【灵魂的声音】Russell Watson 声乐歌曲 01

这张专辑是著名指挥家欧内斯特·安塞美的录音精选辑。参与演奏的乐团：瑞士罗曼德管弦乐团、音乐学院音乐会管弦乐团。录音地点：1953-1964年在巴黎和日内瓦录音。 欧内斯特·安塞美（Ernest·Ansermet，1883年11月11日-1969年2月20日）瑞士指挥家，20世纪重要的指挥大师之一。安塞美驾驭乐团的能力高超，其演奏充满活力，表情则纤细而生动。尤其是他所诠释的芭蕾音乐和法国音乐，敏锐的节奏感和驱使乐团所呈现的色彩，更是其他指挥所望尘莫及。安塞美的指挥艺术被称作“精确的诗人”，他的诠释以细节的精确和寻求可信的情感表达而著称。对他来说，对作品的分析永远不会扼杀音乐表现的真谛。均衡、精确、形式的完美和演奏的热情是安塞美诠释音乐艺术的关键所在。 安塞美以演绎斯特拉文斯基的音乐和其他俄国作曲家，如柴科夫斯基、普罗科菲耶夫和穆索尔斯基的作品享誉国际。特别在芭蕾舞曲方面，安塞美可谓独霸一方。他指挥的《天鹅湖》、《胡桃夹子》、《睡美人》、《春之祭》、《罗密欧与朱丽叶》都完美展现了舞台表演的兴奋感和舞蹈的推动感,这恐怕是许多指挥家所不及的,一直被奉为最佳演绎。

这张专辑收录了克拉拉·哈丝姬尔的演奏录音，包括莫扎特的五部《钢琴协奏曲》。哈丝姬尔的名字将永远与莫扎特连在一起。不过，如果说哈丝姬尔从二十世纪上半叶就有“莫扎特专家”的地位是不妥当的。直到1960年代，莫扎特的作品对爱乐者与音乐家而言，都还不全然是钢琴的标准曲目。在早期的录音的曲目里，莫扎特二十多首钢琴协奏曲以第二十、二十四号这两首最受青睐，而奏鸣曲、变奏曲与钢琴小品的录音只有一点点（如：八与十一号钢琴奏鸣曲、D小调幻想曲与动听的C大调变奏曲）。二次世界大战结束后，萨尔兹堡音乐节的听众才有机会聆听几乎和“首演”没什么两样的莫扎特钢琴协奏曲，而这一切都感谢生意人的头脑以及音乐学者、教师与萨尔兹堡音乐院合奏团创办人，也就是著名的指挥贝尔纳德·包加特纳。包加特纳发掘了莫扎特早期交响曲、嬉游曲、组曲、小夜曲与舞曲里的活力与才气，并在萨尔兹堡的音乐会里演奏。也是经由包加特纳一曲又一曲的推广，群众才会注意到莫扎特这些钢琴协奏曲，这些作品也才不至于被演奏者遗忘。 在与包加特纳合作的莫扎特协奏曲录音里，可以听到哈丝姬尔是个有洞察力、全心奉献给音乐的音乐家。她每天的职责、她的才能智慧与技巧都是为了发掘这个还不为人知的莫扎特。在音乐生涯最后的十或十二年里，哈丝姬尔的身体已经没有办法让她完成协奏曲全集与两首回旋曲（K.382和K.386）的录音。以现在的角度来看，可能有人会怀疑这是因为哈丝姬尔对录制全集不感兴趣的缘故。在她与保罗·沙却、包加特纳、弗利克赛克与马克维契合作的莫扎特钢琴协奏曲中，即使健康状况对音乐不无影响，但是却全然的呈现音乐内在精神。哈丝姬尔的诠释不以奇巧取胜，能在不知不觉里忠于作品并探触到作品的深处，以声音、和声、作品结构及作曲家的意念来传递迷人的美感。当哈丝姬尔的琴声在乐团导奏后出现时，她的音乐语言就像说话般的自然，直入她对莫扎特音乐的理解与诠释方法核心，随着音乐的情感波动，让人觉得似乎再也不可能有第二种诠释方法。

