人物，备受莫言好评，连续6年在中国人民大学开设小说鉴赏课的著名青年作家——张悦然，首度在音频平台发声，带我们认识同时代的文学巨匠：村上春树、罗贝托·波拉尼奥、伊恩·麦克尤恩、爱丽丝·门罗、珍妮弗·伊根，更有止庵、史航、午歌、苑子文、苑子豪献声朗读，听作家解读作家，听懂他们，就听懂了时代。
节目详情
古典音乐极简史（上）：巴洛克音乐与古典时期音乐
今天给大家简单介绍和古典音乐相关的小知识，现在习惯于把这种带知识点的内容叫做“硬知识”，听起来似乎更解渴，更有用。
古典音乐的历史从巴洛克时期开始进入繁荣期和爆发期，最伟大的音乐家的谱系也从这个时期开始建立，所以我们的音乐史暂时省略了古代、中世纪、文艺复兴这几个时期，直接从巴洛克开始。
▋ 巴洛克音乐
提起巴洛克音乐。这几位巨匠的名字便要被牢记——巴赫、亨德尔、斯卡拉蒂、维瓦尔第、科莱利、普赛尔、拉摩等。所谓的巴洛克，它是代表欧洲文化的一种典型艺术风格。
“巴洛克”这个词最早来源于葡萄牙语，意思是“不圆的或者边缘不规则的”，最初特指那种形状怪异的珍珠。到了意大利语里，这个词指的就是“奇特，古怪，变形”等。在法语中，“巴洛克”成为形容词，有“俗丽凌乱”的意思。
后来，有学者便用“巴洛克”指代西方艺术史上的一个时代，大致为17世纪。它最早的表现，是在意大利16世纪晚期，而在某些地区，比如日耳曼地区和南美洲的殖民地，直到18世纪上半叶，巴洛克艺术仍处于鼎盛期。
巴洛克音乐的特点就是节奏激烈、富于跳跃性，而且采用多旋律、复音音乐的复调法，强调旋律的起伏，在演奏过程中非常注重力度和速度的变化。
巴赫
《C大调前奏曲》是巴洛克时期最伟大的作曲家巴赫的一首键盘作品，它选自巴赫的《平均律曲集》第一卷。整首曲子主要表现的是平静、神圣与和谐的感觉。后来十九世纪的法国作曲家古诺把它改写成一曲带歌词的《圣母颂》后，被广泛传唱。
巴洛克音乐最早也是最伟大的成就在声乐方面，一方面，音乐的巴洛克时代起始于意大利歌剧，另一方面，巴洛克时代的音乐家大多数有教堂工作的经历，他们为教堂仪式谱写的音乐比如弥撒、经文歌、清唱剧、康塔塔、圣母悼歌、圣母颂歌等都带有很浓的宗教色彩，比如维瓦尔第、巴赫与亨德尔等都谱写了大量此类作品，特别是巴赫与亨德尔的清唱剧是戏剧结构与音乐风格截然不同的两种范式。
除了声乐之外，巴洛克时期的器乐作品也发展得非常迅速，尤其是弦乐方面的成就可以说是巴洛克音乐最重要的特色，换句话说，只有弦乐的音色才更能体现出巴洛克音乐的特色。这方面的代表人物是意大利的维瓦尔第和科莱利、德国的泰勒曼、法国的圣科隆贝和马莱斯等，维瓦尔第可以说是是巴洛克时期最知名也是最多产的作曲家，同时他还是一名神父和小提琴演奏家，比巴赫早出生7年。下面我们来欣赏他的一首为中提琴和琉特琴而写的协奏曲，我们来听第二乐章“广板”。
《奥菲欧》
巴洛克音乐还有一项伟大的成就是歌剧，音乐的巴洛克时期就是从歌剧在意大利诞生开始的。已知音乐史上第一部歌剧是由佩里作曲的《达芙妮》，首演于1597年，可惜已经今天失传，佩里的第二部歌剧《尤莉狄茜》首演于1600年，虽然现在偶有上演机会，但是歌剧史家还是把在曼图亚上演蒙特威尔第《奥菲欧》的1607年作为歌剧元年。这是因为《奥菲欧》第一部现存最完整的歌剧，即便以今天的标准来衡量它，已经是非常成熟非常完美了，特别是在最近的一百多年，它保持着极高的上演率，堪称巴洛克歌剧之最。
托卡塔是源起于意大利的一种器乐演奏形式，带有技巧性和即兴的特点。奥菲欧的故事大家可以自行搜索，之所以早期歌剧集中于奥菲欧的题材，是因为奥菲欧在希腊神话中是音乐的化身，他和爱人尤莉狄茜都是牧羊人的朋友，他的爱情故事为牧羊人所歌颂，而歌剧正是从牧羊人剧或田园剧脱胎而来的。
