超能音乐

这张专辑是大提琴家斯塔克与钢琴家左奇·西波克合作，演奏肖邦、德彪西、门德尔松的大提琴作品。 肖邦《g小调大提琴奏鸣曲》作品65，作于1846-1847年间。肖邦唯一的这首大提琴奏鸣曲翻覆着纷杂而深暗的潜流，反映出他哀愤交加的心绪。熟识了阴柔的肖邦或刚健的肖邦，初听这首曲子会在旋律晦涩、技法不丰的感觉下快速将它遗忘；但只要领会了那份悲情，就能清晰感受到他在人生最低谷时的苦闷况味。乐曲一开篇就笼罩了孤清暗影，在钢琴的简短引奏下，大提琴怀着沉郁之情怅叹而来，他就像天涯过客，回望沧桑前尘、感喟无常聚散；情缘何解、迷梦难消，心头拍击着狂野巨浪、淹缠着荒漫忧伤；这昏沉的哀叹延绵着，始终在一种病态的涡流中苦苦挣扎，直到最后一刻也没能解脱。第二章是迷乱的梦境，时而迸射出狂热光芒，忽又沉溺于痴想；在矛盾与渴盼中交混着苍白的柔情，给人留下虚萎不实的印象。慢板弥漫了无边哀愁，是一曲孤寂的挽歌，目送残阳、挥手人生，繁华落尽、秋心独倚；虽有一丝暖意，终不奈幽幽惆怅与苍凉。终章是消沉和振奋的碰撞：呼吸中仍翻转着恼人忧郁，激情却焕然而起；流火般在黑暗中闪耀，将烈焰投向颓靡与哀怆；愁情在它感染下裂茧而出，抛却了伤泣、抖擞神行；音乐在激奋跳荡中斩截而收，骨力坚劲、气势雄健。 德彪西《d小调第一大提琴奏鸣曲》，作于1915年。这是他与身体的病魔和精神的苦恼斗争中，完成的独特而新颖的奏鸣曲，此曲燃烧着巨人般强烈的求生意志与澎湃的热忱，表现出独特的奋斗精神。有人说这首作品受到舒曼的直接影响，但在此曲中所欲表现的灵性则是更加直接地流露，具有简洁纯净的美感，与鲜明的色彩对比。此曲使两个世纪以来，彷徨停滞的法国器乐传统以新的姿态与生命复活起来，同时它也成为二十世纪大提琴文献中具有独特风格的作品。

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这张专辑是大提琴演奏家斯塔克与斯克洛瓦切夫斯基指挥的伦敦交响乐团合作，演奏舒曼、拉罗的《大提琴协奏曲》；与多拉蒂指挥的伦敦交响乐团合作，演奏圣-桑《大提琴协奏曲》。1962年和1964年在英国录制，采用独特的35mm电影胶片录音技术，比传统录音磁带拥有更凌厉的动态，更清晰的音质和更敏锐的瞬态反应，并几乎没有嘶嘶的底噪声。 舒曼《a小调大提琴协奏曲》作品129，作于1850年。当时舒曼就任杜塞道夫市音乐总监，精神也较为安定。舒曼对大提琴的音色甚感魅力，写出这首全曲充满浪漫的忧愁气氛的协奏曲。 拉罗《d小调大提琴协奏曲》作于1877年秋天，拉罗将此曲题献给大提琴家阿道夫·费雪。采用了西班牙民族音乐的要素，乐曲既带有浓厚的西班牙乡土色彩，也呈现出精致、潇洒、优美的典型法国风格。宽广连绵的主题个性特征，贯穿于全曲的民族气息，独特的节奏处理，显示出强烈的浪漫主义意味。作曲家对大提琴这一很人容易被乐队淹没的乐器加以精心安排和巧妙处理，使乐曲整体十分融合平衡，独奏与乐队彼此衔接得非常贴切，获得了最佳效果，成为大提琴文库中珍贵得一曲。 圣-桑《a小调大提琴协奏曲》作品33，作于1872年，全曲可分为三个部分，因其间没有明显的分割而常被认为是一部单曲。曲子以一个突如其来的强音开始，随后第一主题便暴风骤雨般地汹涌而来。在接下来的两三分钟内，这个主题反复重现，并由大提琴扩展到长笛、单簧管、小提琴，直到把整个乐队拖进来，以展现宏大的气势。第二部分，曲调优美而舒缓，极富歌唱性，大提琴的投入循序渐进，表达一次比一次充沛，如同一名舞者从青涩走向圆熟。第三部分又再现了第一主题，只是层次更加复杂，旋律比在第一部分中更加雄厚和沉稳。整部曲子绚丽多彩、形式严谨，表现出热情的自由幻想与纯法国式的典雅相结合的特色。