这套合辑是为了纪念女高音歌唱家安娜·莫芙逝世十周年而特别发行的限量版本，收录了她1960-1974年间的演唱录音，其中包含了四张首度发行CD的专辑。所有模拟母带均以24位/96kHz的技术加以数字化重新处理，效果更胜以往，是回味当代名演的最好选择。 在这套合辑中，安娜·莫芙与多位歌手合作，包含上个世代的男高音代表人物史帝法诺、贝冈吉与克劳斯。参与的指挥更包括莱布维兹、塞拉芬、史托科夫斯基、马格等。 安娜·莫芙（Anna Moffo，1932年6月27日-2006年3月11日）美国歌唱家，出生于宾夕法尼亚州，有意大利血统。1950-60年代活跃于乐坛，因其歌声与美貌而受欢迎。好莱坞曾有意请她拍电影，但因母亲有意让她当修女而拒绝。1955年获得奖学金，进入罗马的圣奇西利亚音乐院求学。二十三岁挑战《蝴蝶夫人》一角，让她一夕成名。之后她饰唱《法斯塔夫》与《梦游女》的女主角，结果吸引卡拉扬，邀请她到萨尔兹堡音乐节合作《法斯塔夫》以及此剧的唱片录音。而卡拉丝演唱的《波西米亚人》，也指定由她唱对手角色穆赛塔。当时的她可说集千万宠爱于一身。 1957年莫芙与制作人马里欧·兰夫蓝基结婚。1959年她在大都会歌剧院首演《茶花女》之薇奥丽塔一角大获成功，并因此与剧团展开长期合作，而当1976年她退休时，也是选择此角色告别舞台。1960-1973年之间，在意大利当地的电视台担任主播，被选为意大利最美丽的10位女性之一。除了歌剧，她也演唱清歌剧与艺术歌曲，曾拍过四部电影。 莫芙的歌声柔和恬淡、用情真挚、细腻而温柔，对于乐曲中的抒情性控制得宜，由内而外散发出典雅高贵的气息。与戏剧性的作品相比，她更适合演唱抒情的作品。莫芙的嗓音低沉丰满、优雅，线条明晰匀称。虽然音量不大，但音色温暖而丰富，有着柔和的色彩和天鹅绒般舒适的低音区。她敏捷的花腔技术使她能胜任露契亚这样的高难度唱段。她与男高图克和男中音梅里尔合作演出的《茶花女》以她赋予主人公细腻感伤的演绎至今仍为人们称道。莫芙演唱的音质纯净清脆，线条明晰匀称，音量不大，却充盈着极强的艺术感染力。

这套专辑是小提琴大师格鲁米欧与钢琴大师哈丝姬尔合作，演奏贝多芬的10部《小提琴奏鸣曲》。格鲁米欧与哈丝姬儿合作超过10年，并录制大量曲目。两人合作的贝多芬《小提琴奏鸣曲》，在乐迷心中占有无与伦比的地位。格鲁米欧自信、高妙的演奏技巧，在哈丝姬儿的陪衬下，自然地将贝多芬的音乐引领到崇高的精神境界。录音完成于1956-57年间，这是单声道时代结束前，最重要的杰作之一。优异的录音品质，超越同时代的作品甚多。这个版本曾赢得“为后人树立标竿”的赞誉。企鹅唱片评鉴给予三星的评价，认为：“其演奏具有高度的人文素养与贵族气质，没有人会因为投资这套录音而后悔”。

这张专辑是德国指挥家鲁道夫·肯培的录音精选辑。参与演奏的乐团：柏林爱乐乐团、慕尼黑爱乐乐团及合唱团、皇家爱乐乐团、维也纳爱乐乐团。 鲁道夫·肯培（Rudolf Kempe，1910年6月14日-1976年5月12日）德国指挥家。他的指挥风格是严谨、端庄、朴实和简洁。他指挥演奏出的音乐音响丰富、色彩鲜明，能够体现出极其高雅的意境和与众不同的品位。肯培并不仅仅是一个继承传统的指挥家，他是一个发展和开拓能力很强的艺术家，在遵照传统而完好地保持了作品的整体结构和严谨的布局之后，肯培将浪漫主义的情感因素大量地汇集在其中，使音乐作品显得更加生动、鲜明和感人。 肯培的这种特长，使得他不仅善于指挥理性较强的德奥风格的作品，而且对于情感和风趣偏重的斯拉夫民族的作曲家的作品，也有着十分精致和出色的演释，例如他对于俄国作曲家柴科夫斯基的交响曲，就有着非常独到的处理和成功的演释，而柴科夫斯基的作品一般对于德奥指挥家来说是并不擅长的。另外，肯培对于斯美塔那和德沃夏克等人的作品，也是一个演释得极为成功的专家，其中最能说明问题的作品当属斯美塔那的著名歌剧《被出卖的新嫁娘》和德沃夏克的《第九交响曲》。