最重要的巴洛克歌剧作曲家在意大利有蒙特威尔第和维瓦尔第，在法国是吕利和拉摩，在德国是凯泽尔，在英国是普赛尔和亨德尔。
▋ 古典主义音乐
其实用“古典主义”这个词来限定一个时期的音乐风格，很可能会造成一些误解。从中文表达上来看，“古典主义音乐”与“古典音乐”是完全不同的意思，“古典音乐”是泛指，而“古典主义音乐”指的是大约1750年开始到1827年贝多芬逝世为止这一时期的音乐。
在古典主义时期，因为乐器的改良进步,器乐有了跨越式的发展，可以说是有史以来第一次比声乐更受听众欢迎。作曲家们也差不多从教会和宫廷的依附关系中解脱出来，并且开始尝试探索新的作曲方法，以创作出更大型和更复杂的作品来满足热心欣赏音乐的观众与日剧增的审美需求。
作曲家在考虑音乐结构的时候基本上都会遵循这样一个前提：调性间必须达到和谐平衡，音乐呈献给听众最明确的感觉是要搞清楚，这音乐该如何进行和发展；还有段落也就是乐章之间的平衡，听众在聆听一首乐曲的时候可以准确地知道接下来要出现的内容。
具体表现在创作技法上，就是不仅继承了欧洲传统的复调音乐形式，而且还继承并发扬光大了主调音乐的成就，从而最终确立了近代鸣奏曲的曲式结构以及把它运用体现在交响曲、协奏曲、各类室内乐以及键盘音乐的体裁和形式上。
贝多芬的一首钢琴奏鸣曲《瓦尔德斯坦》可作为古典主义奏鸣曲的典范具体分析一下。这首钢琴奏鸣曲创作于1804年，是贝多芬创作最为活跃时期的产物。此时贝多芬的个人风格越来越成熟，钢琴演奏技巧也朝着壮丽辉煌的方向发展。
《瓦尔德斯坦奏鸣曲》是贝多芬最精妙的奏鸣曲之一，有人认为它描绘了阳光下大自然的风景，音乐展现的是绚丽的诗意形象，就像仰望星空一样，心胸豁达，热血高蹈。后来出版商根据这种属于大自然的音乐形象，给这首奏鸣曲又起了一个标题叫《黎明》。
曾经做过贝多芬老师的奥地利作曲家海顿，他虽然出生于巴洛克时期，只是到了古典主义时期他不仅依然健在，而且见证了古典主义风格的重要演变，他为古典乐派所做的贡献，使他被誉为“交响曲之父”和“弦乐四重奏之父”，正是他使这两种器乐形式臻于完善，直接影响了莫扎特和贝多芬的创作。
莫扎特
莫扎特的《G小调第四十交响曲》第一乐章，可以说是莫扎特最通俗的旋律了。很多人认为这是莫扎特独有的乐天和欢快，其实正好相反，莫扎特的这首交响曲用小调写成，音乐中充满了哀怨之情，有人说它其实凝聚的是一个穷困作曲家的全部生活体验，是他一生中所有悲惨遭遇和挫折的集中体现。这个由小提琴声部涌动出来的主题是何等的激动和焦虑啊！它用愁苦压抑的音调，三次叩响命运的大门，悸动不安的节奏就这么断断续续轻轻地敲击下去。当音乐转向稍微舒展的时候，另一支沉浸于小调的忧郁色彩中的旋律，继续倾吐出作曲家更深的伤感。
第一乐章的主部主题，奠定了音乐的悲凉基调，它使交响曲的创作不仅在结构上更加严谨，同时也深入到前所未有的内心世界，刻画出人类情感领域深层的痛苦，也可以说是开启了浪漫主义的先声。
这节课就到这里，下次再见。
以上图片均来自于网络
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布拉格四重奏团《德沃夏克弦乐四重奏》
这套9CD合辑收录了布拉格弦乐四重奏团演奏的德沃夏克《弦乐四重奏》作品。该团的演奏非常精彩，流淌的弦乐音流，音色优美，音场丰富饱满。《企鹅唱片指南》评价三星。室内乐在德沃夏克的作品中占有重要地位，但演录的频率大大低于他的交响曲、其他管弦乐曲甚至钢琴曲等。德沃夏克那充满灵感音符的大脑中不乏动人的旋律，而在室内乐作品中似乎更注重几种弦乐音色搭配与细腻的情绪交流。