收录贝多芬最经典的代表作品

这张专辑是穆洛娃与著名指挥家加德纳携手合作，以精确理性、生气蓬勃的音乐风格诠释经典的门德尔松《小提琴协奏曲》。另一首作品是同属经典曲目的贝多芬《小提琴协奏曲》，穆洛娃的诠释在平顺的线条中带有极美的乐句和旋律线，对音色掌控抓得非常精准。穆洛娃不是像穆特那样激情四射的演奏家，表面上听去具有高贵冷艳的气质，藏而不露、有条不紊地处理着乐曲的风格、乐句、力度、表情等，但仔细听去，却让人可以触摸到她内心深处不可抑制的激动。冷漠的外表与炽热的情感不期而遇地结合在一起，构成了穆洛娃与众不同的演奏特色。 门德尔松《e小调小提琴协奏曲》创作于1838年，是一首女性气质的协奏曲，高雅柔美、温婉多情，有时还流露着一点点的感伤。全曲分三个乐章，按照作曲家的要求，要不间断的演奏。 贝多芬《D大调小提琴协奏曲》是贝多芬唯一的一部小提琴协奏曲，四大小提琴协奏曲之首，自古一直被誉为小提琴协奏曲之王。这首乐曲旋律柔美、格调高雅、规模宏大，颇具王者风范。

这张专辑是沙汉姆和索舍尔合作录制的小提琴与吉他二重奏。里面的选曲很多是十分熟悉的舒伯特著名作品，里面的小提琴占据了绝对主要的地位，吉他只是在旁边轻声的附和，乐器的定位小提琴更接近中间位置。沙哈姆的演奏技巧几近炉火纯青，正如权威评论家所赞誉的，“单就技巧方面而言，沙哈姆丝毫不逊色于海菲茨、帕尔曼这些大师。”在音乐表现上，沙哈姆体现了准确严谨的现代演奏风范，同时融合了丰富多彩、变化自如的表现力，相比起现时期另一位小提琴家克莱默来说，他的演奏更具绅士风度和吸引观众的气质。他在抒情性段落展示出的甜美、亲切的歌唱性具有沁人心脾的美。” 唱片中收录的大多是一些小型的作品，包括脍炙人口的《音乐的瞬间〉、《小夜曲》、《阿佩乔尼》等等，加上极佳的录音效果，让人似乎置身在19世纪维也纳的家庭音乐会之中。专辑中收录的所有曲子可以用优美动听来形容，抒情的气氛始终充斥着整张唱片，而技巧的含量却一点不含糊。在此特别推荐《阿佩乔尼奏鸣曲》，在1823，维也纳著名的吉他制作家斯塔法突发奇想，做出了一把六根弦的大提琴——后世称阿佩或吉他形大提琴。舒伯特见了很感兴趣，特地为这把乐器作了一首奏鸣曲，也就是如今我们听到的《阿佩乔尼奏鸣曲》。过了这么多年，“阿佩乔尼”这种乐器早已湮没在了历史的长河中，现在的音乐家演奏这首曲子时用的都是大提琴，但这首奏鸣曲的名称还是沿用至今，大多数人也只有因为这首曲子才知道曾经存在过那样的乐器。这首奏鸣曲是舒伯特的唯美之作，将古典主义的优雅和浪漫主义的抒情完美地结合在一起。也许是吉他形大提琴本与吉他十分相似，所以改编后小提琴替代钢琴也一点不会感觉生涩，整首乐曲听来琴瑟和谐，互动传神，两位大师的演奏更是把那种如胶似漆的意境融合进了如梦似画的梦幻中。

