人生孤独，让人冷静。

这张专辑是爵士小号手布鲁·米切尔1960年在纽约录制的，由Richard “Blue” Mitchell领衔并演奏小号、Wynton Kelly演奏钢琴、Sam Jones演奏贝斯、Roy Brooks担任鼓手。专辑的风格是典型的摇摆和创造性的硬波普流派，音乐家们演奏了八首作品，包括四部经典作品：罗纳尔·布莱特的《Sweet Pumpkin》和默默无闻的《Avars》，还有两部原创的时髦作品。 理查德·“布鲁”·米切尔（Richard “Blue” Mitchell）1930年生于迈阿密、1979年死于癌症，年仅49岁。但凡才华出众点的，似乎都生命短暂，这类悲剧在爵士界时有发生，不能不说是一个遗憾，或许这便是所谓的“爵士人生”吧。 布鲁·米切尔的小号音色明亮直接，极富煽动性与光辉感。而这种声音特色完全可以在这张专辑里轻松体会到。尤其是《When I Fall In Love》（电影《西雅图未眠夜》的片尾曲），几乎在每个情人节的夜晚都会响起。这首只赠有情人的歌，如丝绒般温暖着每个有情人的心，抒缓的曲调令人难以抗拒沉醉其中。

这张专辑是著名大提琴家杰奎琳·杜普蕾演奏埃尔加的大提琴协奏曲。杜普雷版《埃尔加大提琴协奏曲》堪称埃尔加最完美演绎版本。天才大提琴家杜普雷逝世三个月后，在专场纪念音乐会上，祖宾·梅塔指挥到一半就泪如雨下，无法继续。为纪念杜普蕾，祖宾·梅塔宣布他以后不再指挥埃尔加：“不堪回首的第一主题又在我耳边响起，那是杜普蕾拉给自己的宿命之歌。 这支曲子据说是埃尔加献给去世的妻子的，也是作曲家毕一生之力创作的最后的大型管弦乐作品，可以说是爱尔加献给妻子的安魂曲和自己的“天鹅之歌”。整支曲子情感起伏很大，真挚，同时又充满哲思，理性与感性的平衡很难掌握，因此演来难度颇大。杜普蕾用尽了一生的才华，演绎了这首“千古绝唱”。 这支曲子的很多版本，卡萨尔斯的版本，琴声质朴，文化底蕴深厚，但却有些暮气，罗斯特洛波维奇的录音, 压抑又充满激情，但却极富夸张，马友友的版本，抒情，优美，但却有些贵族气，不是特别投入（尽管他目前使用的是杜普蕾的那把琴），只有杜普蕾是全身心投入，甚至有些奋不顾身，既充满朝气，又不是女性的细腻表情，但并不是没有节制的放纵自己情感，显得颇有大度。实际上听她的演奏，那些所有的技巧、音色，音准等在其巨大感染力面前，消失的无影无踪。 大提琴质感非常好，音色超卓，泛音很美，再加上巴比罗利的坚强有力，富有激情的烘托，使整个音场宽广宏大。在慢板乐章中与杜普蕾一唱一和，互诉衷肠，极具感染力。另外这张唱片中还有英国著名歌唱家贝克（BAKER）演唱的“海景”（sea picture），同样是精彩万分的演绎。

音乐是比一切智慧、一切哲学更高的启示，谁能渗透我音乐的意义，便能超脱寻常人无以自拔的苦难。——贝多芬

这张专辑是大提琴家芬妮·凯默兰德与吉他演奏家罗伯特·沃尔夫合作，演奏14首改编的经典名曲。二位大师将大提琴与吉他这两种经典乐器之间产生的非凡而多样的魅力表现得淋漓尽致。整张专辑之美，令人陶醉。 专辑收录了查理·海顿的《我们的西班牙情歌》、法雅的民歌《摩尔人的围巾》、卡萨尔斯的《天鹅之歌》，以及颜尼欧·莫利克奈的《新天堂乐园》电影配乐等等。罗伯特·沃尔夫的创作与奇克·考瑞阿、斯汀等不同作曲者的歌曲交替出现，每一首曲都充满了新的生命，蜕变出与众不同的悠然风味。乐曲中，一方面有柔美流动的旋律，同时又有令人紧张和大气磅礴的部分，共同打造出多样化却相互和谐的音乐。 好音乐的光芒是遮掩不住的，专辑发行后立即获得德国音乐杂志与报刊评论的肯定，著名的《吉他》杂志评价罗伯特·沃尔夫的表现，赞赏其“兼具优异的改编技巧和融合古典与爵士音乐的底子，而演奏方面更是直逼前代吉他大师们的优良传统。”由此可见，这是一张无与伦比的专辑，同时也是一张耐听的专辑。 录音方面，乐器的音色和结像力非常好，而6N纯银压片的解析力也可说是展露无遗，吉它的结像力、大提琴的形体感都妙到毫巅，质感凸显，空气感更是好得无以复加，丰富的音色以及超低频音响，也不由人不肃立静听，而非常好的音响质素也使听者真心愉悦。