这张专辑是鲍罗丁弦乐四重奏团演奏俄罗斯作曲家的著名室内乐作品。包括鲍罗丁、沙巴林、拉赫玛尼诺夫、普罗科菲耶夫、柴科夫斯基、格拉祖诺夫、斯特拉文斯基、肖斯塔科维奇等著名作曲家的作品，作为俄国老牌重奏团，鲍罗丁弦乐四重奏团非常擅长演奏这些俄罗斯风格的作品，他们的诠释风味纯正、驾轻就熟、精彩之至。 俄罗斯音乐壮阔宽广，带有颂歌风格。许多俄罗斯音乐作品，同一个主题音调由开始的沉静、略带忧郁的旋律，逐渐发展为壮阔、颂歌式具有英雄气质的旋律，体现出俄罗斯民族既热情奔放又浪漫抒情的双重性格；而开阔宽广、气宇轩昂、热烈奔放，则突出了俄罗斯民族的豪放性格。俄罗斯的音乐家们都有着强烈的民族意识，无论是哪个时期，抑或身处哪个国家，都从不背离俄罗斯音乐传统。 俄罗斯最伟大的作曲家是柴科夫斯基，他的作品中流淌着热情且又开放的情感，细腻而且婉转，蕴含古典风格而深受人民的喜欢。他的音乐最大的特点就是有特别强烈的感染力，每一个音符都充满了情感，并且带有一定的管弦乐的风格。这些都是对作曲家敏感忧郁的情绪的一种反映，在他多数的音乐中，都能够感受到民族文化的影响，他把西方交响乐与民族的文化巧妙的结合了一起。 二十世纪是旋律创作的一个多元化的时代，当时的苏联作曲家为了避开和古典主义、浪漫主义时期的音乐语汇雷同，挖空心思寻找与众不同的新的旋律技法，如普罗科菲耶夫、斯特拉文斯基、肖斯塔科维奇等。但正是这种立足于民族音乐语汇和民族悲情主义艺术情感，并结合西方音乐潮流的核心因素就是一种创新。

郎朗、齐默尔曼、鲁宾斯坦、加里克·奥尔森、保罗·博尔多尼等

这张专辑是霍洛维兹演奏的三首贝多芬最著名的钢琴奏鸣曲：《月光》、《热情》和《悲怆》。专辑录音却没有那么令人深刻的印象了，也许是考虑到各个作品的平衡性，反而没有专心致志的演绎一首作品来的自由吧。很多人认为霍洛维兹弹得不是贝多芬而是他自己，但是喜欢他的人谁在乎呢？专辑还附带了舒伯特的两首《即兴曲》，霍洛维兹演奏得随兴而浪漫，有歌唱般的旋律，非常有味道。 《c小调第八号钢琴奏鸣曲》“悲怆”Op.13，这是达到了贝多芬早期钢琴奏鸣曲之顶峰的杰作，也是因其戏剧性的优美旋律而为世人所熟悉的作品。本曲无论在内容、旋律和结构等诸多方面，都渗透着一种日耳曼民族特有的理性，这也是贝多芬等德国音乐家共有的特质。本曲的演奏技巧并不太难，因此被演奏的机会也非常之多，更是许多钢琴初学者爱不释手的曲目。在贝多芬的钢琴奏鸣曲中，《悲怆》是第一首由他本人亲自写上标题的作品。关于“悲怆”这个词汇，与贝多芬后半生那感人肺腑而又凄怆深刻的悲剧性生活还有相当的一段距离，因为这毕竟是他的早期作品。 《升c小调第十四钢琴奏鸣曲》“月光”，作于1801年。几乎没有一首名曲像这首奏鸣曲一样，因“月光”这一俗称而名满天下、家喻户晓。《月光》这一名的由来众说纷纭，但最多的是源于德国诗人路德维希·雷尔施塔布（1799－1860）形容这首乐曲的第一乐章为“如在瑞士琉森湖那月光闪耀的湖面上一只摇荡的小舟一样”。这部作品，贝多芬自己称为“好像一首幻想曲一样的”。 《热情奏鸣曲》作于1804年至1806年间，是贝多芬中期奏鸣曲创作中的代表性杰作，正是贝多芬创作的成熟时期。也是整个钢琴音乐史中占有最高峰的经典作品。它不仅是内在的感情狂澜和选材的紧凑使人震惊，而且是那些最富于表情的音乐手法把全部汹涌狂暴的因素完全置于了一目了然的形式里令人赞叹。《热情》以其生动而深刻的音乐形象，概括了十九世纪初期欧洲人民反对封建，反对侵略的英雄面貌。他的深刻、巨大的乐思和雄伟的形式在这一时期突出的表现出来，在贝多芬和其他的同类体裁作品中是非常罕见的。《热情》通过完美的艺术形式，充分地表现了成熟时期贝多芬的思想感情，表明了贝多芬对他生活的时代和社会有着复杂的体会及不满。十分明显，贝多芬最终还是感觉到了人民的力量和时代的前进步伐，以无比巨大的热情寄希望于新的未来。从作者本人到公论都认为 “热情”是登峰造极的钢琴奏鸣曲之一。

