Vol.8 | 北方公园和朋友们的年终总结

这张专辑是鲍罗丁四重奏团与钢琴家伊丽莎白·蕾昂斯卡娅合作，演奏肖斯塔科维奇的两部室内乐作品。 肖斯塔科维奇《g小调钢琴五重奏》作品57，作于1940年。此曲主题清晰、旋律分明，首演时得到了不少的好评，可是在官方层面，却出现了两种不同的见解。其中有个别保守而作风强硬的苏共领导，认为肖氏的音乐虽然特别强调简单直接的风格，却同时仍然出现一些矫揉造作的和声及声音效果，不免觉得仍然隐藏着抽象的形式主义。作品在1941年获得了斯大林奖。 肖斯塔科维奇《e小调第二钢琴三重奏》作品67，作于1944年。此曲虽然没有涉及战争，但从作品中所使用的特殊的音乐表现手段以及它所造成的特殊音响，并把这些特殊的音响同他本人特殊的追求——描写与揭露邪恶的形象联系起来看，这部作品也的确与战争相关。所以说：“那里有战争的幽灵，它使人想起死神的眼睛。”

有一种小小的温暖＼像淡淡的蓝色火焰＼不会过热＼很幸福 ‘’昊恩家家’’创作双人组，两个来自东海岸原住民音乐部落，卑南族的''南王村''，整个村落从八岁到八十岁，从庆典仪式到烧饭洗衣，音乐就像生活中不可或缺的空气，人们以唱歌来流露当下的心绪。

这张专辑是鲍罗丁四重奏团演奏施尼特凯的三部室内乐作品。 施尼特凯《第三弦乐四重奏》作于1983年。此曲将来自拉索、贝多芬和肖斯塔科维奇的三个迥异的材料融汇成象征自己的核心主题，这三个材料尽管风格相异，却在音乐要素上有着很多相通之处，在施尼特凯的“有机拼贴”下已然融为一体，如果是“不顾原来的风格所蕴含的文化”，是不会有这种统一效果的。另外，这三个材料派生出了代表施尼特凯自身的主题，并作为全曲中心贯穿始终。此曲反映了施尼特凯对待音乐历史遗产的一种观念，即过去的音乐已然逝去，我们只能通过融合过去的音乐来发展新的风格。所以他没有像新古典主义者那样大量地以古老的风格语汇写作，而是以过去的风格为材料衍生出自己的东西。 马勒《a小调钢琴四重奏》（由施尼特凯整理改编），这原本是马勒少年时的习作，据说1876年他只完成了一个乐章，便把后面未完成的部分撂一边了。直到他去世后半个世纪，才被重新发现，施尼特凯整理改编了这部作品。这部作品虽然是马勒早期的未完成习作，聆听可以感觉得出马勒的“生命和死亡”主线条。阴晦、忧郁、沉重的旋律和音乐色彩营造了阴森压抑的气氛。偶尔闪烁出生命的希望，如同闪电一般。 施尼特凯《钢琴五重奏》作于1972-1976年。此曲是为纪念他的母亲而作，也是他唯一的钢琴五重奏。这部作品可以看成是施尼特凯创作风格突变的作品，这种从来都不做表面文章而影射的阴霾营造出了历史重现的压抑感，然而这种压抑的气氛几乎将他所有音乐作品风格模式统治了整整十五年之久。

这张专辑是安·汉普顿·卡拉威1997年8月发行的，是她的第一张完整的爵士乐唱片。 安·汉普顿·卡拉威（Ann Hampton Callaway）是过去十年最优秀的卡巴莱歌手之一。卡拉威的歌曲总是受到一点爵士乐的影响，她有着令人难以忘怀的嗓音，和大多数卡巴莱歌手一样，她非常尊重对歌词的诠释。 《The First Time Ever I Saw Your Face》的演唱有点与众不同。钢琴家肯尼·巴伦（Kenny Barron）、次中音萨克斯手鲍勃·明策尔（Bob Mintzer）和小号手兰迪·布雷克（Randy Brecker）都有大量的独奏段落，贝斯手杰伊·莱昂哈特（Jay Leonhart）和打击乐手乔治·金达（George Jinda）也都有不错的发挥。这些高水平的伴奏，对歌手而言是非常重要的，能够充分发挥出卡拉威的演唱特色和强大唱功。特别是在《All Blues》和《Old Devil Moon》中，她展示了深厚的潜力，如果坚持这条路，她将来会成为一名重要的爵士乐歌手。令人奇怪的是，专辑中最后一首，却是支原创的蓝调歌曲。 卡巴莱音乐（Cabaret）起初是一种在夜总会演出的歌厅式音乐剧，后来发展成表现政治、经济和民生的音乐形式，文学性极强，尤其是上世纪20 年代柏林的“魏玛卡巴莱”，许多歌都是由布莱希特、图霍夫斯基等德国文学大家作词。19世纪80年代，卡巴莱音乐从法国的红磨坊起步，之后，这种起初在小酒馆、夜总会表演的歌厅式音乐剧逐渐遍地开花，到了20世纪二三十年代，已广泛流行于德国及整个欧洲。这种融合了滑稽、歌舞和小品剧的音乐形式与上海也有着不解之缘，在张爱玲的笔下，卡巴莱曾在昔日十里洋场的数百家夜店同时上演，是摩登上海的缩影，而在王家卫的影片《2046》中，卡巴莱的妩媚也是缅怀老上海时不容错过的一道风景。