理查·盖利安诺（Richard Galliano）出生于1950年12月12日，是皮亚佐拉最后一个关门弟子。这位有着意大利血统的法国人，被誉为20世纪最杰出的手风琴家，其手风琴技巧令人炫目，尤其是演奏皮亚佐拉的名曲《自由探戈》，在后世的无数版本中，这是最耀眼令人赞叹的。除了《自由探戈》，如果从未听过理查·盖利安诺演奏的音乐，推荐两首《Vuelvo al sur》和《New York Tango》，前者也是皮亚佐拉的名曲，连电子组合Gotan Project的演绎都令人印象深刻，自是不用说。后者则是盖利安诺的作品，他融入了即兴爵士的手法，豪华的乐队伴奏，是在此之前从未有过的新探戈的尝试。 理查·盖利安诺四岁起就跟随其父练习手风琴，少年时代迷恋上了爵士，尤其从小号手Clifford Brown的音乐中得到启示，并很快驱使他投入到爵士音乐这片新天地中，1970年代他移居法国后，就开始为一些著名的爵士乐手伴奏，诸如Chet Baker、Ron Carter、Michel Petrucciani、Jan Garbarek等。直到他遇见给他带来巨大影响的人：阿斯托尔·皮亚佐拉。 理查·盖利安诺曾经说过，皮亚佐拉就是他的导师，引导他掌握自己的风格，并一直鼓励他，让他充满信心，直到皮亚佐拉逝世，他们一直是伙伴关系。在与皮亚佐拉合作这段时期内，盖利安诺重拾欧洲民谣的传统，以一种全新的方式来表达他内心的探戈。虽然手风琴bandoneon琴作为一样非常本土化特殊的民间乐器，在爵士乐中绝少有成功者，且难登高雅之堂，但是盖利安诺却成功地将探戈这种小酒馆式的小调舞曲以手风琴与管弦乐队合作的手法来演绎，有时候甚至气势恢弘，带有强烈的英雄诗歌体般的气韵。

从某种程度上说，我们现在能听到某些唱片，也是托了唱片工业不景气的“福”。我认为其中最明显的，就是那些母带发行的历史录音。原本，直接使用母带为音源来制作唱片是极为罕有的。尤其在历史录音、现场录音这块，“母带发行”的珍贵就益发彰显。因为原本制作精良的商业录音，即便采用母带的复制品来做唱片，唱片公司也会尽量把握整个流程，让音效的损失减到最少（不知所谓的操作除外）；反观历史录音，它的效果本来就因其古老而难以保证，制作唱片所采用的音源又很可能只是老LP或78转唱片。即便是广播录音，也很可能是二拷，甚至私人录制的带子。如果能够采用母带为音源来做历史录音，那基本就可以称为梦幻音源了。但在唱片工业未至危途以前，这往往就真的是一个美梦。 我自己买这套唱片实在也有点晚了（2013年才入手），只是在收藏途径的改变与收藏计划的调整中拖延至此，听过之后却不免感叹：为何拖到现在呢？这套录音的内容很丰富，反映指挥家战后的现场演出风格十分全面，12CDs的内容完全是Furtwangler&BPO的组合。诚然无论在萨尔斯堡、拜罗依特、伦敦、罗马，还是在斯德哥尔摩，或者埃及，都留下富特文格勒战后录音的光辉；有些是与维也纳爱乐合作，有些是与水平不一的当地乐队合作。这些录音都是不能忽视的，然而富特文格勒与柏林爱乐在他们大本营的演出对于指挥家的战后年代而言，还是有着坐标原点般的分量。这套录音囊括了太多名演，十二张唱片从1947年5月25日大师重返舞台，指挥贝多芬第五、第六交响曲的首场演出开始，到1954年5月23日，富特文格勒最后一次在柏林登台，指挥相同作品的音乐会结束。指挥家战后在柏林的演出也有些不是RIAS的，譬如1952年勃拉姆斯“第一”的现场，但本套唱片内容之丰富，品质之超凡，仍每每给我荡漾于珍宝馆中的感觉。