布拉格弦乐四重奏团是当今乐坛最重要的室内乐组之一，在弦乐四重奏组合人才辈出的捷克，布拉格四重奏团是一支不容忽视的室内乐团，该团创建于1972年，成员来自布拉格音乐学院学生。自成立后，该团传承了捷克独特的四重奏传统，秉持着老派组合的和谐、完美、优雅，以精湛的音乐技艺为业界的瞩目。
德沃夏克（1841-1904）是捷克著名的作曲家，也是世界音乐发展史上不可或缺的大师，其幼年时期就表现出了惊人的作曲天赋。从其弦乐四重奏的创作历程来看，可以分为三个阶段，按照不同的地点进行划分，分为：捷克国内的探索阶段、德国的发展阶段和美国的成熟阶段。在捷克，年仅二十岁的德沃夏克在乐队中担任中提琴手，创作了一首弦乐五重奏作品，这也是其弦乐创造的开始，《A大调弦乐四重奏》、《降B大调第二弦乐四重奏》、《D大调第三弦乐四重奏》等作品的创作，让他在乐坛奠定了坚不可摧的地位，也掌握了弦乐四重奏的创作规律，为之后弦乐四重奏创作打下了基础；在德国定居以后，德沃夏克扩宽了视野，创作水平进一步提升，《E大调第八弦乐四重奏》、《d小调第九弦乐四重奏》等作品和之前的作品相比，形式和内容更加成熟；在美国担任纽约国家音乐学院院长期间，创作了《G大调第十三弦乐四重奏》等作品，尤其是其《F大调第十二弦乐四重奏》作品中融入了美国黑人和印第安人音乐元素，得到了广泛的认可。在德沃夏克的一生中，弦乐四重奏创作从来没有停止过，作品数量多、质量高，达到了同时期音乐家难以企及的高度。
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71期
霍洛维兹《柴科夫斯基、勃拉姆斯协奏曲》
这张专辑是霍洛维兹与托斯卡尼尼率领的NBC交响乐团合作，演奏柴科夫斯基《第一钢琴协奏曲》、勃拉姆斯《第二钢琴协奏曲》。1940年，37岁的霍洛维兹在美国重新开始他的演奏事业，他与岳父，著名指挥家托斯卡尼尼合作录制了几部协奏曲。这张专辑就是这个时期的录音。
柴科夫斯基《降b小调第一钢琴协奏曲》是霍洛维兹成名之作。他对此曲令人震惊的演奏让他在20几岁就在世界乐坛获得了极大的声誉。霍洛维兹的演奏气势磅礴、辉煌壮丽，有着极强的感染力和震撼性。这部作品让大师可以充分地展示其坚强有力的击键。他在公演柴科夫斯基《第一钢琴协奏曲》过程中，曾有过数次击断琴弦的记录。遗憾的是大师在中年以后就很少再弹奏这部作品，以至他演奏柴科夫斯基《第一钢琴协奏曲》的录音都比较早。较为著名的有1941年的录音室录音和1943年在卡内基音乐厅的现场录音。两次霍洛维兹都是和岳父托斯卡尼尼指挥下的国家广播公司交响乐团（NBC乐团）合作。尽管是单声道的录音，还是可以从中听出大师在第一乐章序曲中惊心动魄的演奏力度，在复三部曲式的第二乐章中清新、恬静的音色表达，以及在奏鸣回旋曲式的第三乐章里充溢的节日般快乐。托斯卡尼尼指挥的乐队也表现出了巨大的热情，与霍洛维兹弹奏的钢琴部分起伏对抗、相得益彰。
柴科夫斯基《降b小调第一钢琴协奏曲》作品23，作于1874年，于1875年10月在美国波士顿首演。柴科夫斯基一共写了三部钢琴协奏曲，其中《降b小调第一钢琴协奏曲》是唯一被演奏得最多的一部，作品中略含俄国味的主题，以及充满斯拉夫式粗线条和色彩的管弦乐法，正是这部作品的魅力所在，这部钢琴协奏曲是第一流的钢琴家们竞相演奏的曲目。