这张EP是继【香蕉花】之后的第二张创作单曲，整张单曲的创作动机都围绕着“母亲”这个主题，只是希望，地球再怎样进步，科技再怎么发达，亲子的爱，可不可以不要变质，于是创作了这张土土的、怪怪的、疯疯的、创作单曲，想要歌诵母爱但又不想傻傻的赞美，还有…可以有些批判吗? 妈咪?

百老汇当红原版音乐剧《长靴皇后Kinky Boots》取材于真实发生的故事。男主角查理·普莱斯（Charlie）是英国一家老字号鞋店Price & Sons的第四代传人。从父亲手上接过鞋厂事业后一直举步维艰的经营着家族产业。正在查理一筹莫展之际，他邂逅了才华横溢的酒吧歌手“变装皇后”劳拉 (Lola) 并发现这类人群中蕴藏着的巨大商机。《长靴皇后》题材新颖，以轻松欢快的旋律诠释友谊和信念的力量。剧中华美艳丽的服饰将观众从位于北安普顿的一间小小皮鞋作坊，一步步带至米兰星光熠熠的T台。 该剧主创阵容豪华，音乐由流行巨星辛迪·劳帕（Cyndi Lauper）亲自操刀，并由两次托尼奖得主杰瑞·米奇 (Jerry Mitchell) 担当导演和编舞，百老汇传奇剧作家，四次托尼奖得主哈维·费斯特恩（Harvey Fierstein）担当编剧。 2012年在芝加哥进行首演，2013年4月4日登陆百老汇后受到观众的热烈欢迎，收获13项托尼奖提名，最终一举夺得囊括最 佳音乐剧、最 佳词曲创作和最 佳编舞在内的6项托尼大奖。该剧先后在美国、澳大利亚、首尔、东京、德国、瑞典等地巡演，并于2106年制作成韩文版和日文版火热上演。 百老汇当红原版音乐剧《长靴皇后》 中国巡演日程 上海站 时间：2018年7月11日至2018年8月5日 地点：上汽•上海文化广场 广州站 时间：2018年8月9日至2018年8月19日 地点：广州大剧院 北京站 时间：2018年8月24日至2018年9月16日 地点：北京天桥艺术中心

这张专辑收录莫扎特的两部杰作：一、钢琴巨匠巴杜拉-斯科达与指挥大师富特文格勒率领的维也纳爱乐乐团合作，演奏莫扎特《第22钢琴协奏曲》；二、富特文格勒指挥维也纳爱乐乐团，演奏莫扎特《第40交响曲》。 《降E大调第二十二钢琴协奏曲》K.482，作于1785年，是莫扎特所有的协奏曲中演奏时间最长的一首。此曲中首创以单簧管取代双簧管的位置，这一变革在钢琴协奏曲的发展史上还属首次。 《g小调第四十交响曲》K.550，作于1788年。此曲是莫扎特最后的三大交响曲之一，是他的交响曲中最广为人知的作品。完成于1788年，整部交响曲热情洋溢，有着充满感情化的乐思。这首交响曲虽然仍能听出巴洛克音乐的痕迹，但还是促使当时的音乐向前迈进了一步，当它在十九世纪初于莱比锡演奏之际，曾受到“战栗”或“沉缓”等字眼的评语。这部作品可以说是一步步接近浪漫派的作品。这首作品中，莫扎特使用了罕见的g小调，给人以凄凉之感。