该书是钢琴教学中必备书籍，25首曲子，每首曲子各有风格，适合初学者技术难点训练，音乐性非常棒！

这张专辑是意大利指挥家卡罗·马里亚·朱里尼的录音精选辑。参与演奏的乐团：爱乐乐团、芝加哥交响乐团、巴伐利亚广播交响乐团、都灵广播交响乐团、维也纳交响乐团。 卡罗·马里亚·朱里尼（Carlo Maria Giulini，1914年5月9日-2005年6月14日）意大利指挥家，20世纪重要的指挥大师之一。朱里尼的指挥风格优美而华贵，注重细部的体现，又不失完整性。强劲处有如排山倒海，细婉时又好似潺溪回环，幽韵谐婉，让人感到情真意蕴，贴切自然；由此，得到了“一位有着贵族气质的杰出指挥家”的美誉——他以追求高雅的气质、细腻的旋律线条刻划和严谨的结构勾勒为特色；他指挥的管弦乐大都呈现出很高贵的表情，而对歌剧的处理可能更优于管弦乐。 唱片中最早的录音是1956年录制的斯特拉文斯基和比才的作品。爱乐乐团的情绪显得非常高昂，节奏富于变化，音色温暖而充满活力。两首曲子都是在金斯威音乐厅里录制的。另一首由爱乐乐团录制的曲目是马勒改编的舒曼《第3交响曲》，录音时间是1958年。同样，那种清澈、温暖的音色，也正是那时乐团录音的典型音色。在Abbey路录音室的那些录音，还要优于在金斯威音乐厅的录音。 《坦克雷迪序曲》录制于1964年。这些录音在很长时间都是作为EMI录音室里罗西尼序曲集的一部分。如果你聆听了这个录音，你就会感觉这就是所需要的那种诠释，并且富于朱里尼歌剧风格的特质。从过去从未发行过的录音角度来看，这是这个系列录音中最优秀的之一。因此，我们能够有机会更多地了解指挥家的艺术思想，而不是重复听一些过去已经发行的录音。 芝加哥交响乐团演奏的贝多芬《第7交响曲》是典型的大西洋彼岸的风格：宏大有力的铜管加上朱里尼在慢板乐章中一些自然活泼的诠释，但确实把舞曲中的精髓带给了听众。

小旭音乐出品，让我们一边听音乐一边去旅行

这是一张充满著音乐魅力、想像力而且任何人都可以轻易欣赏的专辑。在现今一辈的音乐家里，王健是少数拥有强烈个人风格的独奏家，他的音乐细致、抒情又不失温暖，表情虽然变化多端，却又显得朴实、单纯内敛，这种独特的音乐美感不浮夸而且稳健，在打动听众的内心的同时，让人产生时间静止的错觉，丝毫不觉时间流逝。 波凯里尼是巴洛克时期非常著名的作曲家，也是十八世纪最杰出的大提琴家，为自己熟悉的乐器谱曲，自然是驾轻就熟。这首大提琴协奏曲有巴洛克晚期大提琴演奏技巧的特色，表现出当时大提琴演奏技巧与音响的极限。 法国作曲家库普兰为大提琴与弦乐器所写的音乐会小品完成一七二八年，是他晚年的杰作，有著库普兰典型精致的风格。 弗列斯科巴第和库普兰同样是管风琴师，他的托卡塔颇有阿比诺尼著名的《慢板》之风。 最后一位作曲家蒙恩是十八世纪的奥地利管风琴家与作曲家，他的协奏曲是维也纳作曲家里，第一位出现古典风格的人，特别是这首大提琴协奏曲（可说是蒙恩最出色作品），低音音域的创作手法令人印象深刻。