勃拉姆斯《降B大调第二钢琴协奏曲》作品83，作于1881年。此曲是勃拉姆斯一生创作的最后一部钢琴协奏曲，是他的代表作品之一。这部作品具有勃拉姆斯所独有的沉着与厚重，同时又有他明朗、温柔的另一面。这部协奏曲的四个乐章，分别展现了四种不同的性格，从激越如火到柔情似水，触及到了各个方面的情感。这部协奏曲具有勃拉姆斯厚重的风格，有大量的和弦，技术艰深，与拉赫玛尼诺夫《第三钢琴协奏曲》、普罗科菲耶夫《第二钢琴协奏曲》并列“世界三大最难钢琴协奏曲”。时至今日，这部作品已列入有史以来最伟大的钢琴协奏曲之列，著名钢琴家霍洛维兹甚至认为没有别的钢琴作品比它更伟大了。
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7期
穆洛娃《贝多芬、门德尔松小提琴协奏曲》
这张专辑是穆洛娃与著名指挥家加德纳携手合作，以精确理性、生气蓬勃的音乐风格诠释经典的门德尔松《小提琴协奏曲》。另一首作品是同属经典曲目的贝多芬《小提琴协奏曲》，穆洛娃的诠释在平顺的线条中带有极美的乐句和旋律线，对音色掌控抓得非常精准。穆洛娃不是像穆特那样激情四射的演奏家，表面上听去具有高贵冷艳的气质，藏而不露、有条不紊地处理着乐曲的风格、乐句、力度、表情等，但仔细听去，却让人可以触摸到她内心深处不可抑制的激动。冷漠的外表与炽热的情感不期而遇地结合在一起，构成了穆洛娃与众不同的演奏特色。
门德尔松《e小调小提琴协奏曲》创作于1838年，是一首女性气质的协奏曲，高雅柔美、温婉多情，有时还流露着一点点的感伤。全曲分三个乐章，按照作曲家的要求，要不间断的演奏。
贝多芬《D大调小提琴协奏曲》是贝多芬唯一的一部小提琴协奏曲，四大小提琴协奏曲之首，自古一直被誉为小提琴协奏曲之王。这首乐曲旋律柔美、格调高雅、规模宏大，颇具王者风范。
55
6期
普莱斯、莱纳《西班牙》
这张专辑是指挥大师莱纳率领芝加哥交响乐团演绎法雅的作品。
如果说欧洲各国光彩夺目的西班牙作品让人感到炫目着迷，那么很多西班牙本国的音乐家肯定会觉得自己的文化遭到曲解。二十世纪之初的西班牙是一个多么落魄的国家：曾经称霸全球的殖民帝国，其海军舰队居然被年轻的美国在两天之内粉碎性摧毁；动荡的政局和贫穷落后的乡间，导致很多希望出人头地的艺术家和音乐家找不到自己的平台。法雅在成名之前不得不靠创作Zarzuela轻歌剧维持生计，其作品首演的时候管弦乐团居然只有一把小提琴，连单簧管都找不到，低音大提琴还是从隔壁酒馆里借回来的。要不是在法国巴黎结识了德彪西的话，他“永远都会湮灭在马德里酒吧里平庸的轻歌剧和钢琴私人家教课里，写出来的一堆Zarzuela轻歌剧只能塞在尘封的抽屉里”。不过，这位早年潦倒的作曲家后来取得的艺术成就远高于那些贩卖西班牙特色的音乐家。跟同时代的毕加索一样，法雅的艺术体现了当时西班牙这个国家的强烈矛盾：既处于欧洲最西端，却继承了厚重的东方文化；既是曾经最强盛发达的帝国，却沦为封闭荒蛮的偏远角落；既有虔诚内向的灵魂，内心深处却充满野性的澎湃。法雅文静内敛，是一个虔诚的天主教徒，但内心总要表达一种像斗牛士般野性的呐喊。
无论是《三角帽》还是《爱情魔发师》，法雅都避免过分滥情的浪漫主义风格，而是用一种类似于德彪西管弦乐素描的“轻描淡写”。他跟毕加索一起把西班牙的文化艺术推入欧洲现代主义的洪流，他的作品没有对过去的怀恋，也没有对未来的憧憬，而是客观地反映现在，用最原始粗狂的元素传达自己的声音。
莱纳的《西班牙》专辑是从西班牙本国作曲家的视觉审视西班牙自身。莱纳棒下的法雅作品黑沉、神秘、诡异，充满原始荒诞的色彩；担纲独唱的黑人女高音普莱斯不再是拥有金钻般声线的崇高戏剧女高音，而是略带嘶哑的神秘女人。此作品本来由钢琴独奏演绎，难度很大，但管弦乐版本比较难得稀有。如果说阿根塔的《西班牙》是一幅靓丽的风情画，那么莱纳的《西班牙》则是一幅具有张力的写实素描。