这套6CD合辑收录了俄罗斯钢琴家鲁比莫夫1990年采用古钢琴演奏录制的莫扎特全部钢琴奏鸣曲。这些作品体现了莫扎特天才的简洁和细腻。虽然乍一听很简单，但每个音符都充满了音乐和表达的目的。鲁比莫夫是一位演奏从巴洛克音乐到当代键盘作品的大师，他用三台模仿18世纪原作的乐器演奏了完整的莫扎特钢琴奏鸣曲。这些诠释，探索了古钢琴的特殊可能性。留声机杂志称赞他的演奏具有“不寻常的敏感性”、“色彩、发音和细微差别的精致”、“流畅而均匀，从不机械的光辉”等特色。

这张专辑是美国音乐大师劳伦斯·威尔克与他的乐队演奏的殿堂级作品《小象漫步》及13首50、60年代经典作品。 劳伦斯·威尔克(Lawrence Welk，1903年3月11日—1992年5月17日)是一位美国的音乐家、手风琴师、乐队领班和电视导演。广大听众通过广播、电视和现场表演熟悉他的风格。所谓的“香槟音乐”就是他的“重大发明”，把冒泡的香槟酒写入轻音乐中，当时人们趋之若鹜。美国人具有较强的童心和好奇心，对这种新奇的音乐津津乐道。 专辑的录音非常出色，全部采用电子管器材录制，是五、六十年代录音黄金时期的天碟级作品。很多天碟都出自这段时期，当时电子管的制造技术达到巅峰水平，麦克风也是最优秀的，包括神级的Neumann U47和AKG C12（现在状态良好的旧U47和C12也要卖到数万美元，还有价无市）。而且，由于当时多轨录音还未成熟，录音主要在录音室由歌手和乐师现场同步录制，使那段时期的录音大多有厚润甜美的中频、丰满的质感、鲜活的现场感和庞大的音场。七十年代后，晶体管器材取代电子管器材，麦克风也新不如旧，多轨录音的成熟普及也让现场同步录音极为罕见，超级靓声的天碟级录音就越来越稀少了。

这套12CD合辑是钢琴家阿劳在1941至1983年间为美国胜利唱片公司（Victor）与哥伦比亚唱片公司（Columbia）所录制的所有专辑汇总。其中1946年到1950年之间是阿劳第二次赴美拓展事业的高峰，唱片公司完全尊重他以艺术眼光对曲目所做的抉择。当时录制的曲目包括：理查·施特劳斯《滑稽曲》、韦伯《音乐会小品》、贝多芬《第21号钢琴奏鸣曲“华德斯坦”》、阿尔班尼士《伊贝利亚》等。 克劳迪奥·阿劳（Claudio Arrau，1903-1991）智利钢琴家。自幼有神童之称，曾到柏林求学，后定居纽约，持续其国际钢琴大师的演出生涯，誉满全球，公认是二十世纪最伟大的钢琴家之一。阿劳的演奏曲目范围十分广泛，从巴洛克到二十世纪的作品均有独到的建树，纯正严谨的古典风格与深刻的感情结合完美，并通过丰富的音色变化和辉煌的演奏技巧展现作曲家的音乐构思。录制了大量的唱片，是贝多芬、肖邦、舒曼、李斯特、勃拉姆斯作品的权威演奏家，最脍炙人口的录音是贝多芬钢琴奏鸣曲全集。 1914-1915年的乐季是他演奏生涯的大事，阿劳首次于柏林演出，先前他已经在德国以及斯堪地那维亚半岛上深入地拜访旅行，之后便展开了在欧洲各地所举行的一连串演奏会，他的演奏生涯也才正式确立。1921年阿劳首度回到南美洲，举办了数场音乐会，1922年第—次在伦敦登台。1924年回到母校Stern音乐院工作，直到1940年辞去职务。1927年因为获得日内瓦国际钢琴大赛首奖的肯定，使得他的声名更加稳固。1935年在柏林举行的一系列十二场的纪念音乐会中演奏了「音乐之父」巴赫的全部键盘作品，表现令人激赏。1940年离开柏林回到智利，在圣地亚哥创立钢琴学校。战争期间，阿劳完全投身在美国演奏，1941年举家迁往纽约定居。战后成了杰出的钢琴家之一，世界各地的演奏邀约不断。而这套合辑中的录音也因而开始于此。 无疑地，阿劳的音乐成就足以与布索尼、拉赫曼尼诺夫齐名，为本世纪杰出的钢琴家之一。他擅长演奏巴赫、莫扎特、贝多芬、肖邦、舒伯特、李斯特、舒曼、勃拉姆斯等传统音乐家的作品，对于阿尔班尼士、葛拉那多斯、德彪西、韦伯、理查·施特劳斯等近代作曲家的作品也十分在行。