这张专辑是钢琴家藤子海敏的演奏录音，包括肖邦、德彪西、李斯特、舒伯特、勃拉姆斯的独奏作品。音乐外在的戏剧性对比，包括节奏、力量幅度、速度，都不是藤子海敏最关心的。她几乎以相同的脉搏来处理截然不同的作品，就像李斯特《帕格尼尼主题练习曲》中的诸多性格变奏，没有一首刻意突出不同特点，而是让音乐自然流淌，平稳、朴实。听过很多惊世骇俗的演奏之后，也许会觉得藤子海敏的演奏略显单调。的确，她带给我们的，不是一个现代艺术家的典型，像马勒式的，彼此冲突，自我撕扯分裂。藤子海敏的世界，是单一纯粹而透明的，没有深刻、没有变幻不定，只有宁静平和。就像她演奏的肖邦前奏曲，在诸多钢琴大师手下，可以弹得色彩无穷的音乐，而她的演奏就像水墨画远方的山景，几抹淡淡的痕迹而已。 藤子海敏（Fujiko Hemming）1932年12月5日出生于德国柏林，母亲是日本钢琴家，父亲是瑞典-俄罗斯的建筑师，在这样艺术氛围浓郁的家庭成长起来的孩子喜爱音乐大概是理所当然的事。藤子海敏像贝多芬一样，几乎一生重要的音乐时光被失聪诅咒着，但是她的成就也如同贝多芬一般，他们都在自己的音乐领域赢得最大的成功的尊重。

这张专辑是小提琴家大卫·戴维森与钢琴家罗素·戴维斯合作，演奏十二首经典怀旧的情歌金曲，音乐扣人心弦、感人肺腑，永恒耐听。这是一张演录富有诚意、效果相当动人的轻音乐唱片。专辑中像《And I Love You So》、《Evergreen》、《If》、《Love Me Tender》等曲目，都是耳熟能详的曲目，但只要将这张唱片放入CD机播放两分钟，你就会毫不吝啬地说出“好听”两字。 无论从编曲到演绎再到录音效果，这张容易被人忽略的专辑都体现出惊人的精致，小提琴时而忧怨时而激扬的倾诉、钢琴流水般的音符，两件乐器犹如情侣间的对话，流畅、投入，细腻又有适当的留白，搭配出很高雅的气氛。录音效果更是锦上添花，将小提琴极富“松香味道”的质感、钢琴剔透通明的音色，以及两者抑扬顿挫的动态起伏完全呈现，甚至两件乐器的形体比例都非常逼真，让听者无不着迷。