这张专辑收录了3个录音：1、海菲兹与沃尔特·亨德尔指挥的芝加哥交响乐团合作，演奏西贝柳斯《d小调小提琴协奏曲》；2、海菲兹与明希指挥的波士顿交响乐团合作，演奏普罗科菲耶夫《g小调第二小提琴协奏曲》；3、海菲兹与沃尔特·亨德尔指挥的RCA胜利交响乐团合作，演奏格拉祖诺夫《a小调小提琴协奏曲》。 西贝柳斯《d小调小提琴协奏曲》之所以有今天的经典地位，有相当部分原因要归功于海菲兹的两个录音版本：1935年和比彻姆、伦敦爱乐乐团和1959年和亨德尔、芝加哥交响乐团的演奏录音。海菲兹在这两版本中的表现同样卓越，技巧无懈可击，面对超技片断如履平地，可谓前无古人、后无来者，首乐章炽热的情感、第二乐章浪漫高贵的情操，以及终曲的火花四溅、无可挑剔。1935年的版本音效较次，仍适宜作为入门版本，当年比彻姆的协奏要比1959年录音有更多的想像力，更能与独奏者平起平坐，而亨德尔、芝加哥交响乐团的伴奏较为平凡，未能起到画龙点睛之效，但海菲兹的琴音在这版录音中却有更真实的重现。

这套9CD全辑是钢琴家布赫宾德演奏贝多芬的32部钢琴奏鸣曲，这是他在萨尔兹堡音乐节的现场演奏录音。没有做作、没有失控，没有刻意而为的斧凿之痕，这是最具亲和力的贝多芬演奏。音乐超越了音响条件的局限。“发自内心、抵达内心。” 从头至尾，最让人感动的是大师在技术的高度熟稔和音乐表达的清新自然这二者间达到的堪称完美的平衡。早期奏鸣曲的清新感以及贝多芬的即兴和幻想色彩，在布赫宾德的维也纳式音色中体现为最本真的表达，有时让人自然地想到以伟大的即兴大师著称于当时的贝多芬本人——事实上，在很多时刻心甘情愿地闭上眼睛，完全放任自己的思绪和情感穿越时空，到二百多年前的维也纳，相信听到的就是贝多芬大师本人的演奏。有些为贝多芬早期钢琴创作所独具的效果，如《田园》末乐章尾声的风笛式低音，十六分音符的颗粒感与分量感是以高度考究的精湛手法弹奏的。 在《热情》中，布赫宾德敏锐的风格感使他极为得体地加强音色的分量和表情饱和度，但即使在技术上最棘手的段落，包括那些低音区的深沉咆哮，音乐的内在流动感也丝毫未受影响。听这样的音乐，你不能不慨叹像凯泽这样的评论大家的独到眼光。他慨叹：布赫宾德最大的与众不同，在于他的演奏彻底远离浮华，而这是演奏贝多芬的作品，尤其是他的后期作品常难以彻底避免的现象。 济慈在他的《希腊古瓮颂》结尾有这样的诗句：“美即真，真即美。”而这是极难达到的境界。太美的东西常是需要牺牲真实方能得到的。而在布赫宾德的演奏中，这二者以如此自然的方式达到了统一。