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22期
勒纳·莱博维茨《贝多芬·第九交响曲》
这张专辑是莱博维茨指挥皇家爱乐乐团，演奏贝多芬《第九交响曲》。由著名录音师韦尔金森（K.Wilkinson）1961年在英国伦敦录制。专辑演奏、录音都极为出色，是古典音乐的天碟级作品。
《d小调第九交响曲》作品125，作于1819-1824年间。因其第四乐章加入了大型合唱，故后人称之为“合唱”交响曲。合唱部分是以德国著名诗人约翰·克里斯托弗·弗里德里希·冯·席勒的《欢乐颂》为歌词而谱曲的，后来成为最为著名的主题。此曲被公认为贝多芬在交响乐领域的最高成就，是其音乐创作生涯的最高峰和总结。
此曲构思广阔，思想深刻，形象丰富多样，它扩大了交响乐的规模和范围，超出了当时的体裁和规范，变成由交响乐队、合唱队和独唱、重唱所表演的一部宏伟而充满哲理性和英雄性的壮丽颂歌。作者通过这部作品表达了人类寻求自由的斗争意志，并坚信这个斗争最后一定以人类的胜利而告终，人类必将获得欢乐和团结友爱。
如今《d小调第九交响曲》被公认是贝多芬在交响乐领域的最高成就。说欢乐颂是贝多芬交响乐的颠峰之作，更因为整部作品仿佛是贝多芬一生与其命运的一部斗争史。乐曲的第一、第二乐章均采用小调，表现了贝多芬早年的命运多舛，痛苦与绝望一直伴随着他、折磨着他。但他一直坚持着，顽强地与命运抗争着。慢慢地，痛苦转为宁静（第三乐章），以至到最后他完全得到解脱，得到了真正的永恒的最终的欢乐（第四乐章）。斗争，一直充斥在贝多芬的作品中。尤其是《d小调第九交响曲》，更能给在痛苦与绝望汹涌的风浪中挣扎的人们以无穷的力量和希望。
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4期
20世纪伟大钢琴家《艾德温·费雪(2)》
这张专辑收录了艾德温·费雪的演奏录音，包括莫扎特、贝多芬、舒伯特的钢琴作品。我们可以在艾德温·费雪的莫扎特《d小调协奏曲》K466的演奏中，见到他那独特式的处理。过度工作的事实可以从他忘了为这部协奏曲谱写装饰奏一事得证，但在这份录音中，费雪演奏了自己写的装饰奏。它们是相对地严谨的，费雪自己限制在各个主题的即兴幻想上。费雪演奏的《“皇帝”协奏曲》充满了生命力，其引起的兴奋感只能以他对贝多芬乐念的完全投入来解释。他相信一个钢琴家的外在性格和对特定种类音乐的偏爱是相关的，正如他所说的：“特定体质的演奏者最适合演奏具有类似体质的作曲家的作品，高大、巨掌、强壮的钢琴家就是同样特质作曲家的最佳诠释者。因此贝多芬和勃拉姆斯的演奏者鲁宾斯坦或达贝特是扎实的类型，而李斯特和柯尔托则是杰出的肖邦演奏家。”（基本上这是触键上的差别：有着柔软手腕和厚实指尖的作曲家创作“厚重”的音乐。自以前开始，作曲家就是为自己创作，他们下意识地发挥他们自身的特质，而且必须用类似的精神去诠释他们的作品。）李斯特的技巧源自于他能够做大幅度伸展的修长手指，这也是为何布梭尼和绍尔会是李斯特的伟大诠释者。贝多芬较接近扎实的那一种类型，他的音乐要求宽广、完全、如歌似的音色，但他不只是宽广的，如果你检视保存于波昂贝多芬之家的石膏手模，你会惊讶于其手指的纤细。
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