这张专辑收录了阿图尔·鲁宾斯坦的演奏录音，包括贝多芬、法朗克、舒伯特、勃拉姆斯、舒曼的钢琴独奏作品。 除了肖邦的作品之外，贝多芬、舒曼和勃拉姆斯的键盘作品大量地出现在鲁宾斯坦的节目单上。鲁宾斯坦演奏为数众多的贝多芬的奏鸣曲，但是在他漫长的职业演奏生涯中，有两首特别地是他的最爱。其一为《热情》奏鸣曲（作品五十七）；另一为降E大调奏鸣曲作品三十一之三。阿图尔·鲁宾斯坦录制了三次的降E大调奏鸣曲，这里所收录的是第二次、于1964年的录音。这首生气蓬勃、热情洋溢的作品之所以强烈吸引阿图尔·鲁宾斯坦的原因是显而易见的，它需要如歌的音色、钢琴的优雅和旋律的激荡（特别是其第二和第四乐章）的独特结合一种阿图尔·鲁宾斯坦富有的特质。阿图尔·鲁宾斯坦诠释贝多芬的音乐风格是相当有说服力的，他演奏这位作曲家的方式也许曾受过已被遗忘的法国钢琴家艾杜瓦·里斯勒（Edouard Risler）的影响，年轻的阿图尔·鲁宾斯坦曾经听过他演奏全本的贝多芬奏鸣曲。“直到现在，”阿图尔·鲁宾斯坦在自传中回忆到：“我再也没有听过任何人能演奏这些奏鸣曲如同黎斯勒一般美丽而动人，他忠实的演奏它们，就好像它们对他说话一样，显现了这些钜作的高度浪漫本质。人们似乎忘记贝多芬是第一位可被称为“浪漫派”的作曲家，简而言之，他利用自己的创作天分，在他的音乐中刻画出他的绝望、他的欢乐、他对自然的感受、他的愤怒的爆发，最重要地，他的爱。他利用他那无与伦比的才华，完美地展现这些情绪。谈论贝多芬时，再也没有比“古典”这样的字眼更令我陌生的了。” 鲁宾斯坦对勃拉姆斯的音乐的终身奉献斑斑可考。事宾上，他在1971年表示：“勃拉姆斯的音乐和我关系紧密尤甚于我那伟大的同胞肖邦。早年我有幸成为约瑟夫·约阿希姆——传奇的勃拉姆斯的诠释者、建言者和友人的门生，经由他我一阅始就浸淫在勃拉姆斯的音乐中。记住，我十岁那年勃拉姆斯才离世，所以对我来说他是在世的作曲家，而非“老大师”。现在我仍然以这样的感觉来接近他的音乐，以我自己的方式，尝试演奏出早年成长时所喜爱的那位勃拉姆斯的本质。”

这张专辑是莱博维茨指挥皇家爱乐乐团，演奏贝多芬《第九交响曲》。由著名录音师韦尔金森（K.Wilkinson）1961年在英国伦敦录制。专辑演奏、录音都极为出色，是古典音乐的天碟级作品。 《d小调第九交响曲》作品125，作于1819-1824年间。因其第四乐章加入了大型合唱，故后人称之为“合唱”交响曲。合唱部分是以德国著名诗人约翰·克里斯托弗·弗里德里希·冯·席勒的《欢乐颂》为歌词而谱曲的，后来成为最为著名的主题。此曲被公认为贝多芬在交响乐领域的最高成就，是其音乐创作生涯的最高峰和总结。 此曲构思广阔，思想深刻，形象丰富多样，它扩大了交响乐的规模和范围，超出了当时的体裁和规范，变成由交响乐队、合唱队和独唱、重唱所表演的一部宏伟而充满哲理性和英雄性的壮丽颂歌。作者通过这部作品表达了人类寻求自由的斗争意志，并坚信这个斗争最后一定以人类的胜利而告终，人类必将获得欢乐和团结友爱。 如今《d小调第九交响曲》被公认是贝多芬在交响乐领域的最高成就。说欢乐颂是贝多芬交响乐的颠峰之作，更因为整部作品仿佛是贝多芬一生与其命运的一部斗争史。乐曲的第一、第二乐章均采用小调，表现了贝多芬早年的命运多舛，痛苦与绝望一直伴随着他、折磨着他。但他一直坚持着，顽强地与命运抗争着。慢慢地，痛苦转为宁静（第三乐章），以至到最后他完全得到解脱，得到了真正的永恒的最终的欢乐（第四乐章）。斗争，一直充斥在贝多芬的作品中。尤其是《d小调第九交响曲》，更能给在痛苦与绝望汹涌的风浪中挣扎的人们以无穷的力量